【記者鄭丞傑、陳筱雯、方凱琪、林婷妤報導】「不管人在哪裡，只要你還記得你們家這道菜，就很足夠了！」這是漫畫《手路菜》中，阿旺師對廚師江青雄說的話。在故事開頭，海外求學歸來的江青雄找上以「手路菜扛霸子」聞名的阿旺師拜師學藝，並請他代客料理「瓜仔肉」。在料理過程中兩人一邊閒聊，也逐漸揭露青雄的回憶，原來這道菜於他而言，不僅是媽媽在失智前經常煮的拿手菜，更乘載著兩人過往的衝突與情感。熱氣自蒸鍋中緩緩升起，開蓋瞬間濃郁的肉香便撲鼻而來。當青雄終於將瓜仔肉送入口中，隨之浮現的正是記憶中熟悉的味道，看似平凡的菜餚，背後卻隱藏著媽媽未曾說出口的牽掛。 曾擔任蓋亞文化有限公司（以下簡稱蓋亞文化）漫畫部企劃總監，現為自由撰稿人的陳怡靜指出，臺灣漫畫（以下簡稱臺漫）題材漸趨多元，其中以文史類為大宗，BL（Boys’ Love）、BG（Boy & Girl）等戀愛類型也是熱門之選 ，近年也開始出現更多如少女、科幻與生活類等不同風格。此外，陳怡靜也觀察到本土飲食元素在臺漫作品中的比例逐漸提升，漫畫家透過這些元素帶出角色與土地的故事，並呈現當時社會的生活樣貌，「大家都喜歡吃東西嘛，所以會常常藏一些東西進去（作品裡）。」 Openbook閱讀誌的一篇漫畫評論〈美食漫畫的台灣，與台灣的美食漫畫〉觀察到，早在1990年代，由沙朗原作、黃璁毅所繪的《我是大廚師》裡，便詳細呈現了臺灣料理的烹調過程與辦桌文化。現今作品中，《幸福調味料》藉由柑仔店的茶葉蛋、手工醬油等日常食材，揭開人物間的溫馨互動；《台灣特有種》則將新竹貢丸及米粉等在地名產擬人化，創作出獨特的世界觀與日常故事；以台南考古出土文物為主題的《鯨舟堂休業中》，甜點創作也融入於故事裡，在味覺饗宴中探索台南的歷史底蘊。近年多部以臺灣歷史為背景的作品，如《異人茶跡》、《Mararum：山間料理人》及《友繪的小梅屋記事簿》等，也細緻還原了不同時代下的飲食特色。 飲食除了作為故事中重要的媒介，也常與漫畫家的自身經驗結合。漫畫家茜Cian製作以自身家鄉新竹為背景的《台灣特有種》，介紹許多新竹在地美食。他在創作過程中閱讀許多本土雜誌，從中獲得不少當地的文化知識，「我以為我很熟悉家鄉，但其實還有很多可以發掘的地方。」出身於茶農家庭的漫畫家張季雅，則是從小耳濡目染，對茶葉產生濃厚興趣，激發他創作出《異人茶跡》，講述臺灣烏龍茶之父陶德與李春生的事蹟，「我透過爸爸認識到製茶的原理和方式，但他對臺灣為什麼要開始種茶就不太了解。」為了梳理臺灣的茶葉歷史，他在創作前便著手進行田調，並與中央研究院數位文化中心合作，一同蒐集整理大量的傳統文獻及資料。 漫畫《手路菜》的誕生，是源於編劇鄭心媚在籌備影視劇本時，走訪各個家庭，並記錄下料理做法與背後的故事。過程中她體會到，「原來這道菜不只是一道菜，它不僅凝聚了家人間的感情，更與每個家庭的故事和歷史相關。」因緣際會下，鄭心媚決定將這些故事改以漫畫形式呈現，並邀請漫畫家安妮羊合作。安妮羊從20多道菜色中，精選出五道最可發展的料理作為故事主軸。這是安妮羊首次以食物為核心的創作，他認為食物雖然表面普通，但背後隱藏的情感連結能協助推進劇情，「食物背後牽繫著人情故事，也能表現出角色的個性，這正是吸引我挑戰的原因。」 《友繪的小梅屋記事簿》則是以日治時期的日本料亭梅屋敷（註一）為故事背景，漫畫家洪一誠（清水）和編輯白詠煜（Haku）到大稻埕實地探訪，在創作初期便循著故事路線，記錄過往留存到現在的歷史建築，並實際測量步行所需的時間。故事也利用食物作為推動劇情的媒介，他們分享在探訪的過程中發現，在書中出現的「蟳丸」原本是高級的酒家菜，為了讓它更平易近人，才以荸薺、蛋黃等食材替換裡面的蟳肉，在普及化後也保留了原名，「有些東西是我們在探查的過程中，才會知道背後的意義。」 註一：料亭為日本傳統的高級料理餐廳，以精美的日式庭園造景與良好服務為特點；梅屋敷現名為國父史蹟館。 田調成為許多創作者的基本功課，然而面對海量的資料，常常需要作出取捨以符合故事主軸，「我們蒐集了近乎百分之百的資料，但用到的可能只有不到百分之五。」張季雅表示雖然有許多內容沒有出現在作品裡，但這也成為了創作者的養分。以美食類型的漫畫而言，將料理食譜與歷史故事補充在休息頁或附錄裡，甚至是畫成小彩蛋藏在漫畫一隅，都是呈現這些田調心血的方式。 「美食漫畫與關於美食的漫畫是不一樣的。」阮光民舉例，《幸福調味料》便是關於美食的漫畫，將日常生活中常見的調味料作為引子，帶出富含風土人情的一篇篇故事。臺灣ACG（註二）研究學會常務理事李衣雲則將食物類型的漫畫分為兩類：飲食漫畫偏向於介紹料理製作及其背後的歷史與文化脈絡，如《友繪的小梅屋記事簿》；另一類是美食漫畫，如日本漫畫（以下簡稱日漫）《擁有超常技能的異世界流浪美食家》著重在激發感官體驗與強調品嚐時的情感，「美食漫畫是強調它（美食）怎麼被感受。」 註二：ACG是指動畫（Anime）、漫畫（Comics）與電子遊戲（Games）等作品類型的英文首字母縮寫。 相較於專注在料理對決的《中華一番》，或強調品嚐過程的《孤獨的美食家》等日漫，臺漫多數還是以飲食作為人文歷史故事的媒介，而非聚焦在料理或飲食體驗上。《友繪的小梅屋記事簿》便是透過臺日的各式料理呈現文化差異，並勾勒出日治時期的族群衝突與社會融合，「臺灣蠻多的漫畫家會把臺灣的飲食文化放在作品裡面，帶出人物與土地的故事。」陳怡靜說道。 比較臺日兩地的漫畫產業，台北市漫畫從業人員職業工會總幹事蕭怡瑩認為，臺灣不像日本有完整的產業鏈，有足夠的創作平台（如各種比賽與雜誌連載）可以訓練年輕漫畫家的畫技與敘事能力，他表示這也是美食類漫畫在臺灣不太盛行的間接因素，「這種漫畫的門檻其實蠻高的。」因為缺乏經驗累積，漫畫家很難只透過畫面就勾起讀者的慾望。張季雅分享在創作《鯨舟堂休業中》時，畫千層蛋糕耗費一整個下午的經歷，笑說：「在黑白漫畫裡只有線條跟網點，要把食物畫得很好吃，我覺得超級困難的。」這也是其他漫畫家的共同感觸，要如何透過紙張上的墨水表現出食物的色香味，是對漫畫家們的一大考驗。李衣雲也提及，臺灣的漫畫出版社相對缺乏強而有力的輔助團隊，也沒有專業的美食編劇，除非有中研院數位典藏資源或地方政府的協助，否則單靠漫畫家與出版社，很難創作需大量背景知識的美食題材。 除了創作上有難度，要如何在海外推廣也成為挑戰，「不只是美食題材，臺灣的漫畫、戲劇要推廣到國際上都很不容易。」鄭心媚感嘆。《異人茶跡》、《幸福調味料》等飲食題材漫畫雖有翻譯成多國語言在海外出版，《Mararum：山間料理人》也獲得第19屆日本國際漫畫獎銀獎，但臺灣文化輸出比起日韓仍屬於弱勢，若漫畫故事只著重在臺灣的歷史上，會比較難引起外國讀者的興趣。李衣雲則建議，比起講述臺灣在地的特色料理，若能以在國際上聞名的珍珠奶茶與手搖飲料為故事主軸，也許更能加深外國讀者的共鳴。 因此自2012年起，文化部便在法國安古蘭國際漫畫節設置臺灣館，臺漫陸續也在義大利盧卡國際漫畫節、德國萊比錫國際動漫展等全球性展場亮相。2013年開始推動的「Books From Taiwan」計畫，也累積了數十本臺漫試譯版在海外書展宣傳，並與多國出版社積極接洽，盼臺漫能打入國際市場。 「現在是臺漫最好的年代。」臺灣ACG研究學會理事長羅禾淋直言。中央研究院數位文化中心長年積累大量臺灣史料與照片等典藏，2008年時，研究員突發奇想，希望將這些資料轉化成漫畫創作素材，因而孕育《Creative Comic Collection 創作集》，並自2009年起廣邀本土圖文創作者，將漫畫題材結合臺灣議題，自主發想作品內容，並向中央研究院數位文化中心申請創作所需史料，中心則提供一般民間難以取得的珍貴文史資料，如《異人茶跡》、《Mararum：山間料理人》及《友繪的小梅屋記事簿》等作品即採此方式進行創作。 此外，文化部於2016年發布《漫畫出版發行及推廣行銷補助要點》，投入資源支持臺漫創作，2018年再改以《漫畫創作及出版行銷獎勵要點》持續推動。蕭怡瑩說明，臺灣其實有學習韓國做法而陸續祭出漫畫補助，「第一屆獲得政府補助的作品真的是什麼都有，可以說是百無禁忌。」 隨著政策推動，主導文化內容產製的文化內容策進院對臺漫的規劃逐漸轉移重心，從單純支持創作，轉向強調漫畫與影視結合的產業潛力，不僅關注作品完成度，更重視其商業延伸的可能性。文策院主辦的金漫獎於2018年增設跨域應用獎，鼓勵漫畫與不同領域連結，引導臺漫朝向跨產業整合發展，形塑更完整的產業鏈。 不過，補助機制亦衍生出新的限制。因為臺漫出版大多仰賴政府補助，且補助主要以單行本為主，使創作者傾向規劃短篇作品，避免未來申請不到補助金，而使連載中作品面臨被迫腰斬的窘境。「只能出一集的話，選擇非虛構的文史題材比較好聚焦。」羅禾淋表示，相較於日本美食漫畫《深夜食堂》、《烘焙王》等作，皆有數十本的連載，臺灣美食漫畫在篇幅與連載條件的限制下，較常轉向以文史、生活為主的類型，也因為單行本能講述的內容有限，不僅難以深化角色塑造，更難以支撐影視改編或長期讀者經營，進一步限縮作品的市場擴散與商業轉化。在此背景下，文化部於2023年9月正式啟動「匯聚臺流文化黑潮計畫」，進行首次為期四年的中長期補助計劃，鼓勵創作者發展長篇連載作品。 在官方制度之外，出版社也從實務操作中尋找突破口。以蓋亞文化為例，其自2024年啟動的「日本計畫」，從電子書發行與臺日共製兩面向切入，嘗試不同以往的模式將臺漫推向市場：以「絆：百年前的臺灣」為主題，選擇具有日治時期背景的作品如《Mararum：山間料理人》等六部作品，翻譯並製作成日文電子書版本於當地31個平台上架；以及透過臺日共製機制，讓漫畫家在創作過程中與臺、日編輯進行三方協作，使作品在兩地同步線上連載。陳怡靜笑說：「（臺日共製）需要很多轉換與溝通，雖然很累，但也很有趣。」從創作初期即導入市場與編輯機制的作法，使得作品能逐步貼近不同市場的閱讀習慣。 相較日本、韓國成熟的產業結構，臺漫正處於萌芽階段。陳怡靜分享一位義大利讀者的回饋，他形容臺漫就像萬花筒般，小小的視野看進去，卻充滿多元繽紛的漫畫題材。羅禾淋對此表示認同，認為各國漫畫產業本就因文化與產業結構不同而有所差異，臺灣不必以此作為單一比較標準。目前在官方及民間的協作下，臺漫逐步強化創作與市場間的連結，無論是補助機制、國際推廣或異界合作，都象徵著臺漫極大的成長與發展潛能。相較日本、韓國成熟的產業結構，臺漫正處於萌芽階段。陳怡靜分享一位義大利讀者的回饋，他形容臺漫就像萬花筒般，小小的視野看進去，卻充滿多元繽紛的漫畫題材。羅禾淋對此表示認同，認為各國漫畫產業本就因文化與產業結構不同而有所差異，臺灣不必以此作為單一比較標準。目前在政府及民間的協作下，臺漫逐步強化創作與市場間的連結，無論是補助機制、國際推廣或異界合作，都象徵著臺漫極大的成長與發展潛能。 網路時代的來臨使紙本讀物式微，連同漫畫也受到衝擊，「其實漫畫競爭的已經不是類型了，漫畫要競爭的是別的媒介。」陳怡靜解釋，社群軟體、串流平台佔據市場中心位置，娛樂分眾化讓臺漫更難被看見，不過漫畫依舊存在特殊優勢。鄭心媚比較影視劇本和漫畫分鏡，「影像的限制是需要考量真實性，漫畫就可以天馬行空。」漫畫家可以使用誇大的手法，讓劇情更突出，影視製作上則相對困難。 然而，臺灣觀眾依舊偏好戲劇的呈現方式，若要讓臺漫「破圈」仍需要跨域合作。如《異人茶跡》便改編成桌遊，將漫畫中的茶葉製程、器具等元素融入遊戲中。而漫畫最常跨足的領域則是影視，如《用九柑仔店》、《神之鄉》等劇，皆為臺漫所改編，《五味八珍的歲月》則是從小說同步改編為電視劇與漫畫，近期《手路菜》也預計推出相關戲劇作品。透過戲劇能增加漫畫的知名度與受眾，進而有更多跨域的合作機會，期待能與超商聯名推出作品中的料理，甚至成為著名IP（Intellectual Property）。 臺漫歷史起起伏伏，經歷戒嚴、出版審查的階段後，才形成現今所見的臺漫，開始能夠表達漫畫家自身想法，融入在地議題，而在政府的長年推廣支持下提高了國際能見度，也讓臺漫產業能更加完善。玄奘大學藝術與創意設計學系副教授胡覺隆長期投入臺漫產業，見證轉變的他提醒，臺漫不應全然以利益為導向，而應被視為文化的重要一環。阮光民則認為美食是穿越時空的鑰匙，「我們其實有一雙味蕾，一個在舌尖，另一個在心裡。」在看美食漫畫時，被牽動的不只是食物滋味的記憶，更多的是與那道菜餚緊緊相連的珍貴回憶。

【記者鄭丞傑台北報導】國立政治大學藝文中心22日舉辦《製作一本「物的目錄冊」》工作坊，為本學期藝文中心展覽《複巢》的延伸活動。工作坊以手繪個人收藏為核心，引導學員透過描繪物件，凝視自我與收藏品之間的關係。 《複巢》講述人類對於「收藏」本身的嚮往與熱愛，展覽以工業革命後的城市化與環境污染為背景，探討人類如何因此對自然產生憧憬，並透過搜集鳥蛋、鳥巢等自然物品的行為，重建與大自然間的聯繫。藝術家吳權倫透過模型、3D列印雕塑與影像散文，反思人類對佔據自然物的渴望與權力關係。《製作一本「物的目錄冊」》工作坊則延伸展覽的概念，讓學員以素描記錄個人收藏，並編製成目錄冊，藉此釐清自身的收藏動機與慾望，並作為詳細記錄與觀察自我的起點。 「繪畫是一種持續性的觀看。」工作坊負責人吳怡箴說道。在繪畫的過程中，自身的記憶與情感會影響個人對物品的詮釋，他鼓勵學員除單純臨摹外，也可以嘗試用不同的視角進行創作，甚至利用創意呈現對收藏品另類的想像。政大統計學系學生許丞沛的收藏，是一台鴨嘴獸泰瑞造型的玩具車。他分享，這是自己第一次如此仔細地端詳它，描繪時才發現車身上布滿過去未曾注意到的細小刮痕，「這是歲月留下的痕跡。」他說道。除了玩具車外，學員們的收藏品繁複多樣，如包裝各異的袖珍包衛生紙、女性影展的工作證、安定身心力量的礦石等，皆蘊含著不同的意義。 來自香港的政大廣告學系交換生李可榆，帶來四張樹木紋理的攝影作品，以及一張母親腹部的妊娠紋照片。他表示，「榆」取自於自己出生時醫院旁的榆樹，也象徵著父母對他堅韌與高貴的期許。每當他注視與觸摸樹幹上的紋理時，心中總會浮現母親腹部的妊娠紋與生產時的艱辛，「看到樹，就會想到媽媽，這是我們之間的繫帶。」他說道。許丞沛所帶來的玩具車，則乘載著他的童年回憶。他提起，過去親戚小孩曾不慎將他珍藏的玩具車弄丟，使他的心情低迷了好一陣子，嬸嬸因此想盡辦法為他買到同款玩具車，而當時內心的感動直至現在仍記憶猶新。事後看見這輛玩具車，他所感受到的，是家人滿溢的關心，也賦予這件收藏更多意義。 許丞沛認為，完成素描後做成目錄冊，有如幫收藏品製作了一張身分證，「也讓它們的價值被具體呈現出來。」他說道。李可榆則分享在讀大學和當交換生的過程中，因常常需要搬遷，所以逐漸養成極簡的生活習慣，丟棄許多非必要的物品。但在體驗本次的工作坊後，他開始思考自己真正想留下的物品是什麼。吳怡箴則希望學員能持續記錄收藏品，重新審視個人記憶，從而發現更多元的可能性。

【記者黃律齊報導】霓虹燈牌散發復古光澤，褪色的木製招牌見證歷史。現就讀國立臺中教育大學美術學系碩士班的陳梓健，15日於「民生路老宅56-3」舉辦個展《招牌老美》。他以家鄉香港、澳門最具代表性11種招牌樣式為主題，透過攝影捕捉正迅速消逝的文化地景。 展場中，陳梓健將港澳傳統招牌依材質、位置與結構，分類為「建築直柱」、「建築橫匾」、「鐵閘鑿字」、「霓虹燈招牌」等11種形式。「像這些傳統的製作方式，現在幾乎看不到了，所以我想把它們完整記錄下來。」陳梓健回憶，作品始於在澳門拍攝的「李錦記蠔油庒」招牌，該招牌屬於「建築直柱」型態，店名以紅色「魏碑」字體油漆於店面立柱。魏碑源自魏晉南北朝時期的墓誌書體，筆畫分明、轉折強烈，是港澳老招牌中特別具象徵性的字型。陳梓健提到：「書法家區建公在1920年代來到澳門，後來又前往香港。他留下許多以魏碑書寫的招牌，是現在港澳街上最經典的字體。」 「鐵閘鑿字」則是另一種具有強烈地域特色的招牌形式，源自1950年代盛行的「前舖後居」文化，當時店面前方作為商舖，後方則為住家。「鐵閘」為店面出入口的防護裝置，兼具通風與採光功能，部分店家會在鐵閘上鐫刻商號名稱，且通常會有花樣綴飾，因此又稱「通花鐵閘」。陳梓健說：「在港澳的老城區仍然可以看到傳統的鐵閘，但數量還是越來越少。」他補充，即便許多店面早已不再經營原有行業，仍可見沿用的舊鐵閘，成為歷史在當代殘留的痕跡。 陳梓健也進一步關注招牌背後的歷史脈絡。他指出，在澳門街區，招牌上附有一排葡文小字，反映葡萄牙殖民時期的法規要求，即當時澳葡政府規定店家必須以中、葡雙語呈現店名，因而形成今日獨特的街景。此外，早期招牌以木頭與水泥製成，陳梓健說：「以前會把水泥和稻草混在一起，再把字嵌上去。」因此在陳梓健的作品中，可以看見粗糙的水泥紋理、雨水留下的痕跡與日曬褪色的斑駁。「1970年代以後，香港很多招牌都變成壓克力板了。」陳梓健表示，製作快速的壓克力招牌、現成模板的字型，使傳統手工材料所具有的溫度與個性逐漸消失，這也成為他開始記錄招牌文化的原因之一。 對於招牌文化的式微，來自香港的觀眾Yaka Chan（化名）深有同感，他說：「招牌替人們記住時光，卻在時光裡被悄悄遺忘。」在港澳生活三十餘年的他分享，自己從沒想過會在異鄉重新喚起對招牌文化重視。展場空間的主理人Ivy（化名）說：「其實在台灣我們也能發現不少老招牌。」他認為，這種跨地域的相似性，讓兩地的人們能相互產生共鳴。

【記者林庭如報導】大型鐵皮圍籬裝置及黃色角錐擺放在展場兩側，引導出觀者的觀展方向。國立臺灣藝術大學美術學系碩士班學生徐涌誠，20日於金車文藝中心舉辦個展《異質殘景》，以影像、錄像與裝置，述說一座汽車教練場因都更被迫拆除的故事。 展場作品的擺放順序呈現工地的空間安排，〈乙種圍籬〉擺放在展區的入口處，作為初期圍繞在工地旁的裝置（註）。徐涌誠透過白膠及3D列印的方式，將上層為鐵格網的乙種圍籬複印在半透明的描圖紙上，再將光打在紙上營造明亮感，觀眾蔣品認為，乙種圍籬用柔軟的紙展現原本堅固的鐵質裝置，讓作品更具層次感。而乙種圍籬後方的仿鐵皮裝置則為甲種圍籬，表示施工進入後期階段；繞過甲種圍籬的背面，則擺放不同大小的黑白底片。徐涌誠表示，這些照片是他實際鑽過圍籬所拍攝的景象，記錄下教練場拆除前的畫面。 註：工地常見使用圍籬有兩種，包含甲種圍籬及乙種圍籬，前者為密閉式，為全阻隔型；後者為半阻隔式，上半部為網狀結構，為可移動的臨時圍籬 此外，徐涌誠從汽車教練場帶回各種廢棄文件、告示及看板，並將拾得物拍攝下來，集結成超過一百張相片的作品〈殘景手札〉。「當人們要努力記得一件事情時要有積極的作為。」徐涌誠引用哲學家德希達的話，傳達出拾得及攝影是他紀錄記憶的方式，「我的這些紀錄可以看到我對教練場的記憶，它成為一種彼此對照的鏡像。」而他透過刻意安排甲種、乙種圍籬及黑白色底片間的位置，營造出觀看的節奏。例如攝影書內頁加入透明的紙，藉此表達閱讀時的停頓狀態，代表觀者翻開下一頁時隨即進入另個空間。 在甲種圍籬的另一側，徐涌誠將〈盲啞記憶〉投影於牆面上，邀請觀眾從歷史的角度，一起重新認識汽車教練場的過去。〈盲啞記憶〉透過大量的長鏡頭及徐涌誠的口白，並穿插徐涌誠阿嬤對土地的口述歷史，展示教練場周圍的地景變化。徐涌誠表示，在阿嬤的時代，原本的汽車教練場是做為無線電台基座，拆除後才成為停車場。然而來到他這一代，汽車教練場卻再次面臨拆除的結果。徐涌誠表示，記憶很難用時間談論，所以他以非線性時間軸的方式剪輯錄像作品，「我用節奏緩慢的鏡頭引導觀者進入故事中，這是最好讓觀眾沉浸其中的方式。」徐涌誠認為，失憶與盲啞都是人的一種失能狀態，這也是作品名稱的來源，「過於日常的事物不刻意記著就會忘記。」觀眾絜心（化名）認為〈盲啞記憶〉中的口白，既有歷史脈絡考究又有文學性，具有上個世代獨特的記憶。 徐涌誠表示，社會運作的邏輯傾向同質性，民眾普遍容易忽略以多元的角度談論事情，「但面對都更案，難道我們只能夠如此果斷接受拆除嗎？」徐涌誠認為若以異質角度思考，他可以用不同的視角介入場域中，並以「闖入者」的身分自喻半夜進入工地的行動，拍攝並蒐集工地各個角落的殘景，留下他眼中曾經的汽車教練場。

【記者蔡得曦報導】柔中帶剛的筆觸刻劃林木的自然紋理，輕盈色彩描繪出記憶景致。國立臺北藝術大學美術學系繪畫組碩士生王苡蓁，8日起在十方藝術空間舉辦個展《三月的慢板敘事—休憩之地》。他捕捉日常中難以察覺的細微變化，轉化為由記憶與想像共築的作品。 今年三月，王苡蓁老家的整排樹林在傾刻間被截斷。王苡蓁說：「對我而言，這起事件造成了巨大的記憶斷層。」他分享，自己曾以觀察樹影隨季節變化為嗜好，但樹林消失後，強烈的日照使路面刺眼，讓他難以適應。因此，在作品〈無枝可依〉中，王苡蓁將九幅大小相同卻各自分離的畫，拼湊出一棵枝幹斷裂且不見綠葉的樹，象徵鳥兒再無枝枒可依附，也代表王苡蓁的記憶失去寄託之所。他說：「鳥兒可以再找到自己的家，那我的記憶呢？」王苡蓁以九宮格畫布，呈現自身的記憶斷層。 鄰近展場入口的首幅作品〈散去，散步去〉中的半拱門型區域，能瞥見日常的樹林景觀。王苡蓁表示，「觀者有種站在門外觀看的感覺，或是感受到自己能走進作品。」他解釋，拱門的靈感源自兒時記憶。當時老家的樹林曾繁茂到足以構成拱門狀的綠色隧道，「我覺得它是隧道，同時也是心境的門，能帶我回到很久以前的記憶。」畫中的樹林景觀源於王苡蓁對故地的記憶與想像，並再現這些曾經存在的蹤跡於作品。「只要你存在於世界上，就一定會留下蹤跡。」王苡蓁認為，蹤跡是微乎其微、容易被人忽略的事物。觀眾Emily（化名）說：「藝術家用最溫柔的表現方式，讓觀眾意識到這個世界的細微變化。」 在展覽中，休憩之地除了表達樹木的生命在此地被畫上休止符，對王苡蓁而言，亦是家的代名詞。〈晨間七點四十三分，吱喳聲響〉是唯一描繪室內景象的作品，王苡蓁說：「樹木被砍後，無處可去的鳥兒便盤據在住戶窗邊不斷啼叫。」但在此畫中，鳥兒刻意缺席的安排，是因當時家中窗簾將視線完全遮蔽，於是王苡蓁便在作品中保留這份不可見。而「晨間七點四十三分」的由來，則是王苡蓁因惱人的吱喳聲而打開窗簾時，無意間瞥見的時間，他說：「當我用命名的方式點出時間、地點和動作，能更好地向觀眾傳達我想傳達的概念。」 展覽名稱中的「慢板敘事」，由兩個具不同含意的詞彙所組成。慢板是王苡蓁觀察世界的方式，他坦言：「緩慢的生活步調便是我想讓觀者體驗的感受。」而敘事一詞則意指他藉作品提供線索，引領觀者拼湊線索來了解故事。王苡蓁表示，他淡化作品裡的情緒，只展現最輕盈的部分給觀眾。他說：「我不希望觀眾覺得沉重，而是以一種來河堤散步的心情沉浸於展間之中。」

【記者鄭丞傑報導】山風吹拂，穿過枕頭山的林間步道，落葉與碎石在腳下發出細碎聲響。國立臺北大學原住民族學生資源中心於8日舉辦「泰雅族1907年枕頭山事件（大嵙崁事件）歷史走讀活動」，帶領學生沿台七線尋訪枕頭山事件遺址，並深入復興區部落，在文化體驗與導覽中重新閱讀原住民族的歷史脈動。 活動始於枕頭山遺址，導覽員指著山谷地勢，解說日治時期的殖民政府欲爭奪樟腦，集結軍隊攻打當地泰雅部落，並爆發流血衝突，最終造成遺留族人遷移深山的故事。學生沿著山徑前行，從坡度、視野與路線重新理解事件背景。北大公共行政暨政策學系學生謝佳璇表示，踏入事件發生的場景，更能理解部落在威權統治下的矛盾與壓力。北大原資中心組員陳盈全則說：「希望能藉此建立學生對原住民文化的理解還有尊重。」 途經樂信．瓦旦紀念公園，導覽員透過牆上的馬賽克壁畫，介紹這位泰雅族知識份子，如何在日本殖民與國民政府接管的政治動盪下，持續推動教育與醫療等權益，「他能在夾縫中捍衛族群的權利與未來，我由衷覺得欽佩。」謝佳璇說道。午間，泰雅族主廚帶來甜柿炒牛肉與南瓜濃湯等菜餚。他說明，甜柿不是風味強烈的食材，跟肉類炒在一起可以增添水果的清甜。南瓜濃湯則加入原住民常用的香料刺蔥，讓辛香與南瓜的甜味巧妙中和，展現獨特的在地風味。「每個餐點都富有特色，也都融合了當地的農產品。」北大社會工作學系學生張振威說道。 導覽尾聲安排手作樂器活動，盼讓參與者貼近部落文化。口簧琴是泰雅族的傳統樂器，作為族人間傳遞訊息的工具，也能用來表達情意。口簧琴多為單簧吹奏，現今能夠熟練吹奏雙簧以上的族人耆老逐漸减少，因此部落正積極培養孩童練習，並轉型成觀光的一部分，「讓文化得以傳承的同時，也可以創造更多的價值。」張振威說道。本次導覽也以口述歷史補足教科書未描寫的細節，「這些細微末節讓知識變得立體。」北大中國語言文學系學生曹榮安說道。他表示，從族人的敘述能看見族群如何理解自己的歷史，與官方或學術的版本並不相同，而兩者差異亦是認識多元文化的重要途徑。 「認識不同族群，是一種看見彼此的過程。」曹榮安說道。他表示，這段走讀經驗，能讓他反思自己身為布農族的處境與價值，並以更開放的視野去尊重和接納文化差異。謝佳璇則認為，透過手工藝技術與部落創生認識泰雅族的歷史，能進一步讓他思考該如何延續與保存自身的排灣族文化，「或許跨族群的合作或借鑑經驗，是讓原民文化保育茁壯的關鍵。 」他說道。

【記者林庭如報導】奇形怪狀的色塊或破碎或聚集，營造出可愛的感覺。國立清華大學藝術與設計學系碩士班學生呂亭葳，5日於新竹狔覗藝術空間舉辦個展《啵啵啵，來自呢喃》。呂亭葳藉由洗碗精與海鹽等複合媒材，將口吃經驗轉化成作品，面對曾經不願開口的記憶。 呂亭葳少時受到口吃影響，嚴重時甚至被要求送醫，但他現在透過創作來自我修復。在作品〈儀式的操作說明〉中，呂亭葳將泡泡吹在烘焙紙上，再透過保麗龍膠書寫「我不要、我不想、我不說」，而這些文字代表他口吃時最常使用的句子。「結巴出現在對話中時，我會把他們寫下來。」因此，他開始嘗試把文字書寫融入創作，做為新的表達方式。而〈儀式的操作說明〉靈感源自海鹽淨化磁場，呂亭葳結合對玄學的興趣，燃燒海鹽來表示淨化過往經歷。 呂亭葳過去傾向以逃避態度面對缺陷，並刻意美化口吃的不協調感，而〈錯誤：腦、眼、耳〉則表現他大學畢業後心態上的轉變。呂亭葳表示，面對口吃經驗，他常難以言說內在情緒，因此在作品中他刻意不畫上嘴巴，正是想表達早期心口不一的狀態。「這有點像是一種自我保護的篩選機制。」呂亭葳坦言，過去在創作中選擇篩選來描繪較不重要的感官，是一種錯誤的作法。因此，若有機會重繪〈錯誤：腦、眼、耳〉，呂亭葳表示，他會重新畫上嘴巴。「過去我比較偏向展現掙扎，現在才發現，創作除了可以重現曾經的狀態外，也可以幫助我消化這份情緒。」 觀眾巫惠琳表示，他在呂亭葳的作品中感受到共鳴，例如懸掛作品〈mur mur〉便讓他聯想到曾經放棄說出口的話。相較於其他一體成形的作品，〈mur mur〉以多層堆疊的蝌蚪狀對話框組成，呈現片段而零碎的自言自語。而呂亭葳也特別設計讓觀眾走到作品背面，一睹他在創作過程中修補每個對話框時留下的痕跡。觀眾劉雅鈞表示，〈mur mur〉顏料的堆疊與複合媒材的運用，呈現龐大卻無法即時表達的狀態。 《啵啵啵，來自呢喃》中「啵啵啵」呈現出泡泡破掉的聲音，也代表口吃時重複「我我我」的諧音，而「來自呢喃」表示結巴時講話小聲的狀態。呂亭葳的作品中並未直接刻劃「吹泡泡」的行為，但他以泡泡作為象徵，藉其所形成的私人空間，調適過去抗拒的經驗，並將泡泡視為情緒得以安放的所在。

【記者熊子萱台北報導】五彩斑斕的拼布，小兔子在動畫場景中跳躍。就讀國立臺南藝術大學動畫藝術與影像美學研究所的吳家昕，獨力完成動畫片《兔子巷968號》，呈現他對於家庭的觀察與感受。作品於2日在2025金片子大賽入圍影展，及2025新北市學生影像新星獎新星影展進行首映。 《兔子巷968號》以家中最年幼的兔子為主角，以牠的視角觀看姊姊即將帶男朋友回家時，家人之間的慌亂反應。吳家昕表示，故事靈感來自他的自身經歷，「實際狀況其實比動畫還要誇張，當時大概有十幾個親戚在大門口看姊姊男朋友，他應該嚇得要死。」在《兔子巷968號》中，各個角色對應到吳家昕的家庭成員，「而我之所以選擇兔子作為角色形象，是因為寵物兔子是陪我成長的家人之一。」此外，他認為將角色動物化的方式，能讓觀眾更親近角色，他也能更坦率的畫出心中理想的角色動作和樣貌。 吳家昕在作品中使用大量的拼布，並以幾何形狀建構出平面與立體畫面。例如動畫一開始，背景的拼布是整齊的平面方格，「而另一種呈現形式，是兔子穿梭到廚房並爬到樓上窗戶的微透視。」吳家昕用近景大、遠景小的方式打造透視感，讓《兔子巷968號》躍然紙上。觀眾童先生（化名）認為：「用拼布編織的創作手法蠻特別的，非傳統的2D空間也呈現不同視角。」在主角一家知道男朋友要來時，所有的拼布漸漸傾斜歪曲，最後呈現破碎化，映照出角色從最初平靜轉變為慌亂的心境。 「我用手機拍下布料的花紋，再用電腦把它切成我要的形狀。」吳家昕用相片結合電腦繪圖，將拼布剪裁成角色的服裝、家中的電視和庭院晾著的衣服。此外，透過不同花紋的剪貼，使動畫播放出來會有如同光影、隨風飄動的畫面，增添立體感和動態感。觀眾卡比獸（化名）分享：「主角家中的電視用正方形的布做出外框，裡面則變換不同顏色或花紋的布料，看起來就像真的在播映一樣。」 而花紋拼布的發想，來自吳家昕對家庭的記憶，「我媽媽會做拼布被子給每一個小孩，因此，拼布給我帶來溫暖的家庭感受。」他認為，家人各自忙碌的狀態就像擁有不同花紋的布料，但需要時仍會彼此照應，如同被縫合成溫暖的拼布。「我覺得家人之間的聯繫，不是一天到晚常常見面，而是一種自然而然的連結跟關心。」吳家昕以拼布結合動畫，將對家庭的記憶與情感視覺化，呈現出家人之間如拼布般緊密、溫暖的故事。

【記者蔡得曦報導】「他死後化成黑月，再次回到夢的所在。」國立臺灣藝術大學電影學系陳祖逵創作實驗片《良夜之歌》，入選第十七屆關渡電影節學生單元D拾光意象，12日於國立臺北藝術大學藝文生態館首映。影片以鬼魂為核心意象，結合家庭影像傳遞出陳祖逵對親情的懷念，更呈現他對往昔時光的追憶。 《良夜之歌》紀錄了陳祖逵父親在祖母過世後的生活。片中使用的八釐米底片，是陳祖逵的叔公多年前所拍攝，主要紀錄當時家族成員的生活樣態。「這段影片代表我們家族中一種記憶的傳承。」陳祖逵表示，在祖母過世三年後，他希望透過自己擅長的影像拍攝，傳達對親人的思念，同時記錄這段時間與父親的相處狀態。作品運用實驗片常見的疊影手法處理底片影像，讓影片中的父親看似在海邊漫步，實則在心中不停懷念與祖母的舊日回憶。陳祖逵說：「我經常與父親一起在家附近的海邊散步，他總在散步後對我說很想念祖母。」 陳祖逵在《良夜之歌》中對聲音呈現也下足功夫，「人在悲傷的過程中，對於周遭環境的感知會改變，世界會突然安靜下來。」陳祖逵希望運用靠近聲源的收音，模擬悲傷時聽覺放大的聲音經驗。除了自然的環境音，在父親漫步於沙灘的場景中，他選擇加入孩子的嬉笑聲與海水拍擊沙灘的浪花聲。他說明，這些聲音的設計都是為了表達人處於極端情緒時更為敏銳的感官體驗。 《良夜之歌》定調為實驗片，陳祖逵認為，實驗片多著重於觀者與創作者之間的再創造，意即觀者在看到影片時會出現自己的想法與相關經驗的投射，同時代表創作者藉由影片帶給觀者一種想像空間。他說：「透過我的拍攝手法，能夠喚起觀者對於家人、死者和遺憾的記憶，這些都能帶來一定程度的共鳴。」觀眾陳羿廷說：「《良夜之歌》的處理方式會讓我聯想到，導演在作品裡想呈現的記憶和對亡者的思念。」 陳祖逵坦言，家庭一直是他的創作主軸，「我的創作總是在處理與家人，甚至是與生死的關係。」而他在大二時拍攝的作品《鳴》，也同樣以家庭經驗作為拍攝主題。觀眾宇（化名）說：「家族中晚輩去挖掘長輩曾生產的影像，並藉此與過去自己沒經歷過的時代產生聯繫，是一個很值得推廣的創作方式。」陳祖逵以家庭影像融合自然環境，傳達對家人的深刻思念。他說：「《良夜之歌》如同一首歌的旋律，旋律一直輪迴不斷，就像記憶也不斷延續。」

【記者陳雙台北報導】「模糊不是缺陷，而是一種觀看的方式。」國立臺北藝術大學美術學系繪畫組碩士生簡伃彣舉辦個展《我記得那不是這樣》，透過刮除、打磨、封存等手法對記憶進行揣摩與質疑，重新建構觀看與認知之間的張力。展覽於9日起在S7美術館4樓展出。 簡伃彣去年前往冰島旅行，並將在當地體驗的感官經歷，以不借助照片或影片的情況下，直接憑藉記憶呈現於每幅作品之中。「風景對我來說不單是名詞，也可能是動詞。」簡伃彣將風景歸類成一個過程，而這個過程正是觀看、記憶與繪畫相互交織的狀態所產生。簡伃彣認為實地旅行對創作是必要的，他會在旅行過程中漫無目的地尋找靈感。對他而言，這種無法言說的模糊狀態正是一種浪漫，也是他想要用繪畫去體現的感覺。他補充道：「只有在實地旅行我才能夠感受到觀看是如何發生。」 作品〈透明裡的舊景〉靈感源於簡伃彣童年驗光時對「小房子」的深刻印象，而那座小房子正是冰島一間教堂的象徵。當他實地前往教堂的所在之處時，四周環繞著荒原，短時間內的極端天氣使霧氣與陽光不斷交錯，讓教堂在清晰與模糊之間來回變化。簡伃彣在〈透明裡的舊景〉嘗試使用刮除、遮蓋、打磨等手法呈現清晰與模糊交織的狀態，重現記憶中驗光儀與自然環境帶給他觀看的不確定性，並透過自製的半透明凝膠顏料封存對小房子的記憶。 在創作的過程中，簡伃彣不斷以「我記得那不是這樣。」這句話來質問自己，反覆將畫作打磨重畫，希望呈現出記憶中風景的樣貌。當創作完成後，他會將系列作品命名為《我記得是...》，象徵創作歷程中從自我否定到自我肯定的轉變，而省略號透露出他對記憶仍存質疑與不確定，他說：「當去過冰島的人詢問我這是在畫哪裡，我都會回覆不知道、可能吧。」簡伃彣創作時會不斷推翻自己的記憶，使用砂紙將畫面打磨重畫，一層一層地重複遮蓋，形成抽象的色塊。觀眾Sunny（化名）認為，作品中不同比例面積的色塊非常獨特，「他的畫會帶著我的眼睛跟著色塊走，直到看完一整幅畫。」 觀眾Ricky（化名）表示，觀展後感覺夢回冰島，雖然有些作品是迷濛的，但作者使用刮除、打磨、遮蓋等方式來具象回憶，令他印象深刻。觀眾Saber（化名）則表示，每幅畫都蘊含作者多重的思考與表達，讓他能感受到作者去冰島旅行的心境。簡伃彣說：「我希望觀眾可以理解，風景不一定要盡收眼底。」他認為，模糊擁有更多的包容性，不是每個作品或風景都需要看得清晰，而是保持質疑的態度去看世界，才會發現更多的可能性。