【記者林偌甯新竹報導】「辯證物的邊界與自主性，鬆動平滑物件的細縫，找尋觀看的新視角。」國立臺北藝術大學美術學系碩士生陳寬，自12日起於國立清華大學澤空間舉辦個展《在裡面的在外面》，他解構陶瓷的材料與功能，拓展釉藥依存陶土的印象，向觀看物件的既有方式發起挑戰。 陳寬對陶器毛孔的延伸想像，起源於德羅斯特效應（Droste effect），呈現圖像在畫中無限循環的模式，彷若無盡宇宙一般，他說：「這種觀看方式很有趣，所以我進而將陶罐表面的毛細孔，想像成無限個小陶罐。」作為保護或裝飾陶器的塗層「釉藥」，自古以來皆被視為陶土的附屬品。但陳寬以德羅斯特效應的思考方式，試圖顛覆釉藥存在的意義。因此他在〈甜蜜坑洞的反轉〉中，以陶土燒製蜂蜜罐卻不上釉，反而將黃色的釉料化作蜂蜜置於容器內，明示陶罐為釉料而存在，翻轉兩者間固有的主次關係。 陳寬過去主要創作「抽象陶瓷」，以陶瓷的造型、線條承載感性主題，但製陶過程需嚴謹考慮陶土性質，與高溫收縮造成變形等因素。陳寬認為建構事情就是一種素描，素描透過線條與明暗呈現結構與光影，而製陶則以形態和材質展現概念，兩者皆需事先理性規劃，才能讓作品自然流露感性意涵。在〈素描：明度實踐〉中，陳寬混合高嶺土、霞正長石、碳酸鈣與石英為釉藥，置於九片黑鐵上燒製。他藉由微調碳酸鈣與石英的比例，使燒製後的釉料呈現不同硬度與明度，呼應素描中明暗交錯的筆觸，同時凸顯釉料在窯中展現的藝術性。 「燒製時的升溫曲線像釉料的構圖，決定它的肌理和顏色。」陳寬製作〈背景中的圖形：溫度素描〉時，將同一帖釉料置於耐火磚與防火棉砌成的三個立方體，以三種溫度製出型態各異的釉藥塊，並壓印在素描紙上。壓印過程中的姿勢、手勢與物件隨機交織，打破傳統素描形式，體現釉藥的繪畫性。 除了挑戰陶土與釉藥的依附關係，陳寬也嘗試抽離物件的功能性。策展人李碩瑜提到：「陶除了作為功能性的物，能不能在物的基礎上具更多想像？」作品〈黑色海綿〉由泥漿包裹的波浪海綿與防撞箱組成，乍看之下像是藝術家佈展時遺留的雜物。波浪海綿作為保護與運輸藝術品的載體，被製為陶瓷後，只剩下造型。藝術家由此思考轉換材質後的海綿，是否仍具備作品的意涵。觀者林君達欣賞陳寬以詼諧手法揭示觀看的慣性，「從海綿的鬆軟過渡到陶瓷的堅硬，指向保護與易碎特質之間的矛盾，十分有趣。」 哲學家梅洛．龐蒂（Merleau-Ponty）曾說：「內與外是相互滲透的流動狀態。」這讓陳寬發現，釉料施於陶土外層時，仍保有其保護特質，陶土與釉藥之間並無明確的主從關係，反而能各自成為藝術的主體。陳寬故將此觀看角度轉化為作品〈槍與彈殼〉，排列整齊的「蛋殼」與作品名稱形成雙關，並以蛋殼的主要成分碳酸鈣象徵釉料；一旁未上釉的槍械失去具攻擊性的扳機，呈現出兩物件和平共存的景象，「獨立本身未必有意義，沒必要把關係看得那麼對立。」他補充道。

【記者李雨羲綜合報導】以色彩勾勒情緒起伏，在渾沌中描繪出靈魂的千百種形態。來自國立臺北藝術大學美術學系的徐宇謙，於11月27日起舉辦個展《靈魂詩 The inner flesh》，透過油彩與素描，形塑出靈魂的樣態，並試圖進入難以觸及的內在世界。 徐宇謙個展《靈魂詩The inner flesh》於11月27日起至12月1日舉辦於北藝大美術系館南北藝廊二樓。　圖／李雨羲攝「我究竟為何而悲傷？為何而愛？我至今仍然無法為他們找出一個解釋。」徐宇謙表示，他所想像的內心世界相當渾沌，無法透過確切言語去形容它的樣貌，因為內心情緒並非清晰獨立，更多是以相互堆疊且混亂的狀態存在。因此，他想藉由此次創作，在繪畫過程中沉澱自己，再梳理出不同瞬間的感受。 徐宇謙在展場中穿插素描與油彩兩種媒材，油彩厚重且凝固速度較慢，用以表達長時間的情緒，而素描則如同拍照一般，捕捉瞬間的心情。　圖／李雨羲攝「我們總是傾向於把所有無法以外在物質描述的事物歸類於靈魂。」徐宇謙認為內在世界中的精髓便是靈魂，而每一瞬間狀態都不盡相同的靈魂，讓人們無法以準確的物理條件去感知，只能隱約體會到它的存在。因此，在〈Chaotic〉中，徐宇謙將靈魂與現實分別以團塊和水流去做對比。水流象徵著現實事件在我們眼前上演並前進著，而我們的內在則是渾沌地滯留在一旁，看似靜止，其實情感仍不斷地相互抵銷又重新組合。 徐宇謙將素描畫作佈置在展場的角落，並以不同的深淺與層次呈現，藉以引導觀眾的視覺動線。 　圖／李雨羲攝除了形態之外，徐宇謙更將自身情緒入畫，透過不同色彩的堆疊，紀錄在創作過程中出現的情感。在〈Misty〉中，雖然徐宇謙未畫出明確主題，但他嘗試將自己對於世界的觀察與理解，連結色彩與情緒，呈現在作品之中，「世上的歷史與文明都成了生活中的一環，也在間接影響著我。」觀眾北藝大美術學系Cora（化名）表示，他在展覽看見與平時截然不同的徐宇謙，「我想像中的他是心如止水，但從他的畫中卻看見了更多的暗湧。」 徐宇謙分享自己替作品命名時，經常以作畫時的情感連結作為主題，像是〈Misty〉便源自於作畫時聆聽的Ella Fitzgerald《Misty》。　 圖／李雨羲攝「紅具有很多的意思，苦的、痛的、慾望的，甚至是戰爭的沉重。」徐宇謙解釋，作品中大量使用的紅色元素，是為了表達戰爭的血腥與沉痛。在籌備過程中他也透過閱讀《摩洛哥流謫》一書，啟蒙了自己對於戰爭的關注與了解，再加上恰逢「以巴戰爭」，更間接加深徐宇謙對於文明情感的複雜性，並將其透過「紅色」投射在作品之中。 過去徐宇謙較常以原色表達純粹的情感。接觸了梵谷（Vincent Willem van Gogh）的作品後，才意識到情緒的複雜性，進而嘗試使用更多色階去創作。 　圖／李雨羲攝「詩精簡卻文意盎然，畫直觀卻富含情感，他們與靈魂在我的展覽中網狀交織。」談及展覽命名緣由，徐宇謙表示靈魂總是自由而不受拘束，就像詩一般靈活跳躍，而畫則給予了靈魂穿梭的空間。觀眾北藝大美術學系陳同學（化名）表示，自己在觀展的過程中與徐宇謙的作品十分有共鳴，好像也能在這些畫作之中看見類似於自己靈魂的模樣，「每個人或多或少都會有像徐宇謙一樣混亂的內心世界，差別只在於我們如何去表達它。」

《事件是一所學校：轉型中的藝術教育》，是國立臺北藝術大學從歷史事件出發舉辦的一場回顧展覽。　圖／林玟君攝【記者林玟君綜合報導】國立臺北藝術大學美術學院於9月23日在關渡美術館舉辦《事件是一所學校：轉型中的藝術教育》回顧展覽。其中，由三位北藝大美術學系學生林峻銳、張大仁、劉妍蓁組成的「素描事件臨摹小組」，從1985年的「素描事件」（註一）出發，假想在事件當下的自己會有什麼樣的創作，促使大眾反思當年的藝術教育與歷史。註一：1985年的「素描事件」是北藝大於1985年舉辦名為《drawing show’ 85》的素描展覽，引發廣泛討論與迴響。在仍處戒嚴時期的1985年，藝術創作的空間相較於現在侷限，北藝大美術學系講師謝牧岐說明：「當時想要學藝術的學生們其實選擇不多，師院體系都是說要培養老師，沒有一所學校專門說我要來培養藝術家。」《drawing show’ 85》這場展覽打破大眾對素描的既定印象，學生不再使用單一的繪畫工具，而是混合多種材料進行創作，繪製的對象也跳脫傳統石膏雕像、水果等靜態物品，嘗試結合不同的動態元素。非典型的藝術創作，讓大眾開始思考「素描為何」，開闊當時台灣藝術教育的前景，重新建立對素描的定義。在展區二樓，「素描事件臨摹小組」展出一系列的實驗性創作，他們以1985年的「素描事件」為核心，研究1985年前後的七位教師、八位學生的訪談影片，並閱覽相關書籍後，讓學生以實際參與的方式，跨時空重訪當年的時代背景，想像自己是置身當時的學生，會有什麼樣的藝術創作。劉妍蓁以「米糠油中毒事件」（註二）為背景，創作〈劉文繡結束不了的1980〉，作品由三本獨立刊物和一幅繪畫組合而成。故事與繪畫中的角色因食用米糠油，造成背部潰爛，劉妍蓁在創作過程中思考：「事件到現在40年，患者身體裡其實還是殘留蠻多毒素的，它會遺留到後代，患者臉上都長滿了瘡疤，那些瘡疤是會發臭的。 」他希望以此作品，帶領觀眾反思當時的社會案件帶給受害者的影響。註二：「米糠油中毒事件」又稱為「多氯聯苯中毒事件」，民眾因食用被多氯聯苯污染的米糠油而中毒，為台灣史上最嚴重的食油危機。 劉妍蓁以「米糠油中毒事件」為背景，虛擬出一段故事。圖中的男孩文豪因食用米糠油而造成背部潰爛。　圖／林玟君攝張大仁的作品〈獨處的時刻〉，將畫作結合風和光，並以投影、木材、現成物為媒材，製造出隨機抽動且線條各異的光影，跳脫以往靜態的呈現，加入更多立體、帶有動感的元素。他假設自己若身為1985年的學生：「我也許會使用不同的材料，但不變的是對素描概念的探討，以及思考素描對自身創作的意義。」他也希望透過動靜結合的作品，能帶給觀眾沈靜、引人凝視的空間氛圍。 〈獨處的時刻〉利用室內、室外的物件，配合風和光影，引發觀眾對於場所、空間、動作、情境的想像。　圖／林玟君攝觀眾陳學宏分享：「看似一般的石墨以及紙張，透過描繪的深淺製造出不同的陰影，看似非常真實的紋路，好像賦予白色的畫紙生命。」 策展人郭昭蘭也期望：「觀眾進到這個展場的時候，能夠親臨歷史性的複雜度，能夠理解到歷史的現場有很多不同的力量同時在進行。」 透過展覽中不同層次、時空的作品，能讓觀眾意識到豐富的藝術歷史，並以此為基石，拓展更寬廣的自由創作道路。