【專題記者黃弈軒、吳姿芳、單師樵綜合報導】水徐徐地流進杯裡，於手機九宮格畫面中呈現完美構圖，並透過網路傳送到觀眾觀看的螢幕，同時藝術家輕輕細語，引導觀眾參與展演的字句縈繞耳畔，「把心思跟動作緩下來，享受這十分鐘特別時空的洗頭經驗。」 藝術家張剛華在創作計畫《洗頭》中回溯成長記憶，並探討身分認同。　圖／明日和合製作所提供螢幕劃分為一格一格，藝術家手抹泡沫搓揉頭髮佔據主要畫面，右方呈現展演各個空間，檯燈點亮棉床，為幽暗房間注入溫暖，狹長廊道無人走動，揭示「洗頭」為親密時刻。藝術家將自身洗頭的記憶娓娓道來，觀眾也分享關於自己的洗頭故事。冷漠不再是科技唯一形容詞，藝術家與觀眾身在世界不同角落，卻能藉由數位裝置走向彼此。社群媒體與會議軟體如同雲中繩索，成為兩者之間的聯繫，相遇剎那擦出藝術火花，完成線上展演。線上展演順應科技潮流，即使缺乏實體互動，在藝術家的設計下仍給予觀眾參與空間，甚至創造出獨立於實體展演之外的獨特表演形式，成為表演藝術的新趨勢。線上展演打破時空疆界 螢幕兩端共享親密時刻當表演藝術透過線上呈現，表演者與觀眾之間隔著遙遠的距離，藉由數位裝置將畫面、聲音或文字傳送給彼此。社群媒體與通訊軟體成為線上展演的新媒介，表演藝術不再受限於固定時間與物理空間，讓藝術家的創作展現多元樣貌。明日和合製作所由三位劇場編導洪千涵、黃鼎云與張剛華所組成，於民國110年與23位不同領域的藝術家合作，推出線上展演《Surprise Delivery 和合快遞》，將包裹的概念延伸至觀眾欣賞藝術表演的經驗，藝術家透過社群媒體Facebook、Instagram、會議軟體Google Meet、Email和郵寄包裹等多元媒介把「表演」寄到觀眾手中，觀眾便開始與藝術家互動，完成線上展演。《Surprise Delivery 和合快遞》讓藝術家與觀眾同時在特定虛擬空間相遇，洪千涵說：「因為我跟你，在這個時空下，才有這個作品或經驗。」例如藝術家陳嘉微使用協作式數位白板JamBoard，以手繪圖案、文字與照片和觀眾交流生命經驗，最後創作出一幅專屬於藝術家與觀眾的畫。 藝術家陳嘉微詢問觀眾過往生命經歷，觀眾則透過文字、圖片等形式回覆。　圖／明日和合製作所提供收件者只知道快遞大致的到貨時間，在等待與收件過程中可能產生期待和驚喜的情緒，明日和合製作所認為觀眾情緒都是觀看表演經驗的一部分，他們特別設計購票機制，觀眾購票時只能選擇藝術家與日期，無法知道明確的表演時間，洪千涵說：「有趣的是時間幅度拉長，例如你買票是4月20日，然後你買的是洪千涵的，但是我沒有跟你約定是幾點幾分，用什麼樣的媒介在線上見面。」數位展演打破時間框架，藝術家與觀眾也能彈性選擇參與展演的地點。《洗頭》是藝術家張剛華從民國107年開始發展的創作計畫，於2021臺北藝術節中進行線上展演，並分為「參與式展演」與「講座式展演」兩種表演形式。在參與式展演中，他與觀眾在各自家裡透過手機以Google Meet互動，一起倒水、冥想及洗頭，他說：「透過洗頭，他們想到小時候的事情，分享關於洗頭這個觸碰的記憶。」線上表演型態不僅讓觀眾保有私密空間，更能與藝術家共同經歷親密時刻。觀眾參與《洗頭》的體驗過程，成為講座式展演的元素。張剛華同樣在Google Meet平台上以直播進行，呈現超過60位洗頭對象的故事，並利用多鏡位拍攝房間、廊道與洗手台等展演空間，讓觀眾用多方視角觀賞不同區域，「當下（觀眾）可以點很多不同的鏡頭，有比較完整的故事。」另外，《洗頭》充分使用會議平台功能，開放觀眾即時回覆文字與表情符號，使藝術家與觀眾即時互動，在交流的過程中共享「洗頭」經驗。 在《洗頭》的講座式展演中，藝術家張剛華帶領觀眾回到洗頭計畫的起點，講述計畫展開的原因與故事。圖／明日和合製作所提供線上展演扭轉表演形式 觀眾握主動權參與作品「我想要線上演出是一個全新的體驗、一個全新感受的東西，不是現場演出的替代品。」尚未在線上演出魔術前，魔術師周瑞祥對線上展演抱持負面看法，他說明魔術原先可以邀請觀眾上台、抽牌及選擇道具，並利用肢體製造魔術表演張力，但當魔術表演轉至線上，許多魔術原先以直播或非同步播放給觀眾欣賞，導致觀眾無法親身體會魔術的神奇效果，「在線上這些東西，幾乎砍掉原本魔術九成的東西了，所以只剩下那一成。」後來他實際發想線上展演，發現線上魔術反而能實現全新且有趣的互動橋段。周瑞祥藉由Google Meet與觀眾互動，並引導觀眾自己手搓撲克牌，一步步完成魔術表演。觀眾將撲克牌花色朝下，打亂、洗牌，再憑直覺隨意排列後，撲克牌未經魔術師之手，花色整齊區分為黑紅兩邊，不可思議地發生在觀眾電腦螢幕前的桌上。「魔術的核心概念是操縱觀眾的認知，只要能做到這件事情，換一個手段跟形式，在線上也可以成立。」周瑞祥說道。周瑞祥思考線上展演在未來的網路世界中，人與人之間將如何維繫情感溫度與連結，因此他在2021臺北藝術節演出《新人類計畫：明日人》魔術作品，寄送體驗包裹至報名者家中，包裹內容物為預言卡片、圖畫紙、鐵環、項鍊等魔術道具，讓每位觀眾自行在家中學會「明日環」魔術表演，周瑞祥教導觀眾用手指撐開項鍊的鏈條，將鐵環順著鏈條向下丟後，讓項鍊自動栓住鐵環。他期望利用線上形式，讓參與者親自操作魔術，實際體驗魔術的奇幻。在大多數人的想象中，線上展演是觀眾開啟電腦鏡頭與表演者互動，不過民國110年臺北兒童藝術節的其中一檔節目《名叫中間的地方：家庭旅行版》，反而藉由「聲音」作為表演媒介，邀請親子擔任演員，將自家空間打造為劇場，在家完成一場演出。《名叫中間的地方：家庭旅行版》由進港浪製作導演陳煜典與編劇邱奕嘉創作，碰上疫情才將實體演出轉為線上。雖然作品的表演空間遭到改變，但觀眾與表演者在線上仍維持「高互動性」。節目在Google Meet會議裡演出，主持人在表演開場及結尾與觀眾交流，而在表演中間播放事先預錄好的錄音檔，引導觀眾在家庭空間移動。陳煜典形容，家如同世界各地，而孩童扮演起探險家的角色，進入劇本建構出的平行時空，與家人一同在家中，藉由船鳴聲，自由發揮想像力，指出特定方向，前往探索並收集家中冰箱、廚房等周遭環境的物品，解開劇本中一層層的闖關任務。最後音檔播放結束，主持人再邀請觀眾分享體驗心得，驗收成果。 進港浪製作作品《名叫中間的地方：家庭旅行版》於Google Meet會議演出，主持人除了與觀眾交流、互動，更讓他們自由發揮，一同完成演出。　圖／進港浪製作提供「確實觀眾的主動性很高，但他有沒有更主動參與這個故事就是他的選擇。」陳煜典解釋，他在線上展演賦予觀眾高自由度及發揮空間，提高觀眾的主動性。因觀眾不再是坐在固定位置觀賞表演，可以選擇關掉電腦或中途離開，所以導演陳煜典、編劇邱奕嘉與演員在設計劇本時，開放更多空間給觀眾思考，不過他同時指出，觀眾是否更主動參與線上演出，則是未知答案。數位劇場打破單一視角　多維空間擴展觀眾想像在虛擬時空中，藝術團體更能藉科技技術，將表演擴展至一個舞台之外，進而讓觀眾不再只是利用單一視角理解劇情。進港浪製作的線上展演作品《神不在的小鎮》藉由二維、三維、四維空間擴展劇場的空間性，讓線上觀眾能以多重視角，理解劇本全貌。作品從名為「中正區」的小鎮發生自殺案出發，探討網路霸凌世界中，大眾在社群媒體只接受片面立場資訊，或跟隨大多數人意見的現象。觀眾打開線上演出平台，自由切換視窗觀看演出。「三維世界」為主故事線，導演切換鏡頭跟拍主要角色，演員在表演空間直播演出。而觀眾若想進一步了解演員離開主故事線後的想法，則可以切換至二維世界，輪流觀看不同角色在直播中訴說獨白，「這就像你在生活中為了要理解一個事件，你可能會去看不同評論者的言論或是新聞。他們都在講同一件事，但每個人都有自己角度的發聲。」《神不在的小鎮》編導、進港浪製作團長洪唯堯說道。他利用二維方式讓觀眾除了觀看節目的主故事線之外，還能深入理解每個角色背後的故事。另外，觀眾還能在四維世界以「上帝視角」進入3D虛擬空間，四維空間的場景與線下實景一模一樣，不過是以虛擬的形式呈現。洪唯堯說明，網紅統神在此空間以「天神」身份，用全觀的視角詮釋劇情，觀眾能在此空間內的線上聊天室互相交流，並線上投票決定劇情走向，「四維是意識可以更好交流的世界，你在現場看戲跟在遊戲世界的時候，會對同個劇本有不同的感受。」「第一關要克服的就是作品線上化，我要找到一個『第二現場』，就是觀眾明確地知道自己坐在家裡，而不是假裝在觀眾席，然後再強化他們在那個空間當下的感受。」 洪唯堯說明，大眾早已習慣觀看的直播、球賽就是第二現場的概念，因此他利用人們在異地閱讀、認識同一事件的行為，撰寫線上展演劇本。 進港浪製作線上展演作品《神不在的小鎮》突破傳統空間框架，讓觀眾以多種視角理解劇情。　圖／進港浪製作提供科技提升線上觀看體驗　表演者尋求新模式「觀眾的消費習慣還沒有培養起來，而且他們以前看表演也是為了享受在劇場空間裡面的感覺 ，所以線上的吸引力可能會低一點。」陳煜典指出，台灣的線上展演仍在起步中，還沒有被許多消費者接受。不過在現今的數位時代，洪唯堯也提到，越來越多藝術團隊開始關注線上展演發展的可能性。除了表演團隊開始從事線上展演，科技公司也著手讓直播系統更為完善。為了讓觀眾在線上展演得到更好的觀賞體驗，銓球感映股份有限公司也致力改善網路直播平台延遲時間過長的問題。銓球感映股份有限公司負責人王仲偉說：「在技術上我們可以做到三個小時內大概delay時間維持在三秒以內，那如果是一個小時，維持大概是一秒。」他們的技術不僅能縮短直播延遲時間，也能讓表演者與觀眾即時互動。另外，銓球感映也致力改善多視角切換技術，「因為多視角切換在現有的技術來講，假如說有四台攝影機，我從一號機切換到二號機的時候，中間會變黑，因為要重新reload資料。」為了讓觀眾在切換視角時，減少螢幕在觀看表演中途變黑的情況，他們也盡力開發順暢的視角切換方式，提升觀眾參與線上演出的體驗感。在疫情驅使的數位浪潮下，觀眾不必走入劇場，依然能在家中享受精彩演出，甚至與表演者產生更多交流，抑或是成為表演的一部份。隨著數位科技越趨發達，技術的發展無遠弗屆，周瑞祥看好線上展演的藍海市場，認為線上展演打破空間與國家的物理框架，將成為未來的演出趨勢，「我覺得線上演出能玩的東西比大家想像的多很多，自從我自己做過以後，我認為他的發展性是無限的。」 隨著數位科技發展，線上展演打破空間與國家的框架，或將成為未來的演出趨勢。　圖／進港浪製作提供

【專題記者龐家姍、薛若儀、鄭順祥、江殷年、顏麗家、吳旻蓁綜合報導】<b>「系上學到的東西很少，80%是自己發展興趣。」　現就讀國立政治大學廣播電視學系學生顏子為，曾獲「台南39小時拍片競賽」最佳剪接獎，他的作品《十全十美》更入圍第十屆Myfone行動創意獎。他認為系上學的東西只是輔助，做中學的機會必須自己向外爭取。其實，影視科系學生都有著相同心境，覺得學校教育不足、缺乏實作，再加上資訊網路的蓬勃，人人都能學習攝影、剪接、調光，影視相關科系學生的優勢不再。這使得即將入行的學生們擔憂，大學四年的學習，到底替未來想從事的工作打下多少基礎？ 近60年影視相關科系增加數量及累計數量圖表。　製圖／顏麗家<b>理論實作難兩全  學生憂「學用落差大」　「我學到的是怎麼分析電影，一部片拍得好壞、劇本有沒有可看性，而不是學到怎麼拍電影。」顏子為認為，比較各校的電影教育，政大廣電以理論著名，不僅課程紮實，也更著重如何分析、使用影像符號。不過大一、大二的課程少實作，這也造成學生在大三以前需要到處跟片、實習，才有機會從做中學。　另一方面，偏重實務的課程規畫讓學生能持續累積作品，但製作過程中老師能夠參與多少、是否只看成品不論過程，也是學生擔憂的問題之一。目前就讀國立台灣藝術大學廣播電視學系的林士緯表示，有些課程規定學期間要拍短片，但操作方式全憑學生自己摸索；老師重視最終作品如何呈現，學生卻在意製作過程如何精進。世新大學廣播電視學系亦提供學生大量實作機會，就讀世新廣電系的楊東霖認為學校教育的確能提升實務操作能力，但他也表示進到片場後的工作速度非常快，「觀念、美學、商業這類東西不一定要在學校學，出去片場磨幾個月也一定會上手，校內應該教外面學不到的東西，像是一些理論。」他在過去三年累積了大量拍片經驗，發現同學普遍花大量的時間拍片，造成修課數量不多，也影響學生在理論與實作之間的拿捏。　「上課做報告和直接在業界接案子感覺差很多。」政大廣電系李欣澄組成團隊遠赴義大利拍攝紀錄片《共設時代》，全台巡演後也陸續接到不少拍片邀約。雖然學校實作課程不多，或是只教導基礎的技術操作，但現在的她反而認為理論很重要。許多理論課如當代華語電影研究，即便短時間看不出成效，但可以影響未來對電影的美學觀。她指出，學校教給你的是字母，要如何組成單字，是學生的自由和任務。 影視、傳播類科系四校大一大二必修課比較圖。 製圖／顏麗家&nbsp;<b>找師傅或上學去　不同學習管道的選擇　許多正處在學院體系內的學生經常自問：「學校能讓我學到什麼？」，或是質疑訓練出來的專業是否符合業界的需求。聲色盒子工作室創辦人、資深錄音師杜篤之持正面看法。他認為，學校事實上提供大量資源供學生廣泛尋覓興趣，不過同時他也強調，一旦確定興趣，就必須著手培養專業，「年輕人是白紙，他只知道他喜歡這個產業，但你進入之後越專業會發現分工越細，這是必然的，競爭這麼激烈，你就是要比人家厲害。」而在影視產業中，一直以來多透過師徒制的方式培養專業人才，透過一對一或一對二的形式，由資深前輩專心把所學教導給年輕的新血。提到師徒制，或許會被誤解成只專注在技術的傳授，然而一個專業裡頭其實包含技術操作、溝通能力、危機處理等面向，這些並非學院體系能夠提供的內容。曾投資《海角七號》、《賽德克巴萊》等國片的阿榮影業股份有限公司，主要提供各劇組搭景、攝影、燈光等技術及器材支援，目前公司內部亦採用類似師徒制的模式訓練新人。阿榮影業執行副總經理楊中天提出看法：「影視科系出來的學生，訓練的廣度絕對夠，但深度就不一定；師徒制基本上不只教技術，他跟你講的是這一行的道理。」　師徒制之所以適用於影視產業，原因是內部的階級劃分相當清楚：像是一位攝影師底下有大助、二助、三助等助理。一般狀況裡新人多從三助做起，並由更高階層的大助、二助帶著學習，一步步打好基本功，紮實訓練專業能力。杜篤之認為學院跟師徒制有一定的差別，「像他（師傅）會觀察你很多細節，包含工作現場怎麼跟別人應對，這個老師很難去觀察到。這層面有很多是要去感受的，去理解別人對你說的東西，這種東西是師徒制才有。」然而無論透過學院體系，或是師徒一對一訓練，差別只是學習管道的不同。學校的門檻較低，只要對影視有興趣的人都能進入學習；師徒制講究訓練單一專業，訓練環境也更為嚴苛。　有別以往，現在的新人多來自大專院校，在學期間已經累積定量的作品及實作經驗，同時藉由參加影展、影像競賽，以證明自己的能力。楊中天觀察到：「我覺得是學生期待的問題，出來就要做攝影師、導演，但助理要扛機器扛好一陣子才有辦法操作機器，他的耐心是不是夠？」有些已經確立志向，也曾經在校內製作擔任要角的學生，心態上可能難以適應入行後從基層做起的現況。　在求學過程中，無論是課程或是實務經驗的累積，學生都期待四年後能擁有不易被取代的專業能力。但從我們訪談的過程中，不難看出許多學生對於「專業」的定義相當模糊，能夠明確說出本科系專業價值的，多半是已有相當歷練的學生，或是開始接案的畢業生。但對許多在學生而言，他們對科系及未來多懷著強烈的不確定感。<b>網路普及時代下　本科生優勢何在？　在網路化時代、人手一機的趨勢下，許多人都有拍片剪輯的能力，影視人才替代率高，本科生也好奇，自己的的優勢究竟在哪？台北市電影戲劇業職業工會總幹事廖浤睿指出，本科學生對於技術經常有迷思，他認為技術偏向經驗 ，只是熟悉和不熟悉，或者接觸機器多寡的差異。本科生優勢在於學校老師告訴他們什麼是經典電影 ，透過大量閱讀 、模仿這些經典，來挖掘人文素養與創意發想，培養懂得如何分辨影片好壞、學習如何評論，並衍生無可取代的創意發想。　政大廣電系學生李濃表示，本科生重點在於敘事能力及欣賞評鑑，因為電影內容廣泛，包含哲學、歷史和社會學等等，為了一部電影學生會涉及很多領域，世界觀就可以濃縮並融會貫通。　羽光影像創辦人游雅茜認為本科系培養的是內容面的累積，「有觀點然後懂得怎麼去詮釋一件事情。」從學校學到的觀點和詮釋是不可取代的。她提到大學四年學生應想通學習目標，並找到自己想深入學習的。游雅茜表示學生不自覺會和其他同儕比較，但放長遠來看，影像學習本身就需要不斷進修，自己是否進步更重要。學校課程可以幫助學生入門，但是深化一定要靠自己，重點反而是學生如何在入門後跨領域結合。　世新廣電系副教授江亦瑄表示，因為時代變遷快速，資訊判讀成為學生必須培養的能力。她認為這樣的能力包含如何有效分析數據，從大量資料當中洞察不同的觀點及眾人討論的議題趨勢，將這些訊息當作腦力激盪的材料，以及說服客戶或行銷宣傳的根據。學生必須依賴能夠蒐集大量資料的工具，或透過資訊專業領域的人協助資料爬梳，即時理解時代的變化動向。<b>保有優勢之外　團隊合作能力更是重點　除了探討學生的優勢何在，不少人認為更應將重點放在培養合作能力。影視產業中劇組結構由攝影、導演、美術、製片、後製等不同職務串聯而成，所有職位合力完成一部作品，無法一人獨自完成。世新廣電系大四學生顏城鈞從大二開始就進入業界實習，接觸新聞、導播、網路直播等領域。他認為本科所學的東西只是支持自己更快進入狀況，學生固然有自己的專長、經歷，可是進到業界專業領域永遠會有比自己更懂的人在，如何和各種職位、資歷不同的人合作反而是他更重視的。　曾在壹傳媒任職的張耘之於政大開設聲音藝術與錄音工程課程，他表示學生與其不斷將自己限縮在技術框架中，不如在鞏固技術後多培養非技術領域的思維。他認為學生應該要離開學院思維，教育體制把專業規範在特定系所，所以讓我們有了要區別出本科生的想法。他表示不需要去擔心不同科系的人搶了自己的飯碗，「擁有專長不是這個產業的全部，很大一部分還是吃你技術以外的能力。」他認為社交技巧和人脈關係在這行業更重要。　杜篤之就提到，他比較在乎怎麼與人相處的態度，能力強的人倒不見得會被雇用。他表示有興趣、有態度的人不會教不來，也許第一年學不會，但是第二年總會了，因為態度好，所以第三年之後會比大家都厲害。廖浤睿也表示不論哪種工作類型，團隊都非常重要，團隊如何更快速、更能感動人並更完整地表達創作概念，才是重點。他提到團隊能力和創作概念必須互相妥協，兩者間協調出最好的方法才會完成一個作品，「除非你是非常堅持自己概念的導演，但你也要有本事讓你的團隊達成你的概念。」<b>傳播專業在哪裡？  基本功和背景知識並行     無論是學用落差、理論先行亦或實作先行的大哉問，其實都彰顯傳播相關科系學生的迷惘和不安。的確，在快速變化的時代，人人都能擁有專業的器材，動動滑鼠、google一下，就能學會簡單的操作和剪接，任何人似乎都能輕易地取代影視專業，那或許我們要回過頭來問，影視產業怎麼定義自己的專業？更深入的問，什麼是「專業」？     「不是以技術來看是否專業。」廖浤睿表示，本質素養才是專業的核心。本質素養中又包含對藝術的概念、人文的發想以及對題材的探究，三者綜合成為專業影像工作者無可取代的創意能力。想要培養本質素養，廖浤睿認為學生可以透過大量閱讀，讓自己跟別人不一樣。「這是一般速食影像無法達到的。」     杜篤之則認為「專業知識」是容易被忽略的面向，他表示有些人以為音響知識不重要，但就因為充分了解音響知識，才能夠將工具發揮到淋漓盡致。他舉例，過去入行需要了解電學、物理學，現在要學習電腦、資訊學，時代在變，器材也不斷更新，唯有瞭解手中握有怎樣的工具，才能把想法付諸實現。他更提出在設計聲音的過程中，單憑前期創作無法做出好作品，了解聲音產製後期的音響知識，能幫助創作者用更全面的角度思考聲音創作。     對於何謂「專業」，國立政治大學前傳播學院院長鍾蔚文的定義不同，「傳統定義專業比較狹隘，他的專業不是專門的專，應該是鑽牛角尖的鑽，總認為我們今天要做木工，只要學木工。」他表示連技術學校現在都不講一技之長，大學更要看得遠，訓練出可長可久的能力。     傳播的專業必須要有紮實的基本功，比如寫作，每個人都會寫，但要成為好作家，往往有非常高的門檻且未必每個人都能達到。另外，就是背景知識，包含人文素養、歷史知識，美學等等，看似無關緊要，卻是影響內容和內容深度的重要關鍵。鍾蔚文以舞台為喻，前台是基本功展現，後台是背景知識，越加深廣，越能烘托出前台的專業。<b>學院培育學習能力  組合專業在個人　傳播人嚴格來說是翻譯者，將複雜的事件、深奧的學問引介給一般人知道。因此傳播人必須是通才，需要通曉天文地理，充滿對知識和人生的好奇。再者，傳播人要知道如何用工具思考和行動，好比雕刻家對木頭，要掌握對木頭的感覺，傳播人也要掌握對文字的感覺、對鏡頭的感覺。兩種不同的媒材就是兩種不同的思考模式，當媒材形式越來越廣泛，還要去學習如何組合媒材。組合在這個時代，尤其重要，而組合也正是學院要培育的能力。        不少人表示學校學得沒有用，必須到業界學，鍾蔚文的答案是「yes and no」。他表示，人對知識的觀念普遍還停留在武俠小說中，上山修行，下山一身絕技，就此闖蕩江湖無人可敵，「天下沒有這樣的知識。」他說。學校教What，在數位化時代保鮮期短，容易失效、過時，所以學校教的是How，你如何將積木組合起來，將五花八門的課程組合成自己的專業。鍾蔚文坦白，「學校教你的東西不會馬上有用。」因為大學的基本精神在於教導學生Learning to learn，當你到達一個新環境，你能否在環境中看出可以學的東西在哪裡並且學習它？因此，鍾蔚文在其院長任內推出傳播學院大一大二不分系，來回應時代的趨勢。　在網路的改變下，媒體的定義變得廣泛，鍾蔚文認為我們正處在歷史的關頭，「感覺到驚濤駭浪，可是我們其實並不知道往哪邊走。」實務界今天一套，明天或許全然改變，終身學習會是傳播人必將走上的坦途。鍾蔚文表示，了解自身特性，和冒險創新的態度，是作為未來傳播人最重要的能力。&nbsp;