【記者黃律齊、林庭如、江虹、蔡得曦報導】「有些人喜歡透過參加比賽追求刺激或成就感，但是我剛好不是這一類人。」談起最初如何接觸全國語文競賽（以下簡稱語文競賽）寫字組，現任職於新北市板橋區溪洲國民小學的教師吳翠娟回憶，當年在各校「強制派員」的壓力下，他獲推代表參賽，沒想到一寫就是11年。 語文競賽的前身可追溯至1946年，由臺灣省行政長官公署舉辦的「臺灣省第一屆全省國語演說競賽會」。該競賽初期配合戰後政府推動國語政策設立，歷經數次制度調整，並於2000年更名為「全國語文競賽」。 賽程方面，多由各級學校先行辦理校內賽，晉級者代表學校參與區賽，進一步投入市（縣）賽爭取代表權，最終各地選手會師全國賽，競逐最高榮譽。 由於具官辦性質且行之有年，語文競賽逐步成為書法教育的重要支點。國立臺灣藝術大學書畫藝術學系主任蔡介騰指出，競賽提供明確的書法入門途徑；國立臺中教育大學語文教育學系教授彭雅玲則強調，官辦競賽具有權威性，並透過建立標竿與升學誘因帶動參與，「當書法被訂為一個項目時，學生就會選擇自己感興趣的（項目）去投入」，否則在缺乏課程與比賽的情況下，書法教育恐難以維繫。 然而，制度在帶動發展的同時，也逐漸形塑出特定的學習樣態。大會訂有統一且嚴格的書寫規範：競賽時間為50分鐘，選手須於時限內將題目以毛筆謄寫至統一發放的宣紙上；字體限用楷書，書寫內容亦須與試題完全一致。若出現帖寫字、錯別字或漏字等情形，皆依規定重扣分數。此外，為確保公平性，作品不得落款，僅於右上角標示選手資訊，並於評審時彌封，全程匿名。 在上述多重規範與高度競爭的環境下，備賽與競賽過程皆負荷沉重。因此回顧參賽經驗時，吳翠娟坦言壓力極大。他表示，在參賽的11年間，日常生活往往圍繞訓練運作——平日下班後須固定練習一至兩小時，每週至少兩天接受書法指導，假日不敢安排外出活動，甚至連寒暑假出國，也需隨身攜帶書寫用具，以維持手感。新北市土城區樂利國民小學教師陳思瑩亦形容，「這是一個耐力賽，是心理素質跟技術的磨練」，選手需在反覆修正中逐漸建立自我檢視能力，「你看得懂美醜、看得懂優劣，你自己才有辦法知道你要修正自己的哪一個位置。」 除精神層面外，選手亦須調整訓練方式因應語文競賽的眾多規範。吳翠娟舉「50分鐘寫50個字」的規定為例，其不僅要求速度，也要求精準，不容出現錯字或敗筆。早期他使用歐陽詢字體參賽，由於筆畫結構嚴謹、書寫速度較慢，在限時賽制下格外吃虧，「就只能狂練、狂練、繼續練。」陳思瑩亦認為，這不僅考驗書寫速度，還考驗了選手的穩定性。 曾任語文競賽寫字組國賽評審的鄭國瑞直言，語文競賽以「實用」為導向，審美要求反而退居其次，「就像是古人參加科舉考試，一定要符合闈場的要求。」即便同屬楷書，不同書風仍可能因評審標準與偏好而產生差異，「甚至影響參賽者的書寫走向。」長年擔任新北市語文競賽集訓老師的鄭聰明分析，早期盛行「胖胖的」顏真卿、「活潑亂跳」的陰符經，如今已罕見其蹤；而歐陽詢、褚遂良與虞世南等相對秀雅的「唐楷」則後來居上，間或蔚為風潮，「這幾年又變成（流行）智永。」 在書體選擇上，教師的介入亦深刻影響學生的訓練方向。長期指導學生參賽的教師張麗蓮回憶，早期在成績導向下，教師常替學生挑選較有勝算的字體，「變成是以利益導向」，直到締造一定成績後，才不再需要自我證明，轉向尊重學生偏好，不再一味追求得獎。 另一方面，曾於臺北市立大直高級中學指導校代表的教師莊姿音指出，語文競賽紙張的設計亦會影響書寫方式。以學生七公分、成人八公分見方的格子尺寸為例，字需控制在相應比例內，「如果大於格子七成，超過八成，第一眼就被打掉了。」此外，比賽傾向要求選手重現特定書家的風格，因此練習時須反覆臨帖，「把它練到非常像，幾可亂真，那你就會脫穎而出。」 莊姿音直言，過於講求規正，使書法的其他可能性與藝術性相對被排除。他進一步說明，為避免影響備賽狀態，選手多半長期專注於單一字體。陳思瑩也坦言，長期參與語文競賽「某種程度會扼殺你去接觸其他書體的機會。」 此外，在統一題目與標準字形的限制下，語文競賽亦排除了「帖字」的使用。所謂「帖字」，指歷代書家墨跡或碑帖中的異體字形，未必與當代用字一致。陳思瑩指出，帖字在結構與筆畫安排上往往更具美感，反而是標準字「很難寫得漂亮」，且無法真實還原碑帖原有的佈局方式。 換言之，競賽規範要求選手以「正確」與「一致」為優先，限縮書寫空間；如同當寫生時，被要求只能依照實際光影描繪，無法參照既有畫派中的經典技法呈現。 除此之外，選手若通過市賽，多須參加由各縣市政府舉辦的「專業語文集訓」。以新北市2025年的做法為例，選手每週六、日從上午8時至下午4時進行訓練，並另於國賽前安排連續三日的密集課程，且明文規定「除不可抗力之因素外，不得以任何理由拒絕」。 吳翠娟回憶實際集訓現場指出，選手多在教室內自行練字，指導老師則不定時巡視予以指導。練習告一段落後，現場即進行「PK」，選手在同一時間、同一題目下依比賽規格書寫，完成後統一張貼於黑板上。隨後，由多位老師依其專長書體分區講評，提供即時修正建議，整體流程循環往復。 然而在集訓制度下，選手的實際處境往往更複雜。在國賽集訓期間，社會組選手李佳芳曾一度陷入低潮。那時他剛上臺藝大書畫藝術學系在職專班，學校課程多安排在假日，與集訓時間完全重疊，只能不斷請假參與訓練，導致課業嚴重落後。選手黃麗娜則形容，集訓過程如同斯巴達式教育，直言「對於一般學校老師太辛苦了。」他指出，集訓不只緊湊且時間長，教師難以兼顧原有教學工作。他回憶，當年每週需參與四、五、六的訓練，「我還身兼導師，我的班怎麼辦？學校很頭大啊。」 過去，類似吳翠娟「被推入賽場」的情況並不罕見。「算一算已經50年了！」莊姿音回憶，當時教育部規定各校皆須推派老師、學生參與各項目競賽，自己於是被指派出征。 隨著社會發展，語文競賽已不再強制學校派員參賽，功能亦逐漸轉變。儘管如此，彭雅玲指出，各校仍多會先行辦理校內選拔，以爭取更好成績，「能代表學校的一定是箇中好手。」 同時，競賽亦與升學制度逐步連動，成為大學入學的參考條件之一。國立臺灣師範大學美術學系助理教授林政榮表示，若學生具備書法能力，「會稍微多加分」；蔡介騰亦補充，在國立臺灣藝術大學書畫藝術學系的特殊選才制度中，競賽得獎一定是有幫助的，「語文競賽當然也包含在其中。」國家教育研究院語文教育及編譯研究中心副研究員周一銘則認為，競賽提供學校參考標準，是學生展現能力的重要場域。 此外，制度本身亦持續調整。自2019年起，語文競賽取消過往的名次制，改採等第比例制，取各組總分前25%為特優。以寫字組為例，每年約有七個特優名額，且得獎者不得再次參加該組別競賽，在書法界俗稱「畢業」。新北市政府教育局說明，此舉在於回歸教育本質，擴大獎勵範圍，淡化競爭。彭雅玲則指出，「（過去）成績只差一點點，名次就可能被拉開」，等第制有助於減少因名次差距引發的賽後申訴與評審爭議。 縱使各界多肯認語文競賽對於推廣書法教育發揮關鍵作用，隨著影響力擴大，其侷限與爭議也逐漸浮現。如在2020年「畢業」的李佳芳便認為：「以得獎為目的，過程中反而減損了比賽的藝術性，我覺得這樣反而得不償失。」 現行制度是否調整，仍有討論空間。其中，「是否放寬帖字使用」的討論已延續多年。反對者認為，若貿然開放，恐因評審標準不一而影響評分公平性。對此，鄭國瑞傾向開放帖字，如此有助於增加書法的藝術性與柔軟性，「如果在結構上更為優美，何樂不為？」鄭聰明則分析，參賽字體多源自經典碑帖，帖字認定不致造成爭議；他亦指出，新北市等地早已於市賽開放帖字多年，可作為國賽的參考。 除了內容與形式限制外，時間壓力亦是競賽不可忽視的一環。黃麗娜回憶，早期須在40分鐘內寫完50字，需練出「飛毛手」；雖現已延長至50分鐘，吳翠娟仍認為「一字一分鐘」過於急促，建議再略增至一小時，可以讓選手更好地發揮。 另一方面，書法課程於現行課綱的缺席，亦使競賽與教學脫節。開設書法工作室，現職東吳大學中國文學系助理教授吳啟禎指出，「書法都要利用課堂之外的時間指導」，因此多數參賽學生實際上是已經在校外長期接觸書法的菁英。張麗蓮亦認為，語文競賽難以促進普及，只能「穩定培養精英」，仍須仰賴這些精英回到基層推廣，才有可能帶動整體發展。 在反思語文競賽限制的同時，另一套官方競賽體系──「全國美術展」則呈現截然不同的取向。鄭聰明指出：「國語文（競賽）大家有一個基準點來比較，那美展是『我要寫什麼就寫什麼』，所以（兩者）審美觀的差異還蠻大的。」 新北市板橋區溪州國小教師張麗蓮認為，兩項競賽本質上即屬不同路線。他以舞蹈形式比喻，「你不能用跳街舞的標準，去批評古典、芭蕾」，強調兩者培養的人才與目標不同，不需以同一標準衡量。 當書法離開競賽場域，回歸純粹藝術的同時，亦解放出許多可能。橫山書法藝術館主任陳俋佐表示，希望能透過展覽，使書法成為常民文化。他認為，書法藝術館的用意是先引發觀眾對於書法的興趣，「我們把你先帶進美術館來，等你對書法產生興趣後再去慢慢的學。」 相較於美術館透過策展拓展書法可能性，「竇樂書法」創辦人竇文駿則選擇以更貼近日常的方式推廣書法。他走入市集擺攤，並積極經營社群平台，持續分享創作，並表示，「我期待寫書法能成為一件日常的事情。」 校園端亦努力為書法開闢新的入口。陳思瑩指出，樂利國小「校訂課程」近年增設寫字課，以此奠定學生書寫能力的基礎。此外，他也經營校內社團推廣硬筆書法，如今已有約40名成員，「我覺得這就是一種進步。」他說道。 然而，若語文競賽既是當代推廣書法的重要機制，卻同時成為限制其發展的框架，那麼問題或許不在於「是否存在另一套體系」。從規範標準字、限時書寫，再到評審標準與其所形塑的教學取向，競賽不僅提供舞台，亦在無形中劃定學習書法的路徑。 「被比賽束縛了將近11年，我覺得這是一段很辛苦的路程。」吳翠娟坦言，這段歷程「有所得，也有所失」，制度在提供學習動機的同時，也伴隨高度身心耗損，「其實人生會放棄很多種也許還不錯的、有趣的機會。」 當書法教育逐漸淡出課綱，語文競賽成為少數仍具規模的場域，其所承載的，究竟是文化的承傳，或是僅呈現特定框架下的樣貌，仍有待思索。

【記者林家慶、熊子萱、王翊丞、呂詠倢報導】「我簽了第一個名字在牆上，從按下噴漆的那一瞬間，我就直接黏住了。這就是我為什麼塗鴉，就是那一瞬間我發現，哇靠，這個東西就是我要的！」塗鴉藝術家CreepyMouse說道。 之於多數創作者來說，對塗鴉的熱愛以及渴望被關注的嚮往，是他們踏入塗鴉世界的初衷。牆面、橋下或城市角落，是創作與交流的場域；獨樹一幟的圖樣、豐富的色彩及個人化的簽名，則是讓世界看見自己存在的媒介。 塗鴉不僅在街頭以顯眼的記號抓住眾人目光，將作品結合藝術策展以擴延至更多元的社群，也是拓展其能見度的重要途徑。2021年朱銘美術館舉辦台灣首個美術館與塗鴉的大型聯展《無限－塗鴉俱樂部》；2025年在文化部的支持下，由多位臺灣知名塗鴉術家組成的「塗鴉俱樂部」與泰國River City Bangkok 合作，帶來《Graffiti Social Club》展覽，匯聚國際塗鴉藝術家共同創作，皆為塗鴉邁向主流藝術打下良好基礎。 散佈於城市各處的塗鴉，在既定印象中常被視為街頭與反叛文化的象徵，較難與主流藝術有所掛勾。然而隨著時代的轉變，過去被視為是非法塗鴉的世代，開始朝向主流藝術領域發展。塗鴉藝術家BOUNCE說：「我覺得我現在有這些感受跟風格，是因為當初這些東西在街上畫，你才會有所感受。」他認為即使無法常在街上塗鴉，過去累積的經驗仍化為跨領域發展的基礎，能衍生創作出像公仔、手錶與手機殼等商品。 塗鴉逐漸邁向主流，其過去對抗權威、倡議發聲的反抗本質未隨之褪去。CreepyMouse分享，「原本在街上是為了讓大眾知道；但進入藝廊是讓高端的人知道。不同的事情，但我的精神一樣在。」對他們來說，媒介與環境的變遷並不會抹去塗鴉既有的特質。 並非所有塗鴉人都嚮往踏入主流，但其共同目標都是把這個文化帶到眾人眼前。塗鴉工作室Mess-age studio創辦人Faso說：「在台灣可以看到非法塗鴉，帶來很直接的街頭創作能量，也能看到商業合作或合法區非常完整的呈現作品樣貌。」地下塗鴉寫手賴冠廷也認為，仍會有創作者從事非法塗鴉，藉由塗鴉表達對社會的不滿，文化初衷並不會就此消逝，而是持續兼容並進。他進一步表示：「一個文化不是永遠維持原樣就是好事，重點是這個文化的變化過程裡是否被人記得。」 僅將塗鴉作為嗜好的ZEOL分享，「其實會走向主流的塗鴉人一部分還是不得不向生活妥協吧，或許是年紀到了，也或許是有了家庭等等各種因素。」當在街頭創作塗鴉的代價提高，不少創作者開始將創作經驗轉為發展穩定經濟收入的基礎。 「我覺得不錯的圖，就會拿來用在自己的衣服或品牌，畢竟還是要生存。」商家老闆Fatty不想成為朝九晚五的上班族，因此選擇創業將塗鴉結合服飾，讓大家知道靠塗鴉也可以過上更好的生活。同樣從事塗鴉創作許久，近年將塗鴉思維投射在影像、公共藝術等多元媒材的Candy Bird也苦笑著表示，文化與藝術演進的過程中，創作者必定會面臨該如何將作品變現的問題，這時審美品味和技術差異就成為能否在創作路上走得長久的關鍵。隨著年紀增加，Candy Bird也產生不同感觸，「每個人有每個人的路徑，講白一點就是我們用各自的方法活下去。」 其中，專注於塗鴉推廣的CityMarx塗鴉藝術團創辦人鄭子靖觀察到，「不少創作者會同時使用兩個名字，非法、合法各一個。」換言之，一個是用作街頭非法塗鴉的Tag（註），另一個則作為合法創作或公開展覽時使用的別名，這樣既可維繫地下反叛精神、同時也能獲得營收。 註：在地下塗鴉圈中，寫手常為自己取上專屬的簽名符號（Tag），如同其在圈中的藝名，進而避免被發現真身。 幼兒塗鴉教育老師Scottie從過去推廣的經驗分析，大眾對塗鴉的印象仍然模糊，未曾深入了解，「很多人都覺得塗鴉這個詞很親近，但在大眾眼中又過於簡單，塗鴉不就是那樣嗎？事實上超難。」塗鴉寫手Orange1解釋，觀眾與創作者的審美和認知有出入，當大家看不懂塗鴉字體的風格與變形，便形成隔閡，「塗鴉字在大眾的接受度偏低，大家還是喜歡畫一些寫實的或可愛的，偏向看得懂的東西。」 曾主導《無限－塗鴉俱樂部》展覽的朱銘美術館長賴素鈴表示，每個美術館的定位不同，因此塗鴉未必能吻合各館的策展取向。他也點出觀者對於美術館中塗鴉作品的疑問，「假設這個塗鴉它是畫在紙上的，那我們可能會去想說，這個還是塗鴉嗎？」如果搬離街頭，可能使塗鴉失去原有的精神和故事。 相較於美術館，以獲利為本質的畫廊則較有彈性，在街頭與藝術展覽間取得平衡的阿波羅畫廊負責人張凱迪認為，可以透過放入草稿或文字記載來聚焦創作脈絡，調整策展方法，盡量取得畫廊與街頭的平衡。但畫廊仍舊存在許多限制，張凱迪說：「 可是他終究不是街頭空間，在街頭我們會跟藝術不期而遇，可是進入到畫廊，你就已經有一個目的存在了。」Candy Bird也認為塗鴉策展僅是展覽性質，是與畫廊討論後形成的，雖提供了觀眾比較友善的接觸環境，但仍與街頭塗鴉的創作模式有所差異。 除了美術館對於塗鴉藝術的本質存在疑慮，政府也未能妥善了解創作者的需求。塗鴉藝術家Aserk便對本該平易近人的合法區空間配置提出質疑，雙北的合法區多為偏遠的河濱公園，長達數百公尺的牆面卻只開放些許空間給民眾創作，而公館寶藏巖的合法區更是令人詬病。「（合法區）後面都有一條溝，甚至以前大概有一半都是樹，根本不能站，那請問你要給誰畫？」Aserk屢次向政府寫信檢舉，來回多次後才有了今日的塗鴉區。但開放合法區域的同時，BOUNCE卻認為政府屢次在捷運廣告中大力宣傳「檢舉塗鴉」、「反對塗鴉」，政府矛盾的作為，讓他認為並不尊重有心想創作的藝術家。 然而，協會作為居中協調資源、媒合合作計劃以及為藝術家提供創作平台的重要角色，卻常面臨藝術家對其信任度不足的困境。花蓮縣花蓮街頭文化教育推廣協會總幹事黃弘舜，自2020年起即在當地推廣塗鴉藝術。他以自身經驗，點出若難以整合單位與藝術家的共識，長久下來便可能增加訊息上的落差，單位容易被誤解為動機不單純，「可能被認為說單位只提供微薄材料費，就要藝術家去特定地方創作，但後續媒體價值都只留在單位身上。」 塗鴉文化漸漸在主流藝術圈中站穩腳跟的同時，教育也成為關鍵一環，若能讓全民皆能理解、欣賞且實際投入創作，便能讓其文化價值受到多元社群的肯認，持續遞延。 致力於將塗鴉推廣為全民藝術的台灣塗鴉藝術協會理事長李士妤，指出幼兒自一歲半起便可接受塗鴉教學，「幼兒剛開始拿筆可能畫出的是一個點、一條線，就算是亂七八糟的樣子，但我們透過給予相關的色彩、媒介和元素，也可以讓他作畫。」他也表示今年即將舉行正式展覽，期盼讓更多人領略塗鴉的魅力。教育工作者Scottie同樣認為，現行教育環境尚不完善，家長較少主動讓孩子學塗鴉，若能有系統化的教學與展演平台，將有助於文化的普及與創作交流。 CreepyMouse根據自身經驗觀察，認為臺灣可以試著將塗鴉文化內化，形塑出我們獨有的風格，並把握更多機會將藝術家推往國外，讓台灣的塗鴉創作者被世界看見。「我覺得我們台灣人的個性就是不夠有自信。我還不夠格、我去畫我畫不好要怎麼辦？這是一回事。敢衝就是有機會！」 隨著塗鴉創作逐步被看見，曾經的刻板印象悄然洗刷著，懷抱憧憬的創作者們，拿起手中的噴漆罐，繼續在藝術、商業又或是純粹的街頭，留下一個個嶄新的圖樣，記錄塗鴉文化的足跡。

【記者黃暐喬新竹報導】2025萬聖互動詭鬼節，由國立清華大學藝術研究中心聯手小叮噹科學股份有限公司共同策劃，至2日於小叮噹科學主題樂園舉辦，結合科技、藝術與節慶文化，期盼打造出一個「簡單玩」的互動體驗萬聖節。 「本次活動首創科技藝術萬聖節，展現新竹科技與人文藝術共榮的特色。」策展人兼清大藝術學院長許素朱說道。活動以跨學科合作與互動裝置為核心，結合校方與企業的力量，期望透過創意體驗將歡樂帶給孩童，實踐大學回饋社會、推廣教育的責任。小叮噹企劃課專員陳紹安說：「我們的主題樂園原本就是讓小朋友透過遊戲學習科學原理，這次清華大學的加入讓活動層次再提升，增添更多創新與跨領域的元素。」 現場展出五組公共藝術作品與十件互動裝置。走進《互動詭鬼》展區，遊戲〈AIoT擬人小怪物〉中，民眾將手伸入「掌心怪獸生成盒」便會隨機誕生出一隻屬於自己的怪獸，藏匿於投影牆中，尋獲後就能將怪物的照片收藏於手機相簿中。清大科技創新應用組長劉士達分享道：「我們運用AI與物聯網技術，讓互動裝置更親民，小朋友都說這很像在玩寶可夢。」遊戲〈語林〉中，參與者若同時觸碰兩道石墨線條，便會響起驚悚的音效，執行策展人蔡遵弘解釋，〈語林〉運用人體導電特性讓電阻產生變化，進而控制程式發出聲響。另一展區《光詭喚醒》系列則運用微波偵測技術控制燈光亮度與閃爍節奏，以忽明忽暗的光線模擬生物呼吸和驚嚇的頻率。策展人許素朱表示，希望透過這些展品取代真人扮演，展現萬聖節多層次的感官體驗。 活動除邀集教授與藝術家，許多清大同學也參與其中展現創意。清大電資學院學生梅可親的作品〈女巫與蜘蛛傘怪〉為行動裝置藝術，運用Arduino電路板做出感測系統，偵測觀眾距離，靠近傘怪時便會閃爍發亮。梅可親說：「我發現自己喜歡嘗試用手上的技能去表達與創作，這也讓我更清楚未來想走的方向。」展品〈南瓜先生的魔法掃帚〉則以聲音感應為核心，當現場出現聲響時，掃帚會自動滑行、旋轉。參與作品策劃的清大工程與系統科學系學生陳妤蓁說道：「過去多以扮裝參與萬聖節，透過這次籌備，從單純的參與者轉化為創作者，體驗了不同以往的萬聖節。」 談及活動初衷，許素朱表示，過去在柏克萊生活時，深受當地萬聖節氛圍啟發。居民用心布置裝飾與互動裝置，只為讓孩子開心並激發他們的創造力。他希望將這份精神帶回台灣，讓孩童在遊戲中體驗創意的價值。家長黃小姐（化名）則認為，此活動兼具教育與娛樂，讓孩子在遊戲中學會觀察與思考。觀展的清大學生Agatha（化名）則說：「比起單純的扮裝，萬聖互動詭鬼節帶給我們更多想像力與創作空間。」

【記者孟祥宇、呂詠倢台南採訪報導】舞者揮動著長飄扇翩翩起舞，傳統藝陣之美為平凡的午後增添一抹色彩。2025臺南藝術節於25日開幕，今年以「城市就是舞台」的概念，推出全新企劃「藝文一條通」，邀請九組在地的表演團隊在各個街頭接力登場，串連南門路一帶的古蹟與現代建築，讓藝術主動進入日常，不再侷限於封閉的舞台。 台南文化空間百變，篩選團隊的標準在其能否設計出乘載環境特色的展演內容。「藝文一條通」活動執行長陳德安說明，「這些團隊除了他們的身分是台南在地的團隊之外，他們自己的創作分別也跟這些景觀、文化空間很有創作關聯。」在地的豐厚歷史底蘊，也讓藝術得以在街角發生，與市民對話，陳德安補充說：「這也是台南這個城市裡面獨有的風格，因為有超過四百年的歷史，可以跟大家在這個空間裡面有很多不一樣的體驗。」 攜家帶眷來現場欣賞展演的民眾郭屈原，也分享參與體驗，「坐在草地上、吹著風看表演的氛圍，比一般的室內演出更舒服。」 在大南門城率先開演的藝姿舞集，參考台南特有的水族陣，推出蚌殼、螃蟹等表演服裝的體驗活動，並帶來結合不同陣頭的舞蹈〈府城風華〉，展現台南廟會文化的活力與多樣性。藝姿舞集團長郭玲娟介紹舞作中包含的陣頭類型，「水族陣就是會有龍陣、旱船和蚌殼之類的角色 ，再來還有一個台南非常特殊且持續在保存的婆姐陣。 」 另一邊，臺南美術館正迴盪著悠揚的古典樂。TASO台灣藝術家交響樂團（以下簡稱TASO）以「聲音的流域」為主題，不同樂器的演奏家各自在館內六個點位即興演出，取材自台南特色的曲目相互串聯，帶領民眾走入南美館的每個角落，更顛覆了大眾對交響樂原有的合奏印象。本次演出的曲目，各有其呼應台南特色之處，TASO的企劃專員王韻堤分享，「樂曲分別是呼應到台南的自然、美食、文學、人情味、節慶以及古蹟。」他也深入解釋演出的核心概念，「我們這次演出特別設計沒有舞臺的音樂會，希望讓大家跟演奏者的距離可以更靠近。」 活動尾聲，由阿雞、DJ小衛與曾伯豪合作的壓軸節目「饒台南」，以〈風調雨順〉、〈眾神之都〉與〈台南的聲是啥〉等歌曲，傳達自身成長記憶中的鄉土印象，並重現在地藝術家眼中的府城信仰文化與生活經驗。饒舌歌手阿雞是土生土長的台南人，歌曲中飽含他對在地的情感，「像〈台南的聲是啥〉的創作背景，就是用我在台南各地錄下來的聲音作為靈感。」 作為表演據點之一的古蹟「鷲嶺食肆」，則利用日式庭園上演喜劇《漫才之流量密碼》和根據小說改編的同名民族舞劇《葫蘆巷春夢》，同為極具日式特色的建築與作品，不僅讓觀眾更貼近創作背景，也開拓古蹟活化的新可能。鷲嶺食肆創辦人吳健豪認為，「畢竟漫才是日本傳過來的，《葫蘆巷春夢》劇本也跟日治時代比較相關，跟現場感受比較吻合。」 「藝文一條通」以流動的展演串連城市空間，將街角、古蹟等公共場域化為舞台，期待透過連結台南文化的演出，讓市民在漫遊中增進對在地的了解，進一步提升對藝術的參與感。

【記者王翊丞台北報導】鮮豔的布景下，體操男爵化身吸血鬼演出驚豔的魔術秀，也成為復古賽車的駕駛員奔馳於賽道。就讀國立臺灣藝術大學美術系當代視覺文化博士班的張育嘉，24至27日於台北國際藝術博覽會展出《歡迎來到幻境派對》，以絹本、油彩、雕塑等媒材繪出體操男爵系列作品。 「體操是一個被別人打分數的運動，它不像籃球、棒球，你可以主動創造得分。」張育嘉表示，體操選手之所以成為系列作品中的主角，源自於他小時候的體操隊經歷。他認為，體操競賽由裁判決定輸贏，與現實中人們追求認同、在意他人目光的處境相似，因此他將體操選手視為社會生活的縮影。而在經歷婚姻與成為父親的身分轉變後，張育嘉創造出現今的體操男爵，以小鬍子的特徵揮別過往青澀的體操選手。 不過體操男爵也不只是維持既定的體操服形象，張育嘉根據自身的人生旅程，為體操男爵繪出不同的外貌。2016年，張育嘉在完成美國科羅拉多安德森牧場藝術中心駐村的工作坊後，前往紐約參訪，並深刻感受到都市與鄉村間的差異。「我覺得紐約現在的環境，比起我第一次到訪時，變得更混亂，出於對外界的危機感，於是想幫他（體操男爵）穿上太空裝。」張育嘉透過作品，反應出與外界隔離的自我保護。另外，他也提到，至今仍出沒於作品中的太空服，則是他用來比擬疫情防護服的概念。 張育嘉曾三度參與藝術駐村，其中，2012年前往美國波士頓當代國際藝術中心的旅外經驗，讓他開始選擇以日常生活作為創作題材。張育嘉認為，首次跨國駐村是個從零開始的契機，「世界上共通的媒材其實差不多，但風土民情差很多，例如便利商店、美式風格的街景與店內擺設。」他補充，文化差異帶來視覺衝擊，影響他擺脫原有的創作手法。此外，張育嘉脫離台灣熟悉的環境和夥伴，跨國與不同的藝術家交流，促使他潛心於創作的節奏中，激發更多的靈感。 「開啟駐村旅途前，我決定不攜帶任何物品到當地，而是專心找尋自己喜歡的媒材與主題。」林木環繞的鄉村環境，促使張育嘉將隨手可得的廢棄木塊結合油畫，並將自身形象融入作品。他笑著補充，因為騎自行車無法載運那麼大的木塊，所以平時會將書籍般大小的木塊作品擺上手作書架。而隨著不同的陳列方式，作品中的角色猶如有了活力，在書架上演一齣舞台劇。張育嘉認為，透過這些溫暖的創作，能喚起人們在都市中因為冷漠而失去溫度的心。 除了體操選手與駐村藝術家的身分，張育嘉同時還在BIKE機踏車樂團擔任主唱、吉他手兼詞曲的創作核心，以具渲染力的舞台演出、派對般狂野的詞曲，傳遞出他對搖滾樂純粹的感動與熱血。有別於過往樂團與藝術互為獨立的關係，張育嘉在2021年的音樂祭演出中，設置大型裝置藝術，首次將體操男爵作為樂團包裝。單曲〈愛跳舞的吸血男爵〉更跳脫過往的創作形式，張育嘉將樂團的復古DISCO搖滾元素與畫筆下的吸血鬼男爵連動，在MV中跨領域結合音樂與視覺藝術。「吸血男爵來自我的樂團歌曲。我把詞曲寫出來後，才畫出這個形象。」本次展覽《歡迎來到幻境派對》，更是以樂曲誕生的吸血男爵為中心，延伸到整個嘉年華主題。 張育嘉以豐富的人生歷練，不斷突破自己的創作模式，並透過媒材間的轉換，呈現他各個階段的生活感受。例如，將身為父親與女兒互動的日常經驗，甚至是對家庭的期許融合進作品，希望觀眾能走進體操男爵的創作世界，藉由日常發想的藝術作品勾起共同回憶，產生共鳴。17年的創作生涯，張育嘉秉持著「藝術是人生，人生是藝術」的理念，把看似平凡的日常轉變為持續前進的動力，挖掘潛藏在記憶片段中的不平凡。

【李若水 蔡孟安 劉倚瑄採訪報導】在數位時代中重新喚醒被媒體麻痺的知覺。府中15從10月3日起推出全新特展《感覺器OFF/ON－超感官影像體驗展》。首次透過影像、聲音裝置與互動媒體，邀請民眾探索數位環境下感官的全新體驗。《感覺器OFF/ON》的專案總籌與企劃執行方姿晴解釋，本次展覽最想傳達的核心概念是以感官作為出發點，了解科技如何影響自己以及如何與科技互動。 展覽共四樓，分別對應「登入」、「重啟」、「解碼」和「運算」四階段。一樓展區放置不同年代的電視機呈現觀眾即時影像，讓觀眾意識到自己一直以來都在觀看，也被觀看著。對此，參與展覽的民眾先先（化名）說：「生活當中也有很多監視器，但我們看不到自己被拍。然而在展覽現場就會有一種我看到了我自己的感覺，很神奇。」 延續前一展區對「觀看」的思考，三樓展區利用全黑通道為主題「重啟」鋪陳，推開簾幕的瞬間，環境數據與音波透過演算法轉化為沉浸式體驗，展現不同感知的可能性。四樓的遊戲機台則讓民眾拆解並重組象徵情緒的符號，藉此發掘表現情緒的不同方式。 談及感官如何被數位影響，國立政治大學傳播學院特聘教授林日璇說明，使用者或閱聽人有義務要了解透過演算法收到什麼資訊，並且如何形塑閱聽人的世界觀、影響閱聽人的感知。 展覽尾聲，兩面牆上分別貼滿自拍照和搜尋紀錄，提供觀眾撕下標籤，尋找多元定義下的自我。另外，一旁由藝術家吳修銘設計的「試鏡館」，則讓民眾自由選擇特質並拍照，再由 AI 生成「未來的自己」，象徵個人在數位世界的延伸。吳修銘分享設計〈試鏡館〉的理念，網路及媒體文化給予人們更多元的可能性，因此人們可以在不同平台扮演不同性格的角色。 《感覺器OFF/ON》結合科技與藝術，帶領觀眾在充斥數位媒體的時代下，反思感知真實性，重新認識自己。

【記者林家慶台北報導】花式滑冰融合運動競技與舞蹈表演，除了高超技巧，還能帶觀眾領略藝術之美。114年全國花式滑冰錦標賽在9月27、28日於臺北小巨蛋舉辦，基本花式成年女子組由世新大學王宥心贏得冠軍，亞軍為實踐大學呂恩慈，東海大學程詣閔則獲得季軍。邀請拿下2026年冬季奧林匹克運動會資格的花式滑冰新秀李宇翔進行賽前表演。 對於拿到冠軍，王宥心感到驚訝，他也提及，「（觀眾）不太了解（滑冰）觸感，不知道連往前滑都有點困難。」即使有些選手滑得慢或不穩，但考慮到花費的苦功，無論表現如何，都是值得喝采，並謙虛表示自己基礎不穩，還有很大進步空間。對於如何平衡花式滑冰的藝術與動作展現，王宥心認為有能力再重視藝術性，「以比賽的話，動作技術當然是要擺第一位；第二個是會比較著重速度。」 程詣閔認為最具挑戰的是旋轉，「每一次的跳躍都是一項很大的挑戰，因為連職業選手也沒辦法保證每次的落冰都是完美的，因此不要小看任何動作。」選曲上，則偏好非流行樂和意象明顯的曲子，「這次的選曲，會有一種夢境跟黃昏的感覺，我很喜歡這種感覺。」 目前就讀國立體育大學李宇翔是台灣睽違30年再度獲得出戰冬奧資格的選手，作為花式滑冰新星，他認為，「雖然表面上動作相似，但其實每個人對滑冰的理解都不一樣。」選手們理解肢體運用的方式和對音樂的感受各有不同。曾為花式滑冰國手，同時也是王宥心的技術教練郝懿淑說：「比賽你得平常心，只要有『人』就沒有絕對（公平）。」藝術性方面，無可避免評審有個人喜好，因此他告訴選手，改變評審很難，做好本分就值得嘉許。 除了依靠選手和教練的努力，場地資源也是訓練關鍵。台灣國際級的滑冰場僅兩間且都在台北，國手練習場地非常匱乏，程詣閔道出困擾，「留給選手練習的時間不夠多，加上平常遊客人數太多，練習其實很干擾。」雖然資源有限制，不過郝懿淑仍樂觀看待滑冰未來發展，「現在已經有一個開始，大家的期盼會更高。」希望繼李宇翔之後，還能有更多新血投入，引領台灣開創花式滑冰更高的巔峰。

【記者邱柏翔高雄報導】伴隨著音樂節奏，刮板在畫布上留下或快或慢的痕跡。目前就讀國立彰化師範大學美術學系碩士班的陳品慈，9月27日於 N°0｜GALLERY 零號藝術舉辦首次個展《無聲穿過》，將他創作當下的聽覺經驗封存於畫作中。 展覽以作品〈A Silent Tree〉為起點，用淡雅的藍綠色調繪製而成。畫作中，一棵孤樹立於中央，「當我畫完那棵樹的時候，它給我一種很安靜的感覺。」陳品慈表示，最初曾考慮以具象的植物或風景為展覽主題，但在完成〈A Silent Tree〉後改變了想法，開始探索聲音轉譯成畫面的可能性。他透露，就讀碩班期間，原先計畫創作聲音與影像的系列作品，包含收錄環境音並製作紀錄片。然而，他認為當時尚未具備進行影像創作的程度，因此決定先從實體繪畫開始。而〈A Silent Tree〉上下方的深色方塊，則是體現其電影專業背景、借鑒電影元素的手法。 開啟對聲音的探索後，陳品慈創作《聲音記錄》系列，以水性漆為基底，呈現深邃的藍色，並用大型鋼刷刮擦作品表面，製造出強勁的垂直與斜向刮痕。陳品慈表示：「我想表達的不是單一、絕對的平靜，而是帶著張力的狀態。」他認為，聲音既能令人安定，也可能成為干擾，因此《聲音記錄》呈現介於邊緣的平靜，讓觀者感受聲音如何在矛盾中仍保有平穩的力量。N°0｜GALLERY 主人Brook（化名）說：「此系列的藍更深、更沉穩，彷彿有重量，讓人聯想到低音的頻率，或是夜裡靜謐卻厚實的氛圍。」而陳品慈表示，創作《聲音記錄》的過程會產生刺耳的噪音，他說：「那個聲音很像是刮黑板的聲音，最終以另一種無聲的方式讓聲音留存於畫面中。」 此外，陳品慈的創作也受到電影製作經歷的影響，他曾有處理電影音訊素材的經驗，因此更加注重音波的大小、長短、斷點所呈現出的節奏。在《The Traces》系列作品裡，由密集的色塊和細膩的線條構成，將音波的起伏與斷點具象化。觀眾王子洋認為，《The Traces》呈現化繁為簡的感覺，「我在作品上看到非常強烈的節奏感，很像譜出了一首詩或一個樂曲的感覺。」陳品慈在創作時也習慣搭配音樂創作，並將當下的聽覺感受轉換為畫作的節奏，「那些聲音影響著我要如何下筆。」他說。 陳品慈表示，聲音能喚醒他的感官敏銳度，讓他察覺平時容易忽略的細節。他也指出，聲音不像影像有明確的形體，而是處於游移、不確定的狀態。「有些人可能一下就看懂作品，有的人看不懂所以在畫廊待很久。對我來說，他們的經過跟停留都是融入展場的效果。」陳品慈並不預設觀眾必須帶走特定的想法，反而期待透過開放的抽象作品，聽見觀眾的不同解讀。

【記者黃伊晨、李宸緯、吳恒儀台中採訪報導】灑滿陽光的臺中中央公園成了孩子們的藝術教室。由臺中市立美術館主辦的「草地上的美術課」7號熱鬧登場。活動以藝術課市集、五感戶外課程和全天藝術體驗為三大主軸，讓民眾在大自然中創作， 打造互動式藝術饗宴。 台中市立美術館教育推廣組組長吳霈瑀表示，希望市民感受到藝術跟生活的連結是很近的，而非大家想像只能在美術館或藝廊。「它（藝術）其實就在你的生活中，可以隨意發掘探索，然後啟發你的一些創造力」吳霈瑀道。 藝術課市集邀請10組藝術團隊，帶來繪畫、積木、黏土等多元課程。其中，空間教育課程，推出了獨家空間教具，邀請小市民打造屬於自己的美術館。不僅讓孩子們發揮創意，也帶領他們認識美術館的建築構造與空間設計。參與民眾楊婉芬說：「平時較少參加以藝術為主題的活動，這個攤位包含建築主題更顯特別。」並表示通常孩子的藝術課多以繪畫為主，這次多元的手作項目，使他更願意帶女兒來體驗。 草地上，有刺激五感的戶外藝術體驗課程，民眾在自然中盡情伸展身體，享受與環境互動的樂趣。課程包含雜耍共玩課、肢體律動課等。讓市民在互動中探索藝術多樣性。參與民眾馮淇南說：「生活中應該融入藝術、美學與手作。我們在家也常進行紙箱創作，或在牆上繪畫和貼貼紙。」表示自己非常鼓勵孩子創作，並發展自己的創造力和想像力。 現場更有全日開放參與的藝術體驗，將藝術活動融入生活。「書本野餐」在草地上鋪展書香；「藍美圖的記憶」以藍曬創作 連結自然植物與藝術；「黑青藝術計畫」則結合彩繪與互動科技，運用AR、MR技術創作虛擬山林生物。這些活動不僅延續創意與趣味，更展現藝術如何走進生活。黑青藝術計畫藝術家陳普分享：「藝術能為生活帶來想像力與產生空間，創作不一定需要與課業、成績有關，而是能在生活中開闢一片休憩與想像的空間。」他提及今天天氣晴朗，即使來訪的民眾不參與活動，也能感受到這片美術館後方這片休閒綠地的美好氛圍。透過現場的藝術體驗，則能更深入地探索自己與空間之間的關係。 「草地上的美術課」以多元的體驗活動，將藝術融入市民的日常生活。未來也鼓勵更多人參與藝術創作，感受生活美學的樂趣與價值。

【記者張博媛、周依恩、鄭孟佳新竹採訪報導】南平神農花鼓隊的鼓聲磅礡，敲響新埔脈動。16至17日，新竹縣新埔鎮的地方青年團隊與玄奘大學合作，舉辦首屆「新新埔藝術節」，於新埔鎮潘屋及劉家祠盛大展開。結合走讀、市集、實境劇場等，串連在地藝術家與表演團體，挖掘世代變動下的新埔故事。新新埔藝術節主辦人邱子維表示，新埔從300年前就不斷變化，「我們一直想要用不同的角度去認識新埔。」 藝術節透過走讀活動，由在地青年引領民眾走入新埔市場，藉由深入體驗在地飲食文化，一窺過去客家生活型態的縮影。從小在市場長大的走讀導覽人廖敏皓，回憶過去與朋友在市場嬉戲的點滴，他強調，現在長輩越來越少，市場逐漸凋零，希望走讀能讓眾人記得過去曾有市場如此美好的地方。參與走讀的民眾范思琪在活動結束後說道：「原來每一家店都有它各自的故事，只是在我自己平常走的過程中比較不容易發現（這些故事）。」 新竹在地的「哇哈哈劇團」，推出新埔客庄劇場三部曲，與新埔青年素人及新竹傳統藝陣花鼓隊合作，以林爽文事件重現義民爺信仰核心，於本次藝術節帶來沈浸式演出，讓演員和觀眾，對腳下的土地有更深的連結與認同。新竹故事館編輯傅崇豪指出，年輕一代較不流行拜拜文化，因此希望能藉由故事分享過去的故事，讓年輕人未來看到義民爺時，心中會有另外一種情感存在。 藝術節打開地方宗祠大門，串連走讀體驗、音樂創作、劇團表演與故事展覽，期盼挖掘更深入的在地內涵，透過藝術重新演繹正在消逝的歷史與文化，以文化行動凝聚眾人的共鳴與認同。藝術節呈現出新埔豐富的人文樣貌，然而這片土地的故事遠不止於此，期待未來更多人參與地方創生，創造屬於新埔獨特的文化脈絡。「我會希望透過新新埔的論述，去建構一個新的地方的支持系統。」邱子維說，藉由新新埔藝術節將新埔過去存在過的歷史，以及價值萃取出來。藝術節呈現出新埔豐富的人文樣貌，然而這片土地的故事遠不止於此，期待未來更多人參與地方創生，創造屬於新埔獨特的文化脈絡。