【記者鄭丞傑台北報導】國立政治大學藝文中心22日舉辦《製作一本「物的目錄冊」》工作坊，為本學期藝文中心展覽《複巢》的延伸活動。工作坊以手繪個人收藏為核心，引導學員透過描繪物件，凝視自我與收藏品之間的關係。 《複巢》講述人類對於「收藏」本身的嚮往與熱愛，展覽以工業革命後的城市化與環境污染為背景，探討人類如何因此對自然產生憧憬，並透過搜集鳥蛋、鳥巢等自然物品的行為，重建與大自然間的聯繫。藝術家吳權倫透過模型、3D列印雕塑與影像散文，反思人類對佔據自然物的渴望與權力關係。《製作一本「物的目錄冊」》工作坊則延伸展覽的概念，讓學員以素描記錄個人收藏，並編製成目錄冊，藉此釐清自身的收藏動機與慾望，並作為詳細記錄與觀察自我的起點。 「繪畫是一種持續性的觀看。」工作坊負責人吳怡箴說道。在繪畫的過程中，自身的記憶與情感會影響個人對物品的詮釋，他鼓勵學員除單純臨摹外，也可以嘗試用不同的視角進行創作，甚至利用創意呈現對收藏品另類的想像。政大統計學系學生許丞沛的收藏，是一台鴨嘴獸泰瑞造型的玩具車。他分享，這是自己第一次如此仔細地端詳它，描繪時才發現車身上布滿過去未曾注意到的細小刮痕，「這是歲月留下的痕跡。」他說道。除了玩具車外，學員們的收藏品繁複多樣，如包裝各異的袖珍包衛生紙、女性影展的工作證、安定身心力量的礦石等，皆蘊含著不同的意義。 來自香港的政大廣告學系交換生李可榆，帶來四張樹木紋理的攝影作品，以及一張母親腹部的妊娠紋照片。他表示，「榆」取自於自己出生時醫院旁的榆樹，也象徵著父母對他堅韌與高貴的期許。每當他注視與觸摸樹幹上的紋理時，心中總會浮現母親腹部的妊娠紋與生產時的艱辛，「看到樹，就會想到媽媽，這是我們之間的繫帶。」他說道。許丞沛所帶來的玩具車，則乘載著他的童年回憶。他提起，過去親戚小孩曾不慎將他珍藏的玩具車弄丟，使他的心情低迷了好一陣子，嬸嬸因此想盡辦法為他買到同款玩具車，而當時內心的感動直至現在仍記憶猶新。事後看見這輛玩具車，他所感受到的，是家人滿溢的關心，也賦予這件收藏更多意義。 許丞沛認為，完成素描後做成目錄冊，有如幫收藏品製作了一張身分證，「也讓它們的價值被具體呈現出來。」他說道。李可榆則分享在讀大學和當交換生的過程中，因常常需要搬遷，所以逐漸養成極簡的生活習慣，丟棄許多非必要的物品。但在體驗本次的工作坊後，他開始思考自己真正想留下的物品是什麼。吳怡箴則希望學員能持續記錄收藏品，重新審視個人記憶，從而發現更多元的可能性。

【記者黃律齊報導】霓虹燈牌散發復古光澤，褪色的木製招牌見證歷史。現就讀國立臺中教育大學美術學系碩士班的陳梓健，15日於「民生路老宅56-3」舉辦個展《招牌老美》。他以家鄉香港、澳門最具代表性11種招牌樣式為主題，透過攝影捕捉正迅速消逝的文化地景。 展場中，陳梓健將港澳傳統招牌依材質、位置與結構，分類為「建築直柱」、「建築橫匾」、「鐵閘鑿字」、「霓虹燈招牌」等11種形式。「像這些傳統的製作方式，現在幾乎看不到了，所以我想把它們完整記錄下來。」陳梓健回憶，作品始於在澳門拍攝的「李錦記蠔油庒」招牌，該招牌屬於「建築直柱」型態，店名以紅色「魏碑」字體油漆於店面立柱。魏碑源自魏晉南北朝時期的墓誌書體，筆畫分明、轉折強烈，是港澳老招牌中特別具象徵性的字型。陳梓健提到：「書法家區建公在1920年代來到澳門，後來又前往香港。他留下許多以魏碑書寫的招牌，是現在港澳街上最經典的字體。」 「鐵閘鑿字」則是另一種具有強烈地域特色的招牌形式，源自1950年代盛行的「前舖後居」文化，當時店面前方作為商舖，後方則為住家。「鐵閘」為店面出入口的防護裝置，兼具通風與採光功能，部分店家會在鐵閘上鐫刻商號名稱，且通常會有花樣綴飾，因此又稱「通花鐵閘」。陳梓健說：「在港澳的老城區仍然可以看到傳統的鐵閘，但數量還是越來越少。」他補充，即便許多店面早已不再經營原有行業，仍可見沿用的舊鐵閘，成為歷史在當代殘留的痕跡。 陳梓健也進一步關注招牌背後的歷史脈絡。他指出，在澳門街區，招牌上附有一排葡文小字，反映葡萄牙殖民時期的法規要求，即當時澳葡政府規定店家必須以中、葡雙語呈現店名，因而形成今日獨特的街景。此外，早期招牌以木頭與水泥製成，陳梓健說：「以前會把水泥和稻草混在一起，再把字嵌上去。」因此在陳梓健的作品中，可以看見粗糙的水泥紋理、雨水留下的痕跡與日曬褪色的斑駁。「1970年代以後，香港很多招牌都變成壓克力板了。」陳梓健表示，製作快速的壓克力招牌、現成模板的字型，使傳統手工材料所具有的溫度與個性逐漸消失，這也成為他開始記錄招牌文化的原因之一。 對於招牌文化的式微，來自香港的觀眾Yaka Chan（化名）深有同感，他說：「招牌替人們記住時光，卻在時光裡被悄悄遺忘。」在港澳生活三十餘年的他分享，自己從沒想過會在異鄉重新喚起對招牌文化重視。展場空間的主理人Ivy（化名）說：「其實在台灣我們也能發現不少老招牌。」他認為，這種跨地域的相似性，讓兩地的人們能相互產生共鳴。

【記者林庭如報導】大型鐵皮圍籬裝置及黃色角錐擺放在展場兩側，引導出觀者的觀展方向。國立臺灣藝術大學美術學系碩士班學生徐涌誠，20日於金車文藝中心舉辦個展《異質殘景》，以影像、錄像與裝置，述說一座汽車教練場因都更被迫拆除的故事。 展場作品的擺放順序呈現工地的空間安排，〈乙種圍籬〉擺放在展區的入口處，作為初期圍繞在工地旁的裝置（註）。徐涌誠透過白膠及3D列印的方式，將上層為鐵格網的乙種圍籬複印在半透明的描圖紙上，再將光打在紙上營造明亮感，觀眾蔣品認為，乙種圍籬用柔軟的紙展現原本堅固的鐵質裝置，讓作品更具層次感。而乙種圍籬後方的仿鐵皮裝置則為甲種圍籬，表示施工進入後期階段；繞過甲種圍籬的背面，則擺放不同大小的黑白底片。徐涌誠表示，這些照片是他實際鑽過圍籬所拍攝的景象，記錄下教練場拆除前的畫面。 註：工地常見使用圍籬有兩種，包含甲種圍籬及乙種圍籬，前者為密閉式，為全阻隔型；後者為半阻隔式，上半部為網狀結構，為可移動的臨時圍籬 此外，徐涌誠從汽車教練場帶回各種廢棄文件、告示及看板，並將拾得物拍攝下來，集結成超過一百張相片的作品〈殘景手札〉。「當人們要努力記得一件事情時要有積極的作為。」徐涌誠引用哲學家德希達的話，傳達出拾得及攝影是他紀錄記憶的方式，「我的這些紀錄可以看到我對教練場的記憶，它成為一種彼此對照的鏡像。」而他透過刻意安排甲種、乙種圍籬及黑白色底片間的位置，營造出觀看的節奏。例如攝影書內頁加入透明的紙，藉此表達閱讀時的停頓狀態，代表觀者翻開下一頁時隨即進入另個空間。 在甲種圍籬的另一側，徐涌誠將〈盲啞記憶〉投影於牆面上，邀請觀眾從歷史的角度，一起重新認識汽車教練場的過去。〈盲啞記憶〉透過大量的長鏡頭及徐涌誠的口白，並穿插徐涌誠阿嬤對土地的口述歷史，展示教練場周圍的地景變化。徐涌誠表示，在阿嬤的時代，原本的汽車教練場是做為無線電台基座，拆除後才成為停車場。然而來到他這一代，汽車教練場卻再次面臨拆除的結果。徐涌誠表示，記憶很難用時間談論，所以他以非線性時間軸的方式剪輯錄像作品，「我用節奏緩慢的鏡頭引導觀者進入故事中，這是最好讓觀眾沉浸其中的方式。」徐涌誠認為，失憶與盲啞都是人的一種失能狀態，這也是作品名稱的來源，「過於日常的事物不刻意記著就會忘記。」觀眾絜心（化名）認為〈盲啞記憶〉中的口白，既有歷史脈絡考究又有文學性，具有上個世代獨特的記憶。 徐涌誠表示，社會運作的邏輯傾向同質性，民眾普遍容易忽略以多元的角度談論事情，「但面對都更案，難道我們只能夠如此果斷接受拆除嗎？」徐涌誠認為若以異質角度思考，他可以用不同的視角介入場域中，並以「闖入者」的身分自喻半夜進入工地的行動，拍攝並蒐集工地各個角落的殘景，留下他眼中曾經的汽車教練場。

【記者蔡得曦報導】柔中帶剛的筆觸刻劃林木的自然紋理，輕盈色彩描繪出記憶景致。國立臺北藝術大學美術學系繪畫組碩士生王苡蓁，8日起在十方藝術空間舉辦個展《三月的慢板敘事—休憩之地》。他捕捉日常中難以察覺的細微變化，轉化為由記憶與想像共築的作品。 今年三月，王苡蓁老家的整排樹林在傾刻間被截斷。王苡蓁說：「對我而言，這起事件造成了巨大的記憶斷層。」他分享，自己曾以觀察樹影隨季節變化為嗜好，但樹林消失後，強烈的日照使路面刺眼，讓他難以適應。因此，在作品〈無枝可依〉中，王苡蓁將九幅大小相同卻各自分離的畫，拼湊出一棵枝幹斷裂且不見綠葉的樹，象徵鳥兒再無枝枒可依附，也代表王苡蓁的記憶失去寄託之所。他說：「鳥兒可以再找到自己的家，那我的記憶呢？」王苡蓁以九宮格畫布，呈現自身的記憶斷層。 鄰近展場入口的首幅作品〈散去，散步去〉中的半拱門型區域，能瞥見日常的樹林景觀。王苡蓁表示，「觀者有種站在門外觀看的感覺，或是感受到自己能走進作品。」他解釋，拱門的靈感源自兒時記憶。當時老家的樹林曾繁茂到足以構成拱門狀的綠色隧道，「我覺得它是隧道，同時也是心境的門，能帶我回到很久以前的記憶。」畫中的樹林景觀源於王苡蓁對故地的記憶與想像，並再現這些曾經存在的蹤跡於作品。「只要你存在於世界上，就一定會留下蹤跡。」王苡蓁認為，蹤跡是微乎其微、容易被人忽略的事物。觀眾Emily（化名）說：「藝術家用最溫柔的表現方式，讓觀眾意識到這個世界的細微變化。」 在展覽中，休憩之地除了表達樹木的生命在此地被畫上休止符，對王苡蓁而言，亦是家的代名詞。〈晨間七點四十三分，吱喳聲響〉是唯一描繪室內景象的作品，王苡蓁說：「樹木被砍後，無處可去的鳥兒便盤據在住戶窗邊不斷啼叫。」但在此畫中，鳥兒刻意缺席的安排，是因當時家中窗簾將視線完全遮蔽，於是王苡蓁便在作品中保留這份不可見。而「晨間七點四十三分」的由來，則是王苡蓁因惱人的吱喳聲而打開窗簾時，無意間瞥見的時間，他說：「當我用命名的方式點出時間、地點和動作，能更好地向觀眾傳達我想傳達的概念。」 展覽名稱中的「慢板敘事」，由兩個具不同含意的詞彙所組成。慢板是王苡蓁觀察世界的方式，他坦言：「緩慢的生活步調便是我想讓觀者體驗的感受。」而敘事一詞則意指他藉作品提供線索，引領觀者拼湊線索來了解故事。王苡蓁表示，他淡化作品裡的情緒，只展現最輕盈的部分給觀眾。他說：「我不希望觀眾覺得沉重，而是以一種來河堤散步的心情沉浸於展間之中。」

【記者鄭丞傑報導】山風吹拂，穿過枕頭山的林間步道，落葉與碎石在腳下發出細碎聲響。國立臺北大學原住民族學生資源中心於8日舉辦「泰雅族1907年枕頭山事件（大嵙崁事件）歷史走讀活動」，帶領學生沿台七線尋訪枕頭山事件遺址，並深入復興區部落，在文化體驗與導覽中重新閱讀原住民族的歷史脈動。 活動始於枕頭山遺址，導覽員指著山谷地勢，解說日治時期的殖民政府欲爭奪樟腦，集結軍隊攻打當地泰雅部落，並爆發流血衝突，最終造成遺留族人遷移深山的故事。學生沿著山徑前行，從坡度、視野與路線重新理解事件背景。北大公共行政暨政策學系學生謝佳璇表示，踏入事件發生的場景，更能理解部落在威權統治下的矛盾與壓力。北大原資中心組員陳盈全則說：「希望能藉此建立學生對原住民文化的理解還有尊重。」 途經樂信．瓦旦紀念公園，導覽員透過牆上的馬賽克壁畫，介紹這位泰雅族知識份子，如何在日本殖民與國民政府接管的政治動盪下，持續推動教育與醫療等權益，「他能在夾縫中捍衛族群的權利與未來，我由衷覺得欽佩。」謝佳璇說道。午間，泰雅族主廚帶來甜柿炒牛肉與南瓜濃湯等菜餚。他說明，甜柿不是風味強烈的食材，跟肉類炒在一起可以增添水果的清甜。南瓜濃湯則加入原住民常用的香料刺蔥，讓辛香與南瓜的甜味巧妙中和，展現獨特的在地風味。「每個餐點都富有特色，也都融合了當地的農產品。」北大社會工作學系學生張振威說道。 導覽尾聲安排手作樂器活動，盼讓參與者貼近部落文化。口簧琴是泰雅族的傳統樂器，作為族人間傳遞訊息的工具，也能用來表達情意。口簧琴多為單簧吹奏，現今能夠熟練吹奏雙簧以上的族人耆老逐漸减少，因此部落正積極培養孩童練習，並轉型成觀光的一部分，「讓文化得以傳承的同時，也可以創造更多的價值。」張振威說道。本次導覽也以口述歷史補足教科書未描寫的細節，「這些細微末節讓知識變得立體。」北大中國語言文學系學生曹榮安說道。他表示，從族人的敘述能看見族群如何理解自己的歷史，與官方或學術的版本並不相同，而兩者差異亦是認識多元文化的重要途徑。 「認識不同族群，是一種看見彼此的過程。」曹榮安說道。他表示，這段走讀經驗，能讓他反思自己身為布農族的處境與價值，並以更開放的視野去尊重和接納文化差異。謝佳璇則認為，透過手工藝技術與部落創生認識泰雅族的歷史，能進一步讓他思考該如何延續與保存自身的排灣族文化，「或許跨族群的合作或借鑑經驗，是讓原民文化保育茁壯的關鍵。 」他說道。

【記者林庭如報導】奇形怪狀的色塊或破碎或聚集，營造出可愛的感覺。國立清華大學藝術與設計學系碩士班學生呂亭葳，5日於新竹狔覗藝術空間舉辦個展《啵啵啵，來自呢喃》。呂亭葳藉由洗碗精與海鹽等複合媒材，將口吃經驗轉化成作品，面對曾經不願開口的記憶。 呂亭葳少時受到口吃影響，嚴重時甚至被要求送醫，但他現在透過創作來自我修復。在作品〈儀式的操作說明〉中，呂亭葳將泡泡吹在烘焙紙上，再透過保麗龍膠書寫「我不要、我不想、我不說」，而這些文字代表他口吃時最常使用的句子。「結巴出現在對話中時，我會把他們寫下來。」因此，他開始嘗試把文字書寫融入創作，做為新的表達方式。而〈儀式的操作說明〉靈感源自海鹽淨化磁場，呂亭葳結合對玄學的興趣，燃燒海鹽來表示淨化過往經歷。 呂亭葳過去傾向以逃避態度面對缺陷，並刻意美化口吃的不協調感，而〈錯誤：腦、眼、耳〉則表現他大學畢業後心態上的轉變。呂亭葳表示，面對口吃經驗，他常難以言說內在情緒，因此在作品中他刻意不畫上嘴巴，正是想表達早期心口不一的狀態。「這有點像是一種自我保護的篩選機制。」呂亭葳坦言，過去在創作中選擇篩選來描繪較不重要的感官，是一種錯誤的作法。因此，若有機會重繪〈錯誤：腦、眼、耳〉，呂亭葳表示，他會重新畫上嘴巴。「過去我比較偏向展現掙扎，現在才發現，創作除了可以重現曾經的狀態外，也可以幫助我消化這份情緒。」 觀眾巫惠琳表示，他在呂亭葳的作品中感受到共鳴，例如懸掛作品〈mur mur〉便讓他聯想到曾經放棄說出口的話。相較於其他一體成形的作品，〈mur mur〉以多層堆疊的蝌蚪狀對話框組成，呈現片段而零碎的自言自語。而呂亭葳也特別設計讓觀眾走到作品背面，一睹他在創作過程中修補每個對話框時留下的痕跡。觀眾劉雅鈞表示，〈mur mur〉顏料的堆疊與複合媒材的運用，呈現龐大卻無法即時表達的狀態。 《啵啵啵，來自呢喃》中「啵啵啵」呈現出泡泡破掉的聲音，也代表口吃時重複「我我我」的諧音，而「來自呢喃」表示結巴時講話小聲的狀態。呂亭葳的作品中並未直接刻劃「吹泡泡」的行為，但他以泡泡作為象徵，藉其所形成的私人空間，調適過去抗拒的經驗，並將泡泡視為情緒得以安放的所在。

【記者熊子萱台北報導】五彩斑斕的拼布，小兔子在動畫場景中跳躍。就讀國立臺南藝術大學動畫藝術與影像美學研究所的吳家昕，獨力完成動畫片《兔子巷968號》，呈現他對於家庭的觀察與感受。作品於2日在2025金片子大賽入圍影展，及2025新北市學生影像新星獎新星影展進行首映。 《兔子巷968號》以家中最年幼的兔子為主角，以牠的視角觀看姊姊即將帶男朋友回家時，家人之間的慌亂反應。吳家昕表示，故事靈感來自他的自身經歷，「實際狀況其實比動畫還要誇張，當時大概有十幾個親戚在大門口看姊姊男朋友，他應該嚇得要死。」在《兔子巷968號》中，各個角色對應到吳家昕的家庭成員，「而我之所以選擇兔子作為角色形象，是因為寵物兔子是陪我成長的家人之一。」此外，他認為將角色動物化的方式，能讓觀眾更親近角色，他也能更坦率的畫出心中理想的角色動作和樣貌。 吳家昕在作品中使用大量的拼布，並以幾何形狀建構出平面與立體畫面。例如動畫一開始，背景的拼布是整齊的平面方格，「而另一種呈現形式，是兔子穿梭到廚房並爬到樓上窗戶的微透視。」吳家昕用近景大、遠景小的方式打造透視感，讓《兔子巷968號》躍然紙上。觀眾童先生（化名）認為：「用拼布編織的創作手法蠻特別的，非傳統的2D空間也呈現不同視角。」在主角一家知道男朋友要來時，所有的拼布漸漸傾斜歪曲，最後呈現破碎化，映照出角色從最初平靜轉變為慌亂的心境。 「我用手機拍下布料的花紋，再用電腦把它切成我要的形狀。」吳家昕用相片結合電腦繪圖，將拼布剪裁成角色的服裝、家中的電視和庭院晾著的衣服。此外，透過不同花紋的剪貼，使動畫播放出來會有如同光影、隨風飄動的畫面，增添立體感和動態感。觀眾卡比獸（化名）分享：「主角家中的電視用正方形的布做出外框，裡面則變換不同顏色或花紋的布料，看起來就像真的在播映一樣。」 而花紋拼布的發想，來自吳家昕對家庭的記憶，「我媽媽會做拼布被子給每一個小孩，因此，拼布給我帶來溫暖的家庭感受。」他認為，家人各自忙碌的狀態就像擁有不同花紋的布料，但需要時仍會彼此照應，如同被縫合成溫暖的拼布。「我覺得家人之間的聯繫，不是一天到晚常常見面，而是一種自然而然的連結跟關心。」吳家昕以拼布結合動畫，將對家庭的記憶與情感視覺化，呈現出家人之間如拼布般緊密、溫暖的故事。

【記者蔡得曦報導】「他死後化成黑月，再次回到夢的所在。」國立臺灣藝術大學電影學系陳祖逵創作實驗片《良夜之歌》，入選第十七屆關渡電影節學生單元D拾光意象，12日於國立臺北藝術大學藝文生態館首映。影片以鬼魂為核心意象，結合家庭影像傳遞出陳祖逵對親情的懷念，更呈現他對往昔時光的追憶。 《良夜之歌》紀錄了陳祖逵父親在祖母過世後的生活。片中使用的八釐米底片，是陳祖逵的叔公多年前所拍攝，主要紀錄當時家族成員的生活樣態。「這段影片代表我們家族中一種記憶的傳承。」陳祖逵表示，在祖母過世三年後，他希望透過自己擅長的影像拍攝，傳達對親人的思念，同時記錄這段時間與父親的相處狀態。作品運用實驗片常見的疊影手法處理底片影像，讓影片中的父親看似在海邊漫步，實則在心中不停懷念與祖母的舊日回憶。陳祖逵說：「我經常與父親一起在家附近的海邊散步，他總在散步後對我說很想念祖母。」 陳祖逵在《良夜之歌》中對聲音呈現也下足功夫，「人在悲傷的過程中，對於周遭環境的感知會改變，世界會突然安靜下來。」陳祖逵希望運用靠近聲源的收音，模擬悲傷時聽覺放大的聲音經驗。除了自然的環境音，在父親漫步於沙灘的場景中，他選擇加入孩子的嬉笑聲與海水拍擊沙灘的浪花聲。他說明，這些聲音的設計都是為了表達人處於極端情緒時更為敏銳的感官體驗。 《良夜之歌》定調為實驗片，陳祖逵認為，實驗片多著重於觀者與創作者之間的再創造，意即觀者在看到影片時會出現自己的想法與相關經驗的投射，同時代表創作者藉由影片帶給觀者一種想像空間。他說：「透過我的拍攝手法，能夠喚起觀者對於家人、死者和遺憾的記憶，這些都能帶來一定程度的共鳴。」觀眾陳羿廷說：「《良夜之歌》的處理方式會讓我聯想到，導演在作品裡想呈現的記憶和對亡者的思念。」 陳祖逵坦言，家庭一直是他的創作主軸，「我的創作總是在處理與家人，甚至是與生死的關係。」而他在大二時拍攝的作品《鳴》，也同樣以家庭經驗作為拍攝主題。觀眾宇（化名）說：「家族中晚輩去挖掘長輩曾生產的影像，並藉此與過去自己沒經歷過的時代產生聯繫，是一個很值得推廣的創作方式。」陳祖逵以家庭影像融合自然環境，傳達對家人的深刻思念。他說：「《良夜之歌》如同一首歌的旋律，旋律一直輪迴不斷，就像記憶也不斷延續。」

【記者陳雙台北報導】「模糊不是缺陷，而是一種觀看的方式。」國立臺北藝術大學美術學系繪畫組碩士生簡伃彣舉辦個展《我記得那不是這樣》，透過刮除、打磨、封存等手法對記憶進行揣摩與質疑，重新建構觀看與認知之間的張力。展覽於9日起在S7美術館4樓展出。 簡伃彣去年前往冰島旅行，並將在當地體驗的感官經歷，以不借助照片或影片的情況下，直接憑藉記憶呈現於每幅作品之中。「風景對我來說不單是名詞，也可能是動詞。」簡伃彣將風景歸類成一個過程，而這個過程正是觀看、記憶與繪畫相互交織的狀態所產生。簡伃彣認為實地旅行對創作是必要的，他會在旅行過程中漫無目的地尋找靈感。對他而言，這種無法言說的模糊狀態正是一種浪漫，也是他想要用繪畫去體現的感覺。他補充道：「只有在實地旅行我才能夠感受到觀看是如何發生。」 作品〈透明裡的舊景〉靈感源於簡伃彣童年驗光時對「小房子」的深刻印象，而那座小房子正是冰島一間教堂的象徵。當他實地前往教堂的所在之處時，四周環繞著荒原，短時間內的極端天氣使霧氣與陽光不斷交錯，讓教堂在清晰與模糊之間來回變化。簡伃彣在〈透明裡的舊景〉嘗試使用刮除、遮蓋、打磨等手法呈現清晰與模糊交織的狀態，重現記憶中驗光儀與自然環境帶給他觀看的不確定性，並透過自製的半透明凝膠顏料封存對小房子的記憶。 在創作的過程中，簡伃彣不斷以「我記得那不是這樣。」這句話來質問自己，反覆將畫作打磨重畫，希望呈現出記憶中風景的樣貌。當創作完成後，他會將系列作品命名為《我記得是...》，象徵創作歷程中從自我否定到自我肯定的轉變，而省略號透露出他對記憶仍存質疑與不確定，他說：「當去過冰島的人詢問我這是在畫哪裡，我都會回覆不知道、可能吧。」簡伃彣創作時會不斷推翻自己的記憶，使用砂紙將畫面打磨重畫，一層一層地重複遮蓋，形成抽象的色塊。觀眾Sunny（化名）認為，作品中不同比例面積的色塊非常獨特，「他的畫會帶著我的眼睛跟著色塊走，直到看完一整幅畫。」 觀眾Ricky（化名）表示，觀展後感覺夢回冰島，雖然有些作品是迷濛的，但作者使用刮除、打磨、遮蓋等方式來具象回憶，令他印象深刻。觀眾Saber（化名）則表示，每幅畫都蘊含作者多重的思考與表達，讓他能感受到作者去冰島旅行的心境。簡伃彣說：「我希望觀眾可以理解，風景不一定要盡收眼底。」他認為，模糊擁有更多的包容性，不是每個作品或風景都需要看得清晰，而是保持質疑的態度去看世界，才會發現更多的可能性。

【記者李香霆台北報導】高掛在窗上的藍白色珠簾，在陽光灑落後折射於地面，猶如水紋般波光粼粼。就讀國立臺北藝術大學藝術跨域研究所的趙曼君與藝術家林沛儀，於12月15日在台北當代藝術館共演行為創作《游泳池在哪裡》。透過交雜不同歷史記憶的建築，兩人以肢體表現勾勒外婆的生命故事。 對趙曼君的外婆蘇朋子而言，當代館現址是他記憶中的小學，也是啟蒙他學習游泳的場域。事過境遷後再次回到當代館，外婆一句「游泳池在哪裡？」，成為趙曼君此次創作的契機，他說：「外婆在定位他記憶中模糊的方位，加上當代館外也是以前學校的範圍，所以我想要突破現在的界限進行創作。」在演出中，他與林沛儀身著泳衣，隔著一道窗戶凝視對方，在哨聲的催促下做暖身動作，彼此的一舉一動如鏡像般相互映照。當年外婆與他的姊姊被教練推進泳池一事，意外成為他學習游泳的啟蒙，但姊姊卻因此對泳池產生陰影。趙曼君以此表示，同一個歷史事件發生在不同人身上，會得到不一樣的結果。 「游泳課起源於日治時期，是基於強身健體的觀念，也與戰爭高度相關。」趙曼君解釋，戰時躲避空襲的記憶也刻畫在外婆的小學記憶中，至今對於密閉空間的恐懼正源於此創傷。林沛儀依偎在趙曼君身上，兩人蜷縮在一起，展現外婆在幽暗狹窄的空間中，喘不過氣的壓迫感，林沛儀說：「我趴在曼君身上念文本的時候，聲音受到壓迫所以只能更用力發聲，即時的情緒造成表演的特殊性。」 台北當代館於二戰後變成臺北市政府舊廈，今日則作為美術館。趙曼君用泡棉翻模成的仿紅磚代表建築，用不尋常的肢體動作詮釋著年輕世代難以感同身受的跨世代歷史記憶，「我們這一代已經無法體會這個時期，但是聽外婆說這些時，也是在同理與關懷他的創傷。」他提到不管是家庭成員私人的生命經驗，抑或是該時代下的集體議題，這棟當代館的建築物都見證這些歷史轉變。 觀眾朱家陵認為散落的紅磚代表著每段在此建物中的零碎經歷，「他們把四處的紅磚收集起來，抱在一起擰出紅磚裡的水，這個畫面的情緒相當強烈。」到了演出尾聲，趙曼君與林沛儀將磚頭中被擰出的水收集後潑向窗戶外的土地，如同記憶裡的片段，永遠凝結於那一瞬間。