【記者黎昕俞台北報導】牆上懸掛著一系列宛如複製品的畫作，其中卻隱藏著許多微妙差異。國立臺北藝術大學美術學系胡馨方，於9日在北藝大南北畫廊舉辦個展《SAMPLE》，他藉由大小型態不同，但卻相似度高的作品，表達現代人拍照時常使用濾鏡，導致社群媒體上流竄著相似影音的現象。 胡馨方個展《SAMPLE》探討當今網路世代愛用濾鏡拍照的現象。展覽於9日在北藝大南北藝廊展出。　圖／黎昕俞攝走進展場，映入眼簾的是一整面以桃紅愛心為底，人物在前擺拍的畫作。本次個展中，胡馨方將所有畫作統稱為〈SAMPLE〉，他表示在瀏覽社群媒體時，自己時常被演算法推薦高相似度的影片，讓他審思模仿與複製的定義，「雖然都是不同的人，但在看完影片後卻覺得他們都是相同的人。」他刻意避開以版畫刻印出相同作品，反而利用噴槍徒手畫出相似的圖案，並讓人物的姿態有所不同，將複製與模仿的差異體現在作品中，他說：「我想強調每個人的外型雖然不同，但是本質和行為上其實都是一樣。」當以噴槍完成作品以後，胡馨方便用白膠製作出花紋，黏著在畫上，以回應個展主題，藉此模擬現代大眾愛好使用濾鏡的現象。同時，他在作品中繪出由下而上的打光方式， 讓它們具有光澤感，並將畫作置於同面牆，他說：「我想表現傳統舞台劇的視覺效果，彷彿觀眾在看畫中角色表演的狀態。」 為回應個展中的「複製性」，胡馨方在每件作品中上，黏著以樹脂製成的圖騰，模擬出「濾鏡」的感覺。　圖／黎昕俞攝談及將作品取名為〈SAMPLE〉的原因，胡馨方注意到現代人們喜歡在拍照時使用濾鏡，或是依照模板拍攝影片，導致大量如同樣本般的影音漫佈在網路上，他補充說：「它們只是恰好被大眾挑選、仿製而成，而我的作品就是其中一組數據樣本。」因此，胡馨方並未將作品個別取名，除了抹去每件作品的獨特性之外，同時也希望讓觀眾藉此反思自己的行為是否也是一種模仿。觀眾Hank（化名）表示認同藝術家的看法，「這些畫彷彿中古世紀的肖像家族畫，讓我覺得莫名的恐怖卻華麗。」 胡馨方特意不為作品人物畫上肌膚紋理等細節，藉此回應個展主題中的「複製性」。　圖／黎昕俞攝為呈現畫作中的複製性，胡馨方讓所有畫作以桃紅色的愛心為底，畫上不同姿勢的AI建模人像，「我刻意忽略人物的肌肉線條或是細微皮膚紋路，讓它看起來較平滑且具有膠感。」觀眾咪咪（化名）則認為藝術家使用的色彩，讓作品有種詭異的空洞感，當他代入自身感受時卻又會有隔閡的感覺。此外，胡馨方也特意讓人物去性別化，更不替它們畫上頭髮，「我想表達大眾愛用濾鏡的社會現象，純粹是我們這世代的產物，無優劣之分。」他補充道。

【記者黎昕俞台北報導】小女孩將粉嫩的色彩注入作品，童趣之中試圖重整過往感受。國立臺北藝術大學美術學系張瑄祐，12日起在天鵝座芝藝術展覽空間舉辦個展《天使注視》，張瑄祐利用平面創作或布織品，以第三人稱視角觀看過往自身經驗。談及選擇以《天使注視》作為個展主題的動機，張瑄祐說：「有時候我會用第三視角去看我以前經歷過的事。」他表示在這個狀態下進行創作，如同神話中記載的天使般，帶著純潔的眼光，溫柔呵護凡間的萬物。因此，在創作本次個展作品時，張瑄祐皆嘗試跳脫自我，試著用第三者的角度重新看待自身過往經驗。觀眾王同學（化名）認為個展彷彿張瑄祐的內心世界，夢幻卻黑暗。觀眾Luke（化名）則表示使用柔軟的布料、便條紙日常的塗鴉作為媒材，「像是把自己幻想的房間搬到展場玩扮家家酒，日常又不日常。」模擬中世紀宗教畫構圖的作品〈無題〉，張瑄祐抹去宗教的意涵，將其轉現成他在犯錯後，罪惡感作祟卻又希望能被救贖的心境變化。畫中白色頭髮的女孩象徵無道德瑕疵的個體，其他圍繞在他身旁的女孩，則代表犯錯者自責懊悔的複雜情緒。張瑄祐表示，這些女孩其實都是他自己，「如果我犯錯，會很在乎他人怎麼想，但其實對其他人而言或許並不代表什麼。」 作品〈無題〉中，張瑄祐取材自中世紀宗教畫的構圖，探討人犯錯後的心路變化。　圖／黎昕俞攝在系列作品《布拎布拎》中，張瑄祐以「布」織出不同造型的建築物，表達他對安全感的想像。談及使用布作為媒材的原因，張瑄祐表示比起繪畫，觀者可以直接透過布料的材質，對創作者的作品有初步的想法。因此，在作品〈小屋〉中，張瑄祐將粉色系蕾絲內褲拼接成屋頂，並將乾淨的保險套裝入亮粉，再拼貼成拱門的造型。他試圖描述青少女對性的想像，並利用材料的質感，讓觀眾能直接明白主題。「這些全新的材料都不具有生活痕跡，代表少女對性沒有過多遐想的純真。」他補充道。 〈小屋〉是張瑄祐以活潑童趣的方式，想像青少女對性的幻想後縫紉而成的布製品。　圖／黎昕俞攝同為系列作品之一的〈燈塔〉，則是作者在閱讀完維吉尼亞．吳爾芙（Virginia Woolf）的《燈塔行》（To the Lighthouse）後，將文章中給予作者及當地居民安全感的燈塔，以布料縫製而成，藉此比喻為上大學後的家鄉，並投射自己在外讀書時對家的感受。他刻意選用涼被材質的布料，讓觀眾聯想到在家蓋棉被的兒時回憶。此外，他也在作品中縫製絲綢等較可愛的元素，除了以輕鬆有趣的方式表達鄉愁，也希望用隱晦的手法去講述思鄉的憂愁情緒。 作品〈燈塔〉以兒童常蓋的涼被材質製成，象徵張瑄祐上大學後對家的投射。　圖／黎昕俞攝

【記者黎昕俞台北報導】動作奇異多變的人或跳舞、或扭腰，或以不自然的姿勢位居畫中各處，呈現一股怪奇的氛圍。國立臺北藝術大學美術學系碩士生翁榛羚於5日在金車文藝中心承德館舉辦個展《怪誕劇場》。翁榛羚以銅板腐蝕的版畫手法，結合屏風、扇面等具東方元素的媒材，刻畫出對現代社會價值觀的想法。 翁榛羚個展《怪誕劇場》從自身觀察出發，他認為作品皆有種「旁觀他人之痛苦」的氛圍。展覽於5日在金車文藝中心承德館展出。　圖／黎昕俞攝《怪誕劇場》中作品多以描繪人物為主，但翁榛羚刻意讓畫中人物做出歪曲奇異的動作，呈現神秘詭異的風格，回應個展名稱的「怪誕」概念。此外，翁榛羚也特意不替某些人物畫上表情及服裝，並在展區中對個別作品打上聚光燈，他說：「觀眾站在畫前觀賞時，就像在劇場中觀看這些人物表演的狀態。」 作品〈惡之花〉以冊頁為媒材，描繪出日常家中常見元素，但畫中人物卻像是在受苦掙扎的狀態。　圖／黎昕俞攝本次個展中，翁榛羚皆以銅板腐蝕技法進行創作，在雕刻銅板後，使用酸性液體腐蝕出刻痕。為直接感受銅板被侵蝕的凹槽深度，他選擇不戴手套親自觸摸，「液體停留在手上的痛癢感覺，對我而言有種另類快感。」而銅板腐蝕技法需轉印機壓印圖像，因此在畫紙的周邊會產生壓痕。為突破傳統版畫大量印製的複製性，翁榛羚也刻意在圖像四周以線香燃燒，使其邊緣產生不可逆的燒痕，他說：「我想要展現雖然媒材是版畫，但它卻不能再被複製的獨特性。」 〈怪誕之愛〉中主角皮膚上皆有斑點，除回應翁榛羚因徒手碰酸液而過敏外，也象徵人們在情感上受傷卻仍執著的狀況。　圖／黎昕俞攝翁榛羚在系列作品《人生當鋪》中，將古代象徵文人雅士悠閒意象的扇子，轉化成當代社會變遷下焦慮與忙碌的狀態，他說：「當代跟古代對扇子的作用不太一樣，現代是一種裝飾，不像以往有典雅清閒之意。」翁榛羚在扇面上刻畫許多圍繞在賭桌旁博弈的人，並轉印大量「當」字，象徵現代社會大眾急於典當自己善良純真的優點，以追求金錢權力的現象。同時，翁榛羚畫出奇形怪狀的裸體人像混雜在人群中，各自做出畸形、詭譎的舉動，猶如劇場中的表演者，「我想表達現今社會中資訊的混雜，這對我而言相當奇怪。」 翁榛羚個展《怪誕劇場》從自身觀察出發，他認為作品皆有種「旁觀他人之痛苦」的氛圍。展覽於5日在金車文藝中心承德館展出。　圖／黎昕俞攝在作品〈怪誕之愛〉中，翁榛羚將西方畫作結合日本浮世繪，表現他所觀察的當代感情現象。他使用屏風作為載體，「因為屏風具有東方傳統意味，文人們會在前喝茶聊天，觀賞上面的圖像。」畫中主角的皮膚皆有過敏般的斑點，旁邊則有日本浮世繪中，常用來代表祝福的老鷹、公雞等動物，表達人們雖在情感中受傷，卻仍選擇耽溺其中。為了打破傳統的畫風類別，他特別在畫中結合東西方元素，「像劇場舞台的人們有著不同的角色，當在舞台上各自表演時，會不會有一些新的火花存在，是我想探討的意象。」 作品〈怪誕之愛〉是一件以屏風為媒材的作品，結合東西方畫作常見元素，試圖打破畫作分類的僵固性。　圖／黎昕俞攝「〈怪誕之愛〉取自西方畫作的主角竟被具有佛教色彩的蓮花環繞，加上背景中數個裸身小人肢體如此怪異。」觀眾Will（化名）認為，三個迥異元素的交會並未讓他產生強烈的衝突感，反倒成為一種詭譎的平衡。觀眾瑄瑄（化名）則認為作品最特別的是線香燃燒的部分，「它和作者想與身體連結的刺痛感互相呼應，更因打破傳統對版畫印製的複製性，讓作品變得獨一無二。」

【記者張雅媜綜合報導】「真的、假的只取決於你用什麼角度去觀看。」國立臺北藝術大學美術學系鄭尹真於3日在北藝大南北藝廊舉辦個展《說個笑話，真的！假的？》。此次影像創作中，他利用拍攝角度與道具製造出幻視效果，引領觀眾改變觀看方式，並重新審視所見事物的真實性。 鄭尹真舉辦個展《說個笑話，真的！假的？》，3日於北藝大南北藝廊開展。　圖／鄭尹真提供走入展場，木製的紅色房屋模型映入眼簾，如同視力檢查時，驗光儀中常見的房屋圖像。鄭尹真在模型門上鑽孔，將影像作品在孔洞中放映，讓觀眾以窺看貓眼的方式觀看作品〈真的假的〉。當觀者眼睛靠近視窗，會先看見房屋座落於稻田間的遠景，再隨著鏡頭逐漸拉近，便能看見鄭尹真在房屋內擦拭窗戶玻璃的身影。 在作品〈真的假的〉中，鄭尹真於觀看視窗前打上聚光燈，引導觀眾視線。　圖／鄭尹真提供當作品〈真的假的〉影像畫面放大至窗框與貓眼視窗吻合時，則會產生鄭尹真正站在對面，擦拭著觀者眼前視窗的錯覺。他說：「希望透過不斷變化的視角，讓觀眾體會到，從不同角度觀看事物會有不同的解讀與感受。」觀眾Tammy（化名）表示此作品引起他與自身經驗相關的想像，「觀看時有正在檢查視力的既視感。」 鄭尹真將影像嵌在手掌大小的孔洞中，讓觀者以使用驗光儀測試視力的姿勢觀看作品〈真的假的〉。　圖／鄭尹真提供除了將虛擬圖像實體化，鄭尹真在展覽中更嘗試偽造實物，創造真假難辨的視覺效果。在作品〈等待的過程 — 美得像假的景象〉中，他以沐浴乳、壓克力顏料混合些許雜草偽造出鳥屎，並從汽車內部拍攝影像，呈現鳥屎一再滴落於擋風玻璃，再被雨刷抹開、拭淨的畫面。鄭尹真提到，鳥屎砸在擋風玻璃上對許多人而言是倒楣的事，但他卻覺得，凝視汙垢被反覆刷掉的過程相當浪漫，他說：「觀眾重新觀看這個畫面時，或許也能體會到我所感知的療癒感。」 鄭尹真將作品〈等待的過程 — 美得像假的景象〉直接投影在樓梯上，並擺放沙發，讓觀者以不同觀看角度欣賞作品。　圖／鄭尹真提供鄭尹真也在作品〈許願池〉中，展現出自身對日常現象的不同解讀。他將人們許願時映在水面上的倒影，幻化為困在水池中的魚，鄭尹真說：「就像人們被困於自身願望，在無盡的希冀中自溺的狀態。」因此，他指導演員模仿魚向上吸吮的動作，並在水面上架起一層透明玻璃，拍攝出擬魚化的人類被阻隔於水中，無法探頭呼吸的窘境。展出時，鄭尹真更將作品投影在自製水池中，讓觀者有親臨實境的感覺。 鄭尹真選擇將影像直接投射在水面上，營造演員在水中掙扎的實境感。　圖／鄭尹真提供鄭尹真試圖讓觀眾看見不同角度可能產生的視覺差異，進而引發觀者思考真實的意義，他說：「我製造虛假，想讓大家意識到，許多我們以為的真實其實都是虛假，重要的是你決定怎麼觀看。」觀眾水母王（化名）也認為，鄭尹真以影像或物件重設觀看視角的手法，讓他在觀展時不禁思考，「是否有鏡頭以外的力量，正影響我們對所見之物的認知。」

【記者陳婕柔台北報導】「藝術創業受眾較小，但希望這次融合科技後能讓更多人願意碰觸藝術。」犇藝獎參賽成員莊恩齊表示。國立臺北藝術大學於2日首辦犇藝節活動，決選團隊裡有兩組以新媒體科技為題材拿下二、三名，他們嘗試用熟悉的藝術結合商業思維，並在犇藝節中呈現藝術創業的成果展演。 首屆犇藝節與Underground Studio合作規劃策展，以綠植融入場佈設計，建立永續經營理念。　圖／北藝大創新育成中心提供「北藝大很多學生從來沒想過創業，而多數民眾也很難理解藝術，所以犇藝節用簡單的創業形式讓大家了解『藝術即生活』。」北藝大創新育成中心育成經理林錦德表示，校內大部分學生僅會創作，沒有足夠商業思維，所以近年校方融入多元程式設計與創業輔導課程。「光影魔匠工作室」獲選犇藝獎第二名，團隊打造一款餐廳經營遊戲，運用可愛、活潑畫面親近大眾。電影系出身的楊悅誠表示，自己曾想用電影呈現漫畫地下城的故事，卻一直無法完整詮釋，「其實電影視覺特效與遊戲科技理念越來越像，剛好有專精美術與音樂的朋友願意合作，才有〈地窖食堂〉這部作品。」然而負責美術設計的杞欣庭卻也感受到藝術與大眾之間的隔閡，「初衷是想讓大家都喜歡我們創建的世界，但我們又無法掌握玩家喜歡的元素。」他點出團隊目前的難題是開拓市場。第三名的2ENTER 貳進團隊擁有主攻美術、程式、編寫遊戲以及3D影像設計成員，作品〈Data-Verse Taipei 02〉將巨量資訊化為圖像，透過VR眼鏡將作品投射到民眾目光中，場景包含北藝大附近的北投溫泉、北漂學子常佇足的台北車站等等，成員莊恩齊說：「這些都是我們的生活軌跡，想讓大家體驗轉個彎就能遇見不同日常。」他針對藝術創業的困境補充，新媒體藝術需要投入大量資金來佈展、購買器材，儘管犇藝節有獎金，仍支撐不起創業的開銷。 2ENTER 貳進團隊將迷因、彈出式廣告等現代網路元素加入作品中，增進藝術與大眾共鳴。　圖／2ENTER 貳進團隊提供參與犇藝節後，民眾對新媒體藝術創業有更多感想，新媒體藝術學系碩士生江品萱表示，這個領域重視人與藝術間的感知，2ENTER 貳進團隊用即時運算帶給人對於未來的想像，「現在機器人可以寫程式，但它很制式，我做藝術時與人的互動才會有活著的感覺。」民眾張晉禎則表示，「藝術會隨著大家習慣的媒介而改變，藝術家的優勢也會隨之有更多元的發展可能性。」 北藝大學生路過書店穿堂，駐足在展品前，翻看犇藝獎競賽團體創作的過程。　圖／陳婕柔攝獲獎的兩組團隊在比賽中體悟到藝術融合商業的阻礙，而北藝大創新育成中心為了開拓學生商業視野，推動三項藝術創業課程，犇藝獎更是以公開徵件以及辦理工作坊的形式，提供師資顧問輔導，期盼大學生能自主跨領域合作，突破自身系所框架。「像是我們都很不熟悉怎麼處理稅務、怎麼成立公司。」楊悅誠希望北藝大能增強商業培訓課程的深度，讓團隊未來可以順利發展得更成熟。

【記者李雨羲綜合報導】以色彩勾勒情緒起伏，在渾沌中描繪出靈魂的千百種形態。來自國立臺北藝術大學美術學系的徐宇謙，於11月27日起舉辦個展《靈魂詩 The inner flesh》，透過油彩與素描，形塑出靈魂的樣態，並試圖進入難以觸及的內在世界。 徐宇謙個展《靈魂詩The inner flesh》於11月27日起至12月1日舉辦於北藝大美術系館南北藝廊二樓。　圖／李雨羲攝「我究竟為何而悲傷？為何而愛？我至今仍然無法為他們找出一個解釋。」徐宇謙表示，他所想像的內心世界相當渾沌，無法透過確切言語去形容它的樣貌，因為內心情緒並非清晰獨立，更多是以相互堆疊且混亂的狀態存在。因此，他想藉由此次創作，在繪畫過程中沉澱自己，再梳理出不同瞬間的感受。 徐宇謙在展場中穿插素描與油彩兩種媒材，油彩厚重且凝固速度較慢，用以表達長時間的情緒，而素描則如同拍照一般，捕捉瞬間的心情。　圖／李雨羲攝「我們總是傾向於把所有無法以外在物質描述的事物歸類於靈魂。」徐宇謙認為內在世界中的精髓便是靈魂，而每一瞬間狀態都不盡相同的靈魂，讓人們無法以準確的物理條件去感知，只能隱約體會到它的存在。因此，在〈Chaotic〉中，徐宇謙將靈魂與現實分別以團塊和水流去做對比。水流象徵著現實事件在我們眼前上演並前進著，而我們的內在則是渾沌地滯留在一旁，看似靜止，其實情感仍不斷地相互抵銷又重新組合。 徐宇謙將素描畫作佈置在展場的角落，並以不同的深淺與層次呈現，藉以引導觀眾的視覺動線。 　圖／李雨羲攝除了形態之外，徐宇謙更將自身情緒入畫，透過不同色彩的堆疊，紀錄在創作過程中出現的情感。在〈Misty〉中，雖然徐宇謙未畫出明確主題，但他嘗試將自己對於世界的觀察與理解，連結色彩與情緒，呈現在作品之中，「世上的歷史與文明都成了生活中的一環，也在間接影響著我。」觀眾北藝大美術學系Cora（化名）表示，他在展覽看見與平時截然不同的徐宇謙，「我想像中的他是心如止水，但從他的畫中卻看見了更多的暗湧。」 徐宇謙分享自己替作品命名時，經常以作畫時的情感連結作為主題，像是〈Misty〉便源自於作畫時聆聽的Ella Fitzgerald《Misty》。　 圖／李雨羲攝「紅具有很多的意思，苦的、痛的、慾望的，甚至是戰爭的沉重。」徐宇謙解釋，作品中大量使用的紅色元素，是為了表達戰爭的血腥與沉痛。在籌備過程中他也透過閱讀《摩洛哥流謫》一書，啟蒙了自己對於戰爭的關注與了解，再加上恰逢「以巴戰爭」，更間接加深徐宇謙對於文明情感的複雜性，並將其透過「紅色」投射在作品之中。 過去徐宇謙較常以原色表達純粹的情感。接觸了梵谷（Vincent Willem van Gogh）的作品後，才意識到情緒的複雜性，進而嘗試使用更多色階去創作。 　圖／李雨羲攝「詩精簡卻文意盎然，畫直觀卻富含情感，他們與靈魂在我的展覽中網狀交織。」談及展覽命名緣由，徐宇謙表示靈魂總是自由而不受拘束，就像詩一般靈活跳躍，而畫則給予了靈魂穿梭的空間。觀眾北藝大美術學系陳同學（化名）表示，自己在觀展的過程中與徐宇謙的作品十分有共鳴，好像也能在這些畫作之中看見類似於自己靈魂的模樣，「每個人或多或少都會有像徐宇謙一樣混亂的內心世界，差別只在於我們如何去表達它。」

【記者黎昕俞台北報導】舞台上灰色場景隔出三間房，大量通風管遍佈在場上，角色們在密閉昏暗的空間中時而喧嘩、時而談心。2023國立臺北藝術大學戲劇學院佰玖級畢業製作《食用人間》，24日至26日在北藝大戲劇舞蹈大樓姚一葦劇場演出，藉由角色之間對「狼」的不同詮釋，帶出人們只專注在自身價值觀，而不願以更自由的心靈去理解他人的現象。陰暗幽閉的舞台空間上，角色們哀愁的圍坐成圈，雙眼無神的吃著由狼提供的食物。《食用人間》描述在末日來臨後，食人的「狼」將倖存人類區隔在島內，並規定他們無法食肉。島上植物也因貧脊的土地難以生長，人們只能依賴島外的狼定時供給食物維生。故事中四位主角被迫居住在一起，在看似和諧的生活中，因家裡遺失的一隻「手指」掀起波瀾，更引發誰是狼的猜疑與爭執。觀眾R小姐（化名）說：「劇中個性不同的角色所展現的衝突和拉扯，讓我反思自身面對人際關係或社會價值差異時，所展現的不同情緒。」 《食用人間》描述在末日後，人類被食人的「狼」拘束在島內無法自由行動。飾演真真的林品含將狼視為神，他相信人類若將己身獻給神，靈魂便能與狼相存。　圖／鄭文凱提供本次演出是《食用人間》首次在台灣以舞台劇形式展演，過往只有以讀劇的方式呈現。就讀北藝大劇場藝術創作研究所，也是本劇導演的歐陽劭祈補充道：「起初與演員建立相同的世界觀是排練時最大的困難。」談及選擇此劇本改編為舞台劇的原因，飾演女主角真真的林品含表示，選擇劇本時會優先考慮表演性，讓演員能夠盡情發揮，「當初是被劇本簡單且具生活感的台詞吸引，而當各個角色鮮明的立場碰撞時，也可以考驗我們的能力。」 戲中每位角色對待狼的態度皆不同，其中飾演小瀚、就讀北藝大戲劇學系的龔家右，對於姊姊在爸媽被狼帶走後，仍將狼奉為神的信仰很不諒解。　圖／鄭文凱提供為了將原劇本中壓抑的情緒氛圍，以視覺方式呈現給觀眾，團隊特別將背景設定在地下室。「因為照不到陽光容易讓人處於瘋癲或憂鬱的狀態。」歐陽劭祈說明，舞台空間設計是以灰色調為主，而遍佈舞台上的通風管，則是劇中人們唯一可與外界聯通的管道，也是會定時發放物資的輸送帶。畢製生之一、舞台設計陳翊心說明，起初他是以迴轉壽司店為發想，「想表達在密閉空間中，角色一日三餐被這條輸送帶控制的限制性。」 同為北藝大戲劇學系畢製生的蔡宗祐，飾演角色鄧軍，是角色群中唯一見過島外環境的人。　圖／鄭文凱提供《食用人間》也透過配樂，呈現劇中人們困在島內的不安。就讀音樂與影像跨域學士學位學程的音效設計劉辰君，刻意將劇中某些歌曲改編成模糊、有雜音的音質，除了讓音樂更貼近劇中「末世感」定位，也想讓觀眾體會在末日之後，被迫居住在破爛環境的感受，「因為在末日後僅存下來的電器會被腐蝕，所以我認為它播出來的音質也會比較破舊。」他補充道。

【記者邱昭華綜合報導】「我試著拆解水墨畫的媒材，去進行有別傳統的排列組合。」國立臺北藝術大學美術學系學士班陳竫虹26日起在國立臺北藝術大學南北藝廊，舉辦創作個展《明淨》，希望透過作品跳脫「紙張輔佐水墨」的既定印象，拓展紙材創作的可能性。陳竫虹以往的創作多是傳統水墨與膠彩畫，但他認為若只專注在筆墨技法，容易落入文人畫的固定模式。因此，他在《明淨》中首次嘗試以「裱紙」作為創作主體，顛覆大眾對水墨畫的傳統印象，並使用空間裝置探索當代水墨的新穎面向。國立臺北藝術大學美術學系學士班李欣諭認為，《明淨》用紙張當作主要媒材，讓作品空間感更為突出。「在傳統上，無論是國畫或是其他繪畫，顏料皆需不斷覆蓋於紙上，才能夠使一幅作品更趨近於完成。」陳竫虹表示，他在作品〈0〉中試圖打破此框架，反轉「墨在前、紙在後」的圖層概念。他先將濃墨塗在一張宣紙上，接著不斷疊加經剪裁或撕碎的紙，「這件作品的底墨像是紙，而上面的紙反而像墨一樣。」陳竫虹拋開作畫慣用手法，堆疊出厚度不一的紙層於水底墨上，使其底墨透出不同深淺的顏色變化，提供觀者欣賞水墨畫的新視角。國立臺北藝術大學美術學系學士班楊之涵觀展後，對〈0〉留下深刻印象，他說：「這件作品似乎挪用了西方圖地反轉的概念，顛倒紙墨的主客關係，是相當有趣的畫面。」 〈0〉是以濃墨作底，疊加剪裁或撕碎過的宣紙於墨上，打破以往用墨作畫的框架。　圖／陳竫虹提供陳竫虹也在創作加入書畫裝裱中「裱褙」的手法，有別以往多將紙材裱於布或絲織品上，他使用木塊襯底並黏糊宣紙。作品〈留白〉遠看像是塗上白色油漆的立體圖形，近看則是宣紙附著於表層。「我當時在思考，如果水墨畫不再是從平面中出發，而是從立體雕塑去創作，會產生什麼樣的結果。」陳竫虹解釋，他運用裱褙的方式，把潔白純粹的宣紙貼附在立體裝置上，再利用展場燈光與雕塑品凹凸不平的外觀，形成光影的漸層。 〈留白〉是陳竫虹此展第一件誕生的作品，他以擅長的裱褙技法結合木工，創作出立體雕塑。　圖／陳竫虹提供不同於展場其他作品，〈無題〉不只使用宣紙，也應用雲龍紙作為創作媒材。「雲龍紙的纖維明顯且粗糙，但宣紙卻是平整和光滑。」陳竫虹說明，在雲龍紙上疊加剪裁過後的宣紙，讓下方的雲龍紙在作品右上角露出，透過原始紙張及加工過後的兩種狀態，形塑出材質間的強烈對比。他也選擇天然糨糊作為紙張黏著劑，讓紙張達到一定厚度後自然崩裂，凸顯材質本身的美感。此外，陳竫虹刻意調整間距去堆疊紙張，使顏色接近透明的宣紙產生層次變化，強化其存在感。 〈無題〉運用雲龍紙及宣紙兩種紙材，形成材質間的對比。另外，逐漸崩解的作品邊緣，已形成不規則的線條與突起。　圖／邱昭華攝

〈偏軸華爾滋〉垂掛的炭筆隨旋轉軌跡在純白牆面劃下一道道黑色弧線，牆面如同一幅繪畫作品。　圖／何予攝【記者何予綜合報導】「在我的作品中，隨機性一直都蠻重要的，我希望它是浮動的，甚至是會壞掉的。」就讀國立臺北藝術大學美術創作研究所的鄭文豪創作《震盪之前》，在2022臺北美術獎獲得入選獎。作品自12月10日至2月19日於臺北市立美術館展覽室3A、3B展出。鄭文豪重新組裝拾得廢棄物並結合動力裝置，重現過去家中工廠機台的身影與聲響，藉以緬懷隨時代淘汰的家庭記憶。麥克風架裝設著規律旋轉的馬達，上方以銅條綁著炭筆，隨著旋轉軌跡在純白的牆面上劃下一道又一道黑色弧線。展期間，鄭文豪會不定期更換動力裝置〈偏軸華爾滋〉炭筆並微調麥克風架擺放位置，讓痕跡慢慢佈滿純白的牆面。「重點是在空間中留下一些痕跡。」鄭文豪重視廢棄物隨時間消耗殆盡的過程，因此在作品中使用炭筆、陶土塊、泡泡水等物件，藉此讓物件隨時間與過程消耗的特性被呈現在展場中。 鄭文豪重視廢棄物隨時間消耗殆盡的過程，因此使用陶製指頭。陶土塊在敲擊琴鍵時會產生碎裂，每次敲擊的位置、精準度和重量都會隨時間發生變化。　圖／何予攝鄭文豪將馬達、中古鋼琴、大型機具拆卸下的風管組合成複雜的大型拼裝物〈暗渠迴旋〉，透過凸輪裝置（註）和陶土製手指在琴鍵上敲擊，不和諧的音符與馬達敲擊響鈸的聲響貫徹展間。他透過拼裝動力機械和樂器，呈現工廠消失前吵雜、混沌的環境聲。「一開始以為他要彈奏什麼曲子，仔細聽又沒有，可是會意識到他在高音和低音的安排上還是有一點順序。」現場觀眾劉書妤表示，樂器聲響以及運轉中的機械讓他聯想到規律運行的宇宙。註：凸輪透過設計的不規則輪廓曲線，可使從動件產生預期的運動規律或傳送動力，被廣泛運用於各種自動化機械裝置中。鄭文豪家中曾經營傳統產業工廠，後因產業轉型被迫淘汰，轉為經營中古鋼琴買賣。「工廠一樓大型機具在運轉的同時，二樓會有工整的音律在彈奏，聲響是非常混雜的。」鄭文豪透過此展將記憶與過往的感官經驗融入創作，將其轉化為作品〈暗渠迴旋〉，他表示，記憶中混雜的身體感受，遠大於拼裝藝術作品的複雜程度，「那個吵雜、混沌環境的消失，確實對我有影響。像是有個身體記憶消失了。」他說。 〈暗渠迴旋〉中撿拾來的物件雖被丟棄，卻仍留有部分功能。鄭文豪保留其剩餘功能性並重新組織其用途，例如兩側的拐杖和斷掉的木製椅腳仍作為支撐功能被使用。　圖／何予攝「我不是要把它重現出來，而是用我會的語言去表達消逝的部分。」鄭文豪以自己的成長背景作為材料，希望透過作品呈現出物件隨時間變得無用的過程，來回應自家工廠隨時代淘汰的過往。他也認為，即便廢棄物重新組裝後無法產生實用價值和意義，但當觀眾思考作品帶給自身的感受，這個存在狀態就是有意義的，「雖然它們被丟棄了，可是在這刻又被我拉回來。」他說。 炭筆留下的黑色線段如同五線譜，與空間中的聲音相互呼應。展期間，鄭文豪會不定期更換炭筆並微調麥克風架擺放位置，讓痕跡慢慢佈滿純白牆面。　圖／何予攝

《曠日廢時》展場位在南海藝廊中，介於室、內外之間的開放式空間「後方水泥地」，過去堆放在此處的部分閒置物品，也被邱靖婷留下作為展品。　圖／何予攝【記者何予綜合報導】走進南海藝廊深處一塊連通室內、外的水泥地，播放中的影像和現場堆置的雜物重疊，難以辨認何者才是作品。「now playing... 鬧著玩 / 現正播放中 」是台新藝術獎20週年大展的衛星展。其中，臺北藝術大學藝術跨域研究所邱靖婷的系列作品《曠日廢時》以拆遷現場為主題，於11月29日至12月11日在南海藝廊的「後方水泥地」展出。錄像投影在窗框和門板上，內容關於邱靖婷友人家在大園航空城被拆遷的屋子。作品〈曠日廢時〉中，邱靖婷不以紀實手法紀錄現場，而是將沉重的現場氣氛結合友人口述的記憶和田野調查進行編導拍攝。「沒有想要太貼近，希望讓我或是看到的人，都可以去想：如果一個空間發生這樣的事情，那我們還可以怎麼想？」邱靖婷將現場觀察到的破磚殘瓦結合過去農田的景觀，配上踩碎玻璃的聲響和吃西瓜畫面等意象，傳達家屋的記憶將不復存在，藉此呈現家屋面對拆遷時的脆弱。 大園過去作為農業用地時多種植西瓜，邱靖婷友人與其母親皆提及過去在這棟房子內一起吃西瓜的回憶，因此西瓜成為劇本中的重要意象。　圖／何予攝展場上方，投影著循環播放的影像〈the day we meet〉，是關於桃園後寮一帶因興建體育園區被拆遷的巫家聚落。邱靖婷刻意在兩件作品的投影機前擺放半透明材質的抽屜櫃和窗框，使投影產生模糊的、間隔的效果，「我覺得人不可能真的看清楚一個東西，畫面中的時空現在不可能長這樣，可能是繼續拆或不見了。」邱靖婷認為，作品只能捕捉並呈現一個特定片段，但現實仍在持續發生中。 〈the day we meet〉拍攝大園巫家聚落拆除後的廢墟狀態，因展出場地上方和巫家建築屋頂皆使用塑膠波浪板，因此選擇將影像投影在上方。　圖／何予攝南海藝廊從2017年被國立臺北教育大學收回後維持著閒置狀態，直到這次展覽才重新整頓、開幕，但不久後又將面臨都更的命運。「場勘時這裡堆滿雜物，只有一個人可以通過的空間。」當時的邱靖婷看到展場與其作品中拆遷現場的共通點，明明仍是可用空間，卻被人為擱置，因此將這塊「後方水泥地」與作品連結，將整個空間佈置為一件作品，除了兩件影像作品外，展場角落還有印製在布料上的攝影圖像，邱靖婷說：「我選擇布料去做，是因為它會穿透，一定會看到這個環境裡的東西。」 邱靖婷將拆遷現場景象印製在布料上，披掛在場地原先閒置的木材。後方材質紋路會隱約從織物纖維間透出，和影像交疊。　圖／何予攝「在白盒子（註）裡不管放什麼東西，作品都會直接成立，但我關注的東西，放在那邊真的適合嗎？」邱靖婷在《曠日廢時》中實踐自己對於展場的反思，希望作品能和事件現場更靠近，並與展場本身產生連結。觀眾黃茂善認為，展場整體可以視作一件更大的作品，讓觀者得以進入藝術家重新建構的空間，對拆遷現場產生共鳴，「能跟場館現實進行一些因地制宜的對話，我覺得是蠻不錯的嘗試。」註：白盒子（White Cube）一詞常被用來指涉現代主義式的美術館展覽場，大多是白色的展牆，形成一種低干擾、無個性的標準展場空間。 邱靖婷為三個面臨拆遷命運的屋子作詩〈末日與腳印〉，並錄製自己讀詩的聲音。觀者可以選擇拿起耳機聆聽，或以自己的聲音感受此詩作。　圖／何予攝