【記者林芷彤報導】誇大的透視手法營造出視野上的寬闊，濃郁飽和的色彩引領觀眾進入虛實交織的世界。國立臺北藝術大學美術學系碩士生林芃10日起於台北S7美術館，舉辦個展《遙想更遠的地方》。林芃以油彩和裝置作品，融合個人對社會現象的觀察及民俗傳說的想像，創造虛實交錯的視覺語言。 「此次作品加入台灣公園和街道常見的裝飾性造形，包含雕像、鐵窗花、金屬仿古鐵門等結構。」林芃表示，在生活中觀察到這些建築的裝飾元素時，他常會思考這些物件出現在環境中的原因，並進一步探索背後可能隱藏的意識形態。展覽動線上的第一幅作品〈地平線〉，以古典主義風格的石雕為前景，遠處綿延出變形的樹木結構，林芃認為，這些造形象徵著跨越不同階級的生活幻想，承載著人們對美好生活的渴望與追尋。 作品〈餐酒前的酸刺味〉描繪中產階級人士悠閒的戶外用餐場景，林芃在畫作中運用違反常理的透視法展現人物關係，角色從左至右快速縮小，但彼此的距離卻未遵循傳統透視規則。此外，他大量使用淺綠、草綠與酒紅等色彩，傳遞虛幻而迷離的氛圍。「我想營造人們陶醉在一個舊夢，或過往美好時光裡的情境。」林芃解釋道。 談及創作手法，林芃表示，他刻意將固態的物件形塑成近似流動的狀態，並把看似虛幻的事物描繪得結實而具體。在〈炊煙〉中，他將本為縹緲的煙霧描繪得如實物般堅實；而在〈凝滯〉裡，堅固的石雕則被賦予了流動的姿態。他強調，這種處理方式是為了在寫實的景物中營造出虛幻，且有如夢境般的感受。 垂掛於展場中央的同名裝置作品〈遙想更遠的地方〉，以編織的繩結展現出延綿不斷的型態。林芃提到，這件作品選用繩索作為媒材，是因其編織的手感與他在繪畫中短促有力的筆觸相近，皆是一步步累積完成的結果，傳達出誠懇且細緻的創作態度。他亦說明，作品複雜纏繞的結構與修長連續的形狀，宛如一條延伸至遠方的道路，也具象化人類意識中無止盡的想像與探索。 「這是相當耐看的展覽。」觀眾柯曉如指出，林芃以單純的技法處理繪畫，並將民俗、藝術史與個人奇想結合，將畫作創造成一個如劇場般的空間，使作品可以反覆吸引人的視線。觀眾蔡名謹提到自己最喜歡的作品為〈炊煙〉，「作者透過筆觸跟抽象的造型，形塑出那些能被解讀的迷幻神情與物件，讓我在觀看時，思緒好像隨著畫面中的煙塵飄想到更遠的地方。」

【記者黃詠欣台北報導】國立臺北藝術大學電影創作學系碩士生陳俊先創作短片《昏飛》，以飛蚊症為符號影射現代的資訊氾濫，如同飛蚊般充斥生活。作品入圍2024金馬影展華語首映單元，並於17日在台北信義威秀影城首映。 《昏飛》講述一位罹患飛蚊症的舞者在聽取醫生建議後，相信食用鳳梨可以改善病況。陳俊先表示選擇飛蚊症為主題去敘述，是因自己從小就有嚴重的飛蚊症，「當我想好好放鬆享受一些風景時，它往往會跑出來以致我會分心。」陳俊先將飛蚊症會看見物體漂浮的症狀，結合人們難以擺脫資訊氾濫的社會現象，讓舞者隨意擺動姿勢表達無力感受。當代表演藝術家、主演阿爾伯特·加西亞（Albert．Garcia）表示，在拍攝當下並沒有事先排練舞蹈，而是自己內心想著各種刺激的感受，直接展現身體反應。 提及為何取名《昏飛》，陳俊先分享當蚊子在交配時，聚集一團的現象叫做「婚飛」，此外，由於片中角色為男性，故陳俊先刻意將女字去除。「我會偏向把飛蚊症當作是一個負面的東西。」陳俊先嘗試藉由《昏飛》提醒人們要對資訊保有判斷能力，並在片中加入曾真實發生的假新聞，使片中的醫生向舞者建議食用鳳梨緩解症狀，導致其病情毫無進展，以此強調查證的重要性。 陳俊先表示《昏飛》沒有事先寫好劇本，而是在有初步概念後兩人現場即興創作的作品。因此，陳俊先拍攝許多沒有相關性的素材，透過影像視覺和聲音的搭配，使觀眾在看影片時，彷彿也能體驗到飛蚊症的不適。陳俊先舉例電影開場時閃爍與背景過曝的畫面，便是以病人的主觀視角出發，表達醫生用手電筒檢查眼睛的樣子。 就讀北藝大電影創作學系的研究生林靖珊認為，「《昏飛》表達你愈想看得清楚，這些東西就會愈阻礙你，好像導演在問你，你看到的東西是真的嗎？」讓林靖珊反思是否自己能在現實生活中分清楚正確的資訊。為此，陳俊先說：「網路時代有很多東西讓我們分心，我們無法專心的去好好生活。」他期許，觀眾看完《昏飛》後能更專注在生活。

【記者洪翊程報導】國立臺北藝術大學學生會10月4日針對校內機車格不足，成立專案小組。北藝大學生會長蔡承翰表示，機車格不足是長年存在的問題，近期因許多學生再次反應，因此學生會成立專案工作小組協助處理。北藝大總務處也將召開相關會議，討論可行的解決方案。 談到校內停車格不足，北藝大新媒體藝術學系學生李芷萱表示，過去學生因機車格不足而違停的狀況，只在通識教室附近發生。今年因為宿舍整修，導致通勤生增加，車位問題也變得更加嚴重。北藝大劇場設計學系學生魏伶倢則認為，機車格問題已經存在許久，卻一直等不到校方改善，「從我入學就存在這個問題，不過校園本身就不大，可能也很難再空出地來畫停車格。」而小熊同學（化名）則指出，校方對違停車輛除開勸導單外，同時將鎖車，學生須支付300元罰金才能請警衛開鎖，有時鎖車地點位在山上，學生就必須徒步往來警衛室和鎖車地點。 為了解決學生停車的困擾，北藝大學生會成立專案小組處理相關問題。蔡承翰說明：「我們會做一些數據調查，這些困擾有沒有可能集中在某一區，可以針對某區的停車格或個案處理。」他補充，目前小組的運行還在起始階段，將先以問卷調查為主，藉此對校方施加改善學生停車現況的壓力。李芷萱則建議：「汽車格的停車位看起來非常充足，可能可以把一些汽車格規劃成機車格。」 針對學生提出機車格不足的疑慮，北藝大校方回應，校方已在不影響行人通行與安全問題的前提下，盡量滿足停車位的需求。目前校內共有1397個機車停車格，向校方申請通行的機車則約有1700輛，機車的停車格供給率超過80%，遠高於汽車格供給率40%。不過，校內停車未限定身份別，且校園為開放空間，校外民眾到校參觀時，多少會佔用師生對車位的需求。 校方強調，多數學生還是會認為「在哪個教室上課，車子就停在附近」，但除了上課處附近的停車格外，包括一心路停車場、游泳館旁、戲舞大樓附近等處共有約300個常態性待使用的停車格，可供學生使用。校方也表示，在本學期校長與學生代表座談中，亦有同學提到車位規劃問題，考量距離上次評估已過了七年，總務處將召開會議，與學生代表及校外專家評估可行方案。

【記者李宸緯台北報導】鼓樂齊鳴，花車與表演隊伍繽紛穿梭，隨著遊行隊伍將歡樂的氛圍帶入街道，為鬧熱關渡節揭開序幕。2024鬧熱關渡節（以下簡稱關渡節）在10月26日以踩街遊行作為開場，踩街團隊由關渡國小管樂隊、關渡宮、跆拳道館等組成，從關渡知行路行至活動主場地關渡棧橋水岸公園，活動現場更有森林市集、社區匯演與國立臺北藝術大學藝陣表演，透過在地團隊的演出，增進和關渡地區的連結，展現當地人文特色及樣貌。 今年的關渡節以「食歲」為題，除了用諧音來表達活動十周年外，「食」也傳達「民以食為天」的理念。關渡節策展人，現就讀北藝大藝術行政與管理研究所的方怡婷表示，圍繞「食」的概念，本屆首次舉辦「關渡宴體驗餐桌」，與15間在地店家合作，藉由藝術呈現關渡的飲食特色，藝術家發揮美學擺盤各類美食，說書人則娓娓道來在地美食故事，為關渡人打造一場視覺、味覺與聽覺的饗宴。 除了體驗餐桌活動外，北藝大藝陣是校內多年的傳統文化，對關渡地區而言也是頗具代表性的表演。藝陣表演以舞蹈、戲劇、音樂等多樣形式進行演出，並融合系所特色，讓觀眾感受到學生對於藝術的熱愛。北藝大課外活動指導組長王玉玲分享，今年為北藝大創校42年，以42的諧音「舍」表達宿舍的概念，以學校是學生們第二個家為題發揮創意，「同學們藉由藝陣設計發揮創造力之外，更能學習團隊合作的能力。」王玉玲補充道。 藝陣表演由動畫學系與美術學系學生進行演出。動畫學系以廣受大眾喜愛的動畫片為主題，利用道具生動呈現城堡與公主的形象，搭配戲劇表演和最後的合舞，將觀眾帶入童話般的夢幻世界。「結合『舍』的概念與系上特色，呈現大家熟悉的動畫片，一同回到童年時光。」參與本次演出的北藝大動畫學系盈承（化名）分享道。美術學系的藝陣表演則以戲劇形式呈現，劇中加入蒙古包、東方部落元素與北藝大校牛等特色，並靈活運用美術學系的專業設計能力，為全場帶來驚豔的視覺享受。北藝大美術學系黃翊婷談及發想過程，說道：「我們融合多位同學的理念，最後再進行統整。」將每個人獨特的想法融入到表演之中，才得以呈現具層次感的演出。 「希望藉由北藝大的藝陣演出將藝術的能量帶給關渡社區，打造出藝術小鎮的概念。」方怡婷說道。透過打造藝術村，吸引更多人了解這塊土地的人文風貌。談到關渡節與在地活動的未來規劃，他提到，「關渡宴體驗餐桌」首次舉辦便收到相當好的迴響，因此期許未來每個月都至少舉辦一場辦桌活動，不只讓在地民眾藉由「吃」來認識關渡，更能利用美食與藝術的特點，以關渡節作為起點，透過多元活動吸引外地人前來觀光，讓更多人了解到關渡的文化。

【記者張博媛新北報導】「你好，歡迎來看展！」稚嫩的聲音在展間此起彼落，吸引民眾駐足參觀。「眷村童話展」由「遊此藝說」團隊舉辦，於9月14日至10月27日在空軍三重一村（以下稱眷村）展出，將先前參與「眷村主播營」孩子的成果集結成展，孩子們更自發性地變身「小小導覽員」為現場觀眾導覽。 20日是「小小導覽員」活動最後一日，走入由防洪樓改造的展間，小小導覽員鄭芮竹、林立崴熱情地為觀眾介紹展間與展品。其實「眷村童話展」原本並未安排孩子導覽，然而展覽開始後，孩子們自主地向團隊提出親自導覽的想法，「小小導覽員」因此誕生。「眷村童話展」是一個透過五感重現孩子對於眷村印象的展覽。在視覺和聽覺呈現上，小小導覽員介紹他們自製的花磚和風鈴，從設計稿到成品都是親手完成。鄭芮竹、林立崴也分享他們最喜歡的作品，是使用眷村土壤為原料，並融合當地特色燒製而成的風鈴。走入隔壁展區則是孩子自己規劃的空間，展示營隊學習的採訪、拍片、製麵成果，連結眷村的嗅覺與味覺。最後則為眷村的觸覺特色，鄭芮竹為觀眾介紹「編竹夾泥牆」，並親手帶領大家體驗眷村建築文化中的編竹技巧。 「遊此藝說」由三位來自國立臺北藝術大學藝術與人文教育研究所的學生陳姿含、何沛蓉、張志瑋成立，透過藝術教育和共製策展，希望將文史內容轉化為孩子的創作根基，為舊有空間注入新的情感記憶。「我們認為眷村是一個可以打開，有很多不同面向的物件。」張志瑋說道。在層層剝開眷村這個物件後，「遊此藝說」期待藉由眷村和大眾產生更多互動，發想出重塑新世代空間與文化的「眷村摺學計畫」。張志瑋表示，孩子的可塑性強、充滿想像力，不會被成人思維框架，他說道：「最重要的是孩子與土地的關係沒有受到太多成年人的價值觀影響，他們覺得是什麼就是什麼，而且跟老文化之間是值得去碰撞的。」 「遊此藝說」藉由策展看見了孩子們自主性的成長。鄭芮竹表示自己學習到最大的技能便是現場導覽，「不僅要不停練習、把東西記起來，還要對應觀眾的反應做出其他調整。」他說。而在展區積極「攬客」的林立崴分享，在參加活動以前連「眷」這個字都不會讀，更不知道什麼是眷村，現在卻能侃侃而談地解釋眷村歷史，「與以往參加過的活動相比，這次活動學習到更多知識，令我大開眼界！」他說道。而鄭芮竹母親也表示，孩子在這裡更加積極，並願意主動向家人分享活動見聞，甚至能將所學與生活經驗連結，令他感到欣慰。 談及團隊未來規劃，張志瑋表示藝術教育與文史空間共製的計畫不會只停留於眷村，他們放眼華山1914文化創意產業園區、松山文創園區，思考如何轉化其他文史空間為新的學習、藝術場域。張志瑋也注意到展覽中的親子互動，「孩子喜歡在展覽停留，家長也藉由其他孩子的創作來引導自己孩子，驅動了另一種策展人與觀眾對話的互動。」他說道。「遊此藝說」希望未來能以此擴展受眾群體，讓更多人有機會接觸文史空間，創造文化與學習的共製環境。

【記者林沂葳台北報導】吶喊包裹在塑膠袋中，伴隨著捷運影像與聲音的閃現，震撼且壓抑的氛圍籠罩全場。今年關渡藝術節系列活動《222M》，11日至12日於國立臺北藝術大學舞蹈廳演出，以「台北捷運潛水夫症」事件為主題，透過傳統音樂、舞蹈及文學的跨域合作，讓觀眾用藝術的方式感知事實。 1993年捷運台電大樓站到公館站一帶滲水，捷運承包商決定加入壓氣工法施工，卻因減壓不當，導致工人處在異常壓力下，陸續患上潛水夫症等併發症，終身無法根治。北藝大傳統音樂學系、舞蹈學系、文學跨域創作研究所三系學生，以來自花蓮的工傷者為角色原型，於去年首次跨域展演《222M》。而今年團隊在實際走訪工人們的家鄉後，看見他們回歸樸實農村生活的模樣，特意加入「回歸」的元素，將原先較為尖銳、憤怒的版本，改以柔和溫馨的方式呈現。北藝大傳統音樂學系的林函昀說：「我覺得今年的演出就像一個句號，我們不用再去思考目的，而是以歷史的角度來看待。」 為將現實中工人們抗爭、回歸家園等狀態融合至舞蹈裡，演出過程中，舞者會隨著劇情走向而變換舞姿的力道，例如在展現工人們抗爭時，舞者們便以快速奔跑、跳躍的動作，彰顯其憤怒的樣貌 ; 而在後半段，演繹工傷者與家眷遇病痛也不離不棄的感情時，團隊便將舞步調整得較柔緩且輕盈，並以男女群舞及雙人舞呈現。就讀北藝大舞蹈系，也是主創團隊之一的蔡博鴻說：「雙人舞描述工人們回到農夫生活的狀態，最後男生們轉身站起來看向遠方，代表他們心裡仍有一份驕傲。」儘管具層次感的舞蹈張力，讓觀眾專注於表演帶來的氛圍，但為了避免強行輸出感受，北藝大傳音系教授蔡淩蕙補充：「我們不想規定觀眾怎麼想，所以在表演上有一點模糊性。」例如蜷曲的肢體可以定義成痛苦，也可以定義成掙扎。觀眾小香（化名）說：「用藝術的形式呈現，可以讓我們從別的觀點重新看待事件。」 演出當中，在三種藝術裡找到各自的價值和定位很重要。至於傳音系的作法是，用音樂傳達氛圍，例如傳音系使用的樂器，前期在舞者抗爭吶喊時搭配鑼鼓，使氣氛變得熱鬧沸騰；後期吹奏洞簫，空靈的音色呈現工人回歸自然生活的橋段。另外，由林函昀獨自彈奏的中東樂器烏德琴（Oud），有別於其他合奏帶來的豐富性，林函昀表示烏德琴不突出的音色，配上較為緩慢平靜的節奏，「就像一位說書人，不是故事的主角卻又在描述這件事情。」 「血是如何變慢的，這城市是如何變快的。」這是演出開頭不斷重複出現的一句詩詞。文學跨域創作研究所的梁家恩，刻意減少晦澀字詞，以簡潔有力的字句表達，因為捷運的興建，城市交通逐漸發達，但工人卻患上了潛水夫症的諷刺。而談到詩詞的傳達方式，梁家恩說：「我不想用太直接的控訴，所以從物質進入，比如談病症（血）、大環境（城市）。」 演出的結尾，布幕投影工人與妻子牽手在金針花海中散步，廳內環繞水流聲及鳥鳴，訴說著工人們如今的生活。連續兩年參與製作的梁家恩希望透過《222M》可以撫慰工人的心，也藉此讓觀眾了解「台北捷運潛水夫症」事件，避免在追求工程效率時，忽略勞工權益問題。

【記者鄭孟佳台北報導】右手一托，細緻而有力的音色從琴絃迸出，隨著左手滑動，餘音在樂廳裡如輕霧般迴盪。國立臺北藝術大學傳統音樂學系於9月29日舉辦「傳音三十：當我們JAM在一起」音樂比賽，除了展現中台古典音樂之美，也鼓勵來自不同領域的樂器彼此合作，展現音樂不受「傳統」二字限制的想像力和創造力。 比賽中特別設立的「跨界創意音樂組」，讓來自各領域的傳統樂器融合、共鳴出新的聲音。本次唯一一組參與跨界創意音樂組、同為傳統音樂學系的學生江昀諪和洪立馨，在演奏時利用中國傳統樂器古琴和南管二絃，共演收錄在《梅庵琴譜》中的〈秋風詞〉。比賽作品能在保有兩個樂種本質的基礎上做變化，是彼此的共識。兩人利用講求即興的越南傳統音樂「才子樂」創作，句尾的最後一個音皆會對在一起，讓他們的合作十分順利。 北藝大傳統音樂學系的學生，大學四年主修的音樂專業，涵蓋富有台灣特色的南管樂和北管樂，以及具有中國傳統樂器代表性的古琴及琵琶。這些在過去十分風靡的樂器，隨著精通傳統音樂的大師漸漸凋零，傳承顯得格外重要且緊迫。對此，本次在比賽中擔任評審的魏心怡指出，傳統要被刻意保存，這彰顯了傳統音樂學系存在的價值，「過往的聲音，如果沒有從學院多方面留存的話，真的很有可能會消失在時間洪流。」 「我們常常一提到傳統，就會覺得它是舊的、過時的，甚至是已經消亡的事物。」擔任比賽評審，同時也是傳統音樂學系老師的梁正一說。然而「傳」意為流變，「統」則代表它有不變的特性並形成系統，因此他認為傳統的本意即是在變化中保持不變，而音樂如東方的南管、西方的交響樂，便是全人類歷史上透過融合以創造、尋求新可能的結果。跨界創意本是自然發生的趨勢，學生若把根基打穩，自然會產生富有實驗性和創新性的作品。 對古琴有深厚情感的江昀諪認為，網路行銷、跨年齡層的工作坊以及跨領域攜手演出，都是推廣傳統音樂的好方式。同時，本次比賽的主辦人蘇筠涵認為，傳統音樂在社會上的存在就像小螺絲釘，雖然並非每個人都會注意到，「但一直存在著，這個文化才會成形。」就像活動標語——「Every note has its meaning（每一個音符都有它的意義）」。蘇筠涵希望透過比賽，鼓勵學生拓展思維，利用手中的樂器探索出新聲音，也讓更多人見證傳統音樂的風采。

【記者黎昕俞台北報導】牆上懸掛著一系列宛如複製品的畫作，其中卻隱藏著許多微妙差異。國立臺北藝術大學美術學系胡馨方，於9日在北藝大南北畫廊舉辦個展《SAMPLE》，他藉由大小型態不同，但卻相似度高的作品，表達現代人拍照時常使用濾鏡，導致社群媒體上流竄著相似影音的現象。 胡馨方個展《SAMPLE》探討當今網路世代愛用濾鏡拍照的現象。展覽於9日在北藝大南北藝廊展出。　圖／黎昕俞攝走進展場，映入眼簾的是一整面以桃紅愛心為底，人物在前擺拍的畫作。本次個展中，胡馨方將所有畫作統稱為〈SAMPLE〉，他表示在瀏覽社群媒體時，自己時常被演算法推薦高相似度的影片，讓他審思模仿與複製的定義，「雖然都是不同的人，但在看完影片後卻覺得他們都是相同的人。」他刻意避開以版畫刻印出相同作品，反而利用噴槍徒手畫出相似的圖案，並讓人物的姿態有所不同，將複製與模仿的差異體現在作品中，他說：「我想強調每個人的外型雖然不同，但是本質和行為上其實都是一樣。」當以噴槍完成作品以後，胡馨方便用白膠製作出花紋，黏著在畫上，以回應個展主題，藉此模擬現代大眾愛好使用濾鏡的現象。同時，他在作品中繪出由下而上的打光方式， 讓它們具有光澤感，並將畫作置於同面牆，他說：「我想表現傳統舞台劇的視覺效果，彷彿觀眾在看畫中角色表演的狀態。」 為回應個展中的「複製性」，胡馨方在每件作品中上，黏著以樹脂製成的圖騰，模擬出「濾鏡」的感覺。　圖／黎昕俞攝談及將作品取名為〈SAMPLE〉的原因，胡馨方注意到現代人們喜歡在拍照時使用濾鏡，或是依照模板拍攝影片，導致大量如同樣本般的影音漫佈在網路上，他補充說：「它們只是恰好被大眾挑選、仿製而成，而我的作品就是其中一組數據樣本。」因此，胡馨方並未將作品個別取名，除了抹去每件作品的獨特性之外，同時也希望讓觀眾藉此反思自己的行為是否也是一種模仿。觀眾Hank（化名）表示認同藝術家的看法，「這些畫彷彿中古世紀的肖像家族畫，讓我覺得莫名的恐怖卻華麗。」 胡馨方特意不為作品人物畫上肌膚紋理等細節，藉此回應個展主題中的「複製性」。　圖／黎昕俞攝為呈現畫作中的複製性，胡馨方讓所有畫作以桃紅色的愛心為底，畫上不同姿勢的AI建模人像，「我刻意忽略人物的肌肉線條或是細微皮膚紋路，讓它看起來較平滑且具有膠感。」觀眾咪咪（化名）則認為藝術家使用的色彩，讓作品有種詭異的空洞感，當他代入自身感受時卻又會有隔閡的感覺。此外，胡馨方也特意讓人物去性別化，更不替它們畫上頭髮，「我想表達大眾愛用濾鏡的社會現象，純粹是我們這世代的產物，無優劣之分。」他補充道。

【記者黎昕俞台北報導】小女孩將粉嫩的色彩注入作品，童趣之中試圖重整過往感受。國立臺北藝術大學美術學系張瑄祐，12日起在天鵝座芝藝術展覽空間舉辦個展《天使注視》，張瑄祐利用平面創作或布織品，以第三人稱視角觀看過往自身經驗。談及選擇以《天使注視》作為個展主題的動機，張瑄祐說：「有時候我會用第三視角去看我以前經歷過的事。」他表示在這個狀態下進行創作，如同神話中記載的天使般，帶著純潔的眼光，溫柔呵護凡間的萬物。因此，在創作本次個展作品時，張瑄祐皆嘗試跳脫自我，試著用第三者的角度重新看待自身過往經驗。觀眾王同學（化名）認為個展彷彿張瑄祐的內心世界，夢幻卻黑暗。觀眾Luke（化名）則表示使用柔軟的布料、便條紙日常的塗鴉作為媒材，「像是把自己幻想的房間搬到展場玩扮家家酒，日常又不日常。」模擬中世紀宗教畫構圖的作品〈無題〉，張瑄祐抹去宗教的意涵，將其轉現成他在犯錯後，罪惡感作祟卻又希望能被救贖的心境變化。畫中白色頭髮的女孩象徵無道德瑕疵的個體，其他圍繞在他身旁的女孩，則代表犯錯者自責懊悔的複雜情緒。張瑄祐表示，這些女孩其實都是他自己，「如果我犯錯，會很在乎他人怎麼想，但其實對其他人而言或許並不代表什麼。」 作品〈無題〉中，張瑄祐取材自中世紀宗教畫的構圖，探討人犯錯後的心路變化。　圖／黎昕俞攝在系列作品《布拎布拎》中，張瑄祐以「布」織出不同造型的建築物，表達他對安全感的想像。談及使用布作為媒材的原因，張瑄祐表示比起繪畫，觀者可以直接透過布料的材質，對創作者的作品有初步的想法。因此，在作品〈小屋〉中，張瑄祐將粉色系蕾絲內褲拼接成屋頂，並將乾淨的保險套裝入亮粉，再拼貼成拱門的造型。他試圖描述青少女對性的想像，並利用材料的質感，讓觀眾能直接明白主題。「這些全新的材料都不具有生活痕跡，代表少女對性沒有過多遐想的純真。」他補充道。 〈小屋〉是張瑄祐以活潑童趣的方式，想像青少女對性的幻想後縫紉而成的布製品。　圖／黎昕俞攝同為系列作品之一的〈燈塔〉，則是作者在閱讀完維吉尼亞．吳爾芙（Virginia Woolf）的《燈塔行》（To the Lighthouse）後，將文章中給予作者及當地居民安全感的燈塔，以布料縫製而成，藉此比喻為上大學後的家鄉，並投射自己在外讀書時對家的感受。他刻意選用涼被材質的布料，讓觀眾聯想到在家蓋棉被的兒時回憶。此外，他也在作品中縫製絲綢等較可愛的元素，除了以輕鬆有趣的方式表達鄉愁，也希望用隱晦的手法去講述思鄉的憂愁情緒。 作品〈燈塔〉以兒童常蓋的涼被材質製成，象徵張瑄祐上大學後對家的投射。　圖／黎昕俞攝

【記者黎昕俞台北報導】動作奇異多變的人或跳舞、或扭腰，或以不自然的姿勢位居畫中各處，呈現一股怪奇的氛圍。國立臺北藝術大學美術學系碩士生翁榛羚於5日在金車文藝中心承德館舉辦個展《怪誕劇場》。翁榛羚以銅板腐蝕的版畫手法，結合屏風、扇面等具東方元素的媒材，刻畫出對現代社會價值觀的想法。 翁榛羚個展《怪誕劇場》從自身觀察出發，他認為作品皆有種「旁觀他人之痛苦」的氛圍。展覽於5日在金車文藝中心承德館展出。　圖／黎昕俞攝《怪誕劇場》中作品多以描繪人物為主，但翁榛羚刻意讓畫中人物做出歪曲奇異的動作，呈現神秘詭異的風格，回應個展名稱的「怪誕」概念。此外，翁榛羚也特意不替某些人物畫上表情及服裝，並在展區中對個別作品打上聚光燈，他說：「觀眾站在畫前觀賞時，就像在劇場中觀看這些人物表演的狀態。」 作品〈惡之花〉以冊頁為媒材，描繪出日常家中常見元素，但畫中人物卻像是在受苦掙扎的狀態。　圖／黎昕俞攝本次個展中，翁榛羚皆以銅板腐蝕技法進行創作，在雕刻銅板後，使用酸性液體腐蝕出刻痕。為直接感受銅板被侵蝕的凹槽深度，他選擇不戴手套親自觸摸，「液體停留在手上的痛癢感覺，對我而言有種另類快感。」而銅板腐蝕技法需轉印機壓印圖像，因此在畫紙的周邊會產生壓痕。為突破傳統版畫大量印製的複製性，翁榛羚也刻意在圖像四周以線香燃燒，使其邊緣產生不可逆的燒痕，他說：「我想要展現雖然媒材是版畫，但它卻不能再被複製的獨特性。」 〈怪誕之愛〉中主角皮膚上皆有斑點，除回應翁榛羚因徒手碰酸液而過敏外，也象徵人們在情感上受傷卻仍執著的狀況。　圖／黎昕俞攝翁榛羚在系列作品《人生當鋪》中，將古代象徵文人雅士悠閒意象的扇子，轉化成當代社會變遷下焦慮與忙碌的狀態，他說：「當代跟古代對扇子的作用不太一樣，現代是一種裝飾，不像以往有典雅清閒之意。」翁榛羚在扇面上刻畫許多圍繞在賭桌旁博弈的人，並轉印大量「當」字，象徵現代社會大眾急於典當自己善良純真的優點，以追求金錢權力的現象。同時，翁榛羚畫出奇形怪狀的裸體人像混雜在人群中，各自做出畸形、詭譎的舉動，猶如劇場中的表演者，「我想表達現今社會中資訊的混雜，這對我而言相當奇怪。」 翁榛羚個展《怪誕劇場》從自身觀察出發，他認為作品皆有種「旁觀他人之痛苦」的氛圍。展覽於5日在金車文藝中心承德館展出。　圖／黎昕俞攝在作品〈怪誕之愛〉中，翁榛羚將西方畫作結合日本浮世繪，表現他所觀察的當代感情現象。他使用屏風作為載體，「因為屏風具有東方傳統意味，文人們會在前喝茶聊天，觀賞上面的圖像。」畫中主角的皮膚皆有過敏般的斑點，旁邊則有日本浮世繪中，常用來代表祝福的老鷹、公雞等動物，表達人們雖在情感中受傷，卻仍選擇耽溺其中。為了打破傳統的畫風類別，他特別在畫中結合東西方元素，「像劇場舞台的人們有著不同的角色，當在舞台上各自表演時，會不會有一些新的火花存在，是我想探討的意象。」 作品〈怪誕之愛〉是一件以屏風為媒材的作品，結合東西方畫作常見元素，試圖打破畫作分類的僵固性。　圖／黎昕俞攝「〈怪誕之愛〉取自西方畫作的主角竟被具有佛教色彩的蓮花環繞，加上背景中數個裸身小人肢體如此怪異。」觀眾Will（化名）認為，三個迥異元素的交會並未讓他產生強烈的衝突感，反倒成為一種詭譎的平衡。觀眾瑄瑄（化名）則認為作品最特別的是線香燃燒的部分，「它和作者想與身體連結的刺痛感互相呼應，更因打破傳統對版畫印製的複製性，讓作品變得獨一無二。」