【記者林偌甯新竹報導】「辯證物的邊界與自主性，鬆動平滑物件的細縫，找尋觀看的新視角。」國立臺北藝術大學美術學系碩士生陳寬，自12日起於國立清華大學澤空間舉辦個展《在裡面的在外面》，他解構陶瓷的材料與功能，拓展釉藥依存陶土的印象，向觀看物件的既有方式發起挑戰。 陳寬對陶器毛孔的延伸想像，起源於德羅斯特效應（Droste effect），呈現圖像在畫中無限循環的模式，彷若無盡宇宙一般，他說：「這種觀看方式很有趣，所以我進而將陶罐表面的毛細孔，想像成無限個小陶罐。」作為保護或裝飾陶器的塗層「釉藥」，自古以來皆被視為陶土的附屬品。但陳寬以德羅斯特效應的思考方式，試圖顛覆釉藥存在的意義。因此他在〈甜蜜坑洞的反轉〉中，以陶土燒製蜂蜜罐卻不上釉，反而將黃色的釉料化作蜂蜜置於容器內，明示陶罐為釉料而存在，翻轉兩者間固有的主次關係。 陳寬過去主要創作「抽象陶瓷」，以陶瓷的造型、線條承載感性主題，但製陶過程需嚴謹考慮陶土性質，與高溫收縮造成變形等因素。陳寬認為建構事情就是一種素描，素描透過線條與明暗呈現結構與光影，而製陶則以形態和材質展現概念，兩者皆需事先理性規劃，才能讓作品自然流露感性意涵。在〈素描：明度實踐〉中，陳寬混合高嶺土、霞正長石、碳酸鈣與石英為釉藥，置於九片黑鐵上燒製。他藉由微調碳酸鈣與石英的比例，使燒製後的釉料呈現不同硬度與明度，呼應素描中明暗交錯的筆觸，同時凸顯釉料在窯中展現的藝術性。 「燒製時的升溫曲線像釉料的構圖，決定它的肌理和顏色。」陳寬製作〈背景中的圖形：溫度素描〉時，將同一帖釉料置於耐火磚與防火棉砌成的三個立方體，以三種溫度製出型態各異的釉藥塊，並壓印在素描紙上。壓印過程中的姿勢、手勢與物件隨機交織，打破傳統素描形式，體現釉藥的繪畫性。 除了挑戰陶土與釉藥的依附關係，陳寬也嘗試抽離物件的功能性。策展人李碩瑜提到：「陶除了作為功能性的物，能不能在物的基礎上具更多想像？」作品〈黑色海綿〉由泥漿包裹的波浪海綿與防撞箱組成，乍看之下像是藝術家佈展時遺留的雜物。波浪海綿作為保護與運輸藝術品的載體，被製為陶瓷後，只剩下造型。藝術家由此思考轉換材質後的海綿，是否仍具備作品的意涵。觀者林君達欣賞陳寬以詼諧手法揭示觀看的慣性，「從海綿的鬆軟過渡到陶瓷的堅硬，指向保護與易碎特質之間的矛盾，十分有趣。」 哲學家梅洛．龐蒂（Merleau-Ponty）曾說：「內與外是相互滲透的流動狀態。」這讓陳寬發現，釉料施於陶土外層時，仍保有其保護特質，陶土與釉藥之間並無明確的主從關係，反而能各自成為藝術的主體。陳寬故將此觀看角度轉化為作品〈槍與彈殼〉，排列整齊的「蛋殼」與作品名稱形成雙關，並以蛋殼的主要成分碳酸鈣象徵釉料；一旁未上釉的槍械失去具攻擊性的扳機，呈現出兩物件和平共存的景象，「獨立本身未必有意義，沒必要把關係看得那麼對立。」他補充道。

【記者林芷彤桃園報導】肉色貼紙佔領牆面，有些褶皺、有些扭曲，色情影像以另種方式重新展現。國立臺灣藝術大學美術學系碩士生張語昕舉辦個展《愈近愈近》，即日起在Zone Art众藝術展出。他以在外公家拾獲的色情影像為媒材，將其局部放大，並用磁磚、貼紙等方式拼貼，嘗試表達色情感之外的更多可能。 談及創作素材，張語昕表示靈感發想於過往在外公家偶然發現的色情圖像，「經歷過歲月痕跡而呈現的特殊質感，令我著迷。」此外，張語昕位於台北舊紙廠內的工作室，其蓄水槽內部的磁磚，也讓他聯想到老式廁所中常見的裸女磁磚。因此張語昕便將意外拾得的素材，結合磁磚及貼紙的拼貼手法創作成〈大奶〉與〈兩腿之間〉。 張語昕指出，兩件作品雖然將其取作不同名稱，但實為同一概念的延伸——皆以色情圖片包覆展覽空間。儘管處理手法相似，張語昕卻特地在兩件作品上讓影像解析度與材質有所差異，展現出不同的質感效果。〈大奶〉轉化自張語昕拾到的照片上的胸部原貌，他以高解析度影像與霧面貼紙的結合，呈現細緻而明顯的顆粒感，拼湊出如山丘般的模樣。〈兩腿之間〉則將人物的胯下模糊化，並以黃色、紅色、咖啡色等貼紙覆蓋展間。因影像解析度較低，加上亮面貼紙的使用，使其表面看起來更加平滑。張語昕認為，此時觀看的重點已從影像的原始內容，轉向作品的材質與顏色。 過去張語昕常以紙張拓印作為創作手法，雖然過程簡單，但仍需掌握一定的技術性。為了使製作過程更加簡單，這次以貼紙黏貼較無技術門檻的手段呈現。「貼紙完全是一個塑膠印刷品，感覺更加工業。」張語昕補充，相較於紙材，貼紙的厚度與塑膠成分讓作品展現出更強烈的人造物效果。觀眾韓詠竹則認為，〈兩腿之間〉的亮面貼紙與地面磁磚的結合，為整個空間帶來一種濕潤的視覺感受。 埋藏於地面貼紙之下的磁磚，增添〈兩腿之間〉除了視覺外的聽覺展現。當觀者在展間行走時，磁磚會因踩踏而發出撞擊或碎裂的聲響。張語昕提到，設計靈感源自他在播放拾得的色情錄像帶時，因其年代久遠，故播放時常伴隨著斷續的雜音，使張語昕聯想到磁磚在空間中的脆弱性與不穩定感，隨時都可能因外力而破碎。 「這次的作品具有某種佔領性，甚至帶有一種霸道的氣質。」張語昕指出，觀者在步入此地的瞬間，便被強迫觀看眼前的景象——某人的各種私密器官。儘管如此，他也表示，這些影像原本因為題材往往被一瞥而過，但當它們與空間結合後，反而變成一種能夠長時間存在於場域中的物件，讓觀者得以細細體會其質感與氛圍。觀眾林子桓認為，媒材完全包覆空間的方式，創造出一種將身體感官擴展至整個空間的體驗。

【記者張雅媜綜合報導】「真的、假的只取決於你用什麼角度去觀看。」國立臺北藝術大學美術學系鄭尹真於3日在北藝大南北藝廊舉辦個展《說個笑話，真的！假的？》。此次影像創作中，他利用拍攝角度與道具製造出幻視效果，引領觀眾改變觀看方式，並重新審視所見事物的真實性。 鄭尹真舉辦個展《說個笑話，真的！假的？》，3日於北藝大南北藝廊開展。　圖／鄭尹真提供走入展場，木製的紅色房屋模型映入眼簾，如同視力檢查時，驗光儀中常見的房屋圖像。鄭尹真在模型門上鑽孔，將影像作品在孔洞中放映，讓觀眾以窺看貓眼的方式觀看作品〈真的假的〉。當觀者眼睛靠近視窗，會先看見房屋座落於稻田間的遠景，再隨著鏡頭逐漸拉近，便能看見鄭尹真在房屋內擦拭窗戶玻璃的身影。 在作品〈真的假的〉中，鄭尹真於觀看視窗前打上聚光燈，引導觀眾視線。　圖／鄭尹真提供當作品〈真的假的〉影像畫面放大至窗框與貓眼視窗吻合時，則會產生鄭尹真正站在對面，擦拭著觀者眼前視窗的錯覺。他說：「希望透過不斷變化的視角，讓觀眾體會到，從不同角度觀看事物會有不同的解讀與感受。」觀眾Tammy（化名）表示此作品引起他與自身經驗相關的想像，「觀看時有正在檢查視力的既視感。」 鄭尹真將影像嵌在手掌大小的孔洞中，讓觀者以使用驗光儀測試視力的姿勢觀看作品〈真的假的〉。　圖／鄭尹真提供除了將虛擬圖像實體化，鄭尹真在展覽中更嘗試偽造實物，創造真假難辨的視覺效果。在作品〈等待的過程 — 美得像假的景象〉中，他以沐浴乳、壓克力顏料混合些許雜草偽造出鳥屎，並從汽車內部拍攝影像，呈現鳥屎一再滴落於擋風玻璃，再被雨刷抹開、拭淨的畫面。鄭尹真提到，鳥屎砸在擋風玻璃上對許多人而言是倒楣的事，但他卻覺得，凝視汙垢被反覆刷掉的過程相當浪漫，他說：「觀眾重新觀看這個畫面時，或許也能體會到我所感知的療癒感。」 鄭尹真將作品〈等待的過程 — 美得像假的景象〉直接投影在樓梯上，並擺放沙發，讓觀者以不同觀看角度欣賞作品。　圖／鄭尹真提供鄭尹真也在作品〈許願池〉中，展現出自身對日常現象的不同解讀。他將人們許願時映在水面上的倒影，幻化為困在水池中的魚，鄭尹真說：「就像人們被困於自身願望，在無盡的希冀中自溺的狀態。」因此，他指導演員模仿魚向上吸吮的動作，並在水面上架起一層透明玻璃，拍攝出擬魚化的人類被阻隔於水中，無法探頭呼吸的窘境。展出時，鄭尹真更將作品投影在自製水池中，讓觀者有親臨實境的感覺。 鄭尹真選擇將影像直接投射在水面上，營造演員在水中掙扎的實境感。　圖／鄭尹真提供鄭尹真試圖讓觀眾看見不同角度可能產生的視覺差異，進而引發觀者思考真實的意義，他說：「我製造虛假，想讓大家意識到，許多我們以為的真實其實都是虛假，重要的是你決定怎麼觀看。」觀眾水母王（化名）也認為，鄭尹真以影像或物件重設觀看視角的手法，讓他在觀展時不禁思考，「是否有鏡頭以外的力量，正影響我們對所見之物的認知。」

江淑筠希望探討作品內外的關係，觀眾可繞到窗外觀看作品的背面。　圖／張倩怡攝【記者張倩怡台北報導】觀眾在展間透過不同的觀看角度，將原本獨立的作品重疊起來變成新的作品，重新感受作品和空間的互動。國立臺灣藝術大學美術系碩士班學生江淑筠舉辦個展《facade立面》，透過繪畫、影像和裝置作品配合空間呈現出不同的觀看方式，讓觀眾也重新察覺自身的觀看習慣與經驗，思考為什麼要看以及自身和作品之間的關係，展覽於10日起在外子展出。展覽主題「facade」為建築學術用語，一般指稱建築物的外牆，建築師會在建築正面呈現巧思，江淑筠認為這種行為與繪畫十分相似，「其實也是一個面，那它有一層畫布一樣是包覆在外面，然後要讓我們看到的那一層。」而他希望觀眾在展覽中除了畫作的正面，也強調作品的正反面和內外的關係。本次展出的作品以矩形圖案為繪畫主體，江淑筠說明，選用矩形是因為這是最能強調「面」的形狀，「如果是一個圓、一個三角或是有機的形狀。很容易會讓我們聯想到其他的東西。」他認為矩形很工整並有力量，可以讓繪畫自身成為主角，讓人更能專注地探索「面」這個主題。展覽也著重於作品與觀眾身體的互動，所以大多的畫作都以無題為命名，並放置於地面，讓畫作不是高高在上，而是與觀眾更貼近，希望打破大眾的觀看習慣。 國立臺灣藝術大學美術系碩士班學生江淑筠利用三個獨立作品交織，成為一組全新的作品。　圖／張倩怡攝雖然展覽空間不大，江淑筠仍利用窗戶和木架加入巧思，「正面到底是什麼，真的要繞進去之後，你才會看到它的那個面。」作品可隨著觀眾移動轉換觀看角度而產生不同的效果。他設計鏤空的木架，讓觀眾從門口的窗戶外看進去，會先看到窗戶上矩形的貼紙，再到鏤空架子上的黑白矩形，最後穿過木架看到大型的矩形，三層可以是獨立的作品，也可重疊成一組作品，「我們視覺已經不知不覺的用照相機的思維在看東西，但其實我是覺得肉眼的經驗還是沒辦法取代。」他表示，希望觀眾把整個展覽視作一件作品，並直接感受空間設計和畫作。 鏤空木架上的黑白矩形與後方的大型作品產生重疊效果，觀眾在不同角度看有不同效果。　圖／張倩怡攝展覽現場還有以圖像複製創作的《digital》系列，利用具有複數性的色紙重疊並掃描儀掃描後直接輸出，並以此探討影像世代的觀看習慣，「很多人都用圖片去認識作品，但我覺得那個原作可能根本不是你想像的，甚至是成千上萬種失準。」江淑筠說，一般攝影方式可大量複製影像但會使原作失真，他反而利用這複製性的手法創造唯一的原作，而且讓平面看似重疊立體，同時也在呼應主題的「面」和矩形作品。 國立臺灣藝術大學美術系碩士班學生江淑筠以圖像複製創作的《digital》系列，看似立體卻是平面。　圖／張倩怡攝曾觀看過江淑筠其他展覽的觀眾李冠瑩認為，這次的空間設計讓觀眾每次移動都可以獲得新的體驗，他說：「來到現場可以按不同的面向觀看，讓我覺得可以身歷其境。」觀眾劉昕宜也持相同看法，「他運用很多空間和建築的平面，告訴大家現在觀看的那一面是想傳達什麼，並以不同角度去呼應立面的主題。」

【記者單師樵綜合報導】銀幕中舞者隨鏡頭移動、聲音與剪輯方式舞動，觀看表演的方式因此改變。國立臺北藝術大學舞蹈學院、電影與新媒體學院和台灣數位藝術中心合作發表《舞影繪輯X舞動360》，將舞蹈以影像的方式呈現，打破既有的創作框架，作品於10月30、31日在北藝大曼菲劇場播映。 國立臺北藝術大學《舞影繪輯X舞動360》，將舞蹈以影像的方式呈現，打破既有的創作框架。　圖／國立臺北藝術大學舞蹈學院提供作品由〈舞影繪輯〉、〈舞動360〉兩部分組成，在〈舞影繪輯〉中，舞蹈動作結合劇情、音效，讓畫面更具臨場感。創作者賴方伃說明，他參與的作品以「黏著」為主題，他說：「舞者在創作時對『黏著』的想像，並非肢體上綿延不斷地接觸，而是想像兩人之間有無形的黏稠物質，也是吸引這兩人靠近的引力吧。」因此團隊試圖在肢體間的空白處創造黏著。另一位創作者包明茜分享，影像主要是在理解舞作後，打破平常劇場單面觀看的侷限去拍攝。他補充，因必須在短時間內感受舞蹈，又要思考如何讓肢體在影像上更有張力，同時讓觀眾進入舞蹈裡面，而不是因為影像讓觀眾離舞蹈更遠，讓他感到相當困難。 在〈舞影繪輯〉中，舞蹈動作結合劇情、音效，增加舞者在影像中的舞動感。　圖／賴方伃提供而後半段影片〈舞動360〉則跳脫平面影像，團隊使用360度全景相機進行拍攝，舞者的肢體與所在的空間皆被扭曲。創作者陳薇伊分享，360度的特效可以讓空間更迷幻，他想要善加利用這個特質，因此選擇單向地下交流道作為拍攝場景。另一位創作者顏楷倫說：「我比較想要找到的是整個畫面、整個影像、整個視覺的舞動感跟衝擊。」因此在他的作品中，盡量不出現完整人體在跳舞的畫面，讓觀眾不需將焦點放在舞者身上，轉而注意影像內的其他元素。而創作者莊博翔提到拍攝時的困難說：「不能依照自己以前的習慣即興拍攝，因為全景相機的畫面難以立即控制。」因此需要事先想好呈現的畫面，並且繪製分鏡表。 在〈舞動360〉中，舞者的肢體與所在的空間，皆因360度全景相機的拍攝而被扭曲。　圖／國立臺北藝術大學舞蹈學院提供「觀看的視角突然間被改變」是團隊最想表現的重點，台灣數位藝術中心指導老師王柏偉認為，他在觀看〈舞動360〉的感覺是連滾帶爬的，「我們思考這個世界，思考這個影像的方式，並不是直線的，而是滾動、轉動、連環、循環的。」觀眾陳昱伶則說：「前面〈舞影繪輯〉的主題比較著重於舞蹈，而〈舞動360〉中，他們的舞動感覺比較像是相機的舞動，而不是偏向舞蹈的舞動。」 觀看的視角突然間被改變，是《舞影繪輯X舞動360》創作團隊最想表現的重點。　圖／國立臺北藝術大學舞蹈學院提供此次拍攝讓團隊探索更多創作可能，台灣數位藝術中心指導老師黃柏瑜說：「在畫面變形的過程中，創造出另一種影像語言。」而陳昱伶認為，未來舞蹈還可以跟新媒體結合，「比如說一些投影的方面，或舞者和無人機做互動。」北藝大舞蹈學院院長何曉玫也表示，舞蹈很有魅力的地方，就是開放給每一個人都可以有自己的想像。

【記者單師樵綜合報導】各種形式的創作品陳列於昏暗而狹小的展場內。國立政治大學廣播電視學系學生鄭宗祐利用照片、聲音與影像，於1日至5日在政大新聞館展演廳舉辦《連線錯誤_Alienation》獨立專題（註一）個展，從多個面向呈現群體中人與人互動的「離群」。 註一：《連線錯誤》是鄭宗祐在獨立專題課程的成果展。政大廣電系第一次開設此課程，由原先行之有年的畢業製作課程改制而來，捨去過往以劇情長片為主的形式，提供學生更自由的創作空間。  《連線錯誤》的展場內雖然昏暗而狹小，卻陳設著多種不同方式創作的展品。 圖／單師樵攝踏入展場，多幅泛藍的照片陳設於前，然而與多數攝影展所展出的數位照片不同，鄭宗祐的作品以「藍曬法」（註二）呈現。鄭宗祐除了以藍色營造出詭譎的氛圍，他更將藍曬法連結至人與人的關係，他解釋：「藍曬是一個無法永遠保存的東西，我覺得可以呼應到我要講的人的互動。」 註二：藍曬法是一種顯影方式，由混合檸檬酸鐵銨、鐵氰化鉀的感光劑，透過日曬使最後的影像呈現深藍色。  展覽中的攝影作品皆是以藍曬法呈現，讓觀眾陷進詭譎的氛圍中，也呼應了人與人的關係無法永遠保存。 圖／單師樵攝而在行為實驗展區，鄭宗祐透過平板電腦的視訊螢幕，與觀看者長時間凝視，並將玻璃片放置其中區隔觀眾，象徵人類社會中的社交障礙。觀展民眾陳祺分享：「我就不是很確定他是不是真的有看著我，我覺得很難過，然後我就哭了。」另一位觀眾康譓珍則認為，與創作者對看時，兩人似乎都進入一個脆弱的狀態，使他不由自主地想一些內心的事。 行為實驗展品，平板電腦與中間的玻璃隔板象徵人類社會中的社交障礙。 圖／單師樵攝鄭宗祐說明，「群居」是人類自誕生以來必經的過程，他在日常生活中觀察、感受到的集體行為，實際上卻是疏離的。他希望透過《連線錯誤》中以不同形式創作的作品，描繪出群體中的「離群」。他說：「我們展覽主要是在講人際關係，人的社交互動。」他補充，日常中的人與人的「連線」可能是數位的，也可能是實體的。展場中的展品包含平面攝影、錄像裝置、行為實驗，也有讓觀眾戴上VR穿戴裝置欣賞短片的創作。鄭宗祐說：「這是一個很大的議題，我如果只用一個小東西、一個影片，可以講的東西太侷限。」觀展民眾陳力瑋認為，多媒材鼓勵大家思考「看的方式」，他說：「多媒材其實可以給你一個自由的空間，東西都已經擺在那，除非有明確說不能碰觸。」另一位觀展者王亭方則覺得展品可以用不同面向去看，以錄像裝置為例，「一個是你坐在沙發上看電視，一個是你有點像跳脫這個空間在看這整個場景。」他補充，用兩種方式體會這個創作，有不一樣的感覺。 展場內部的錄像裝置展品，讓觀眾可以用不同的角度、不同的方式去觀看。 圖／單師樵攝指導教授鍾適芳說：「他們創作的資源跟方法，想要表達的這些訊息，光是劇情片已經不能滿足他們了，所以這些形式一直在變化。」他認為以前的畢業製作太過形式化，而獨立專題課程能鬆綁學生想法的侷限，更能呈現多樣化的作品，鄭宗祐也說：「我就照我想要做的東西把它全部列出來，其實本來更多，但後來選了這幾個。」鄭宗祐進一步提到，這次展出後收到許多希望他繼續創作的回饋，對此他表示未來仍會創作，但也坦言是否將作品展出需看看機緣。

【記者徐嘉璟綜合報導】視線隨著油彩線條流動，所見的景物也隨之抽換，產生時間流動的錯覺。國立清華大學藝術與設計學系研究所學生林君晏於民國109年12月18日起，在新竹市鐵道藝術村舉辦個展《日常散步》，透過堆疊油料，呈現自身在散步時的觀摩路徑與記憶點。 展場採用昏暗的燈光，並放置公園中常見的木椅，觀眾可隨時坐下，以仰視角度欣賞畫作。　圖／徐嘉璟攝「我一定要從日常找出題材，體會相片、記憶中的東西。」林君晏說明，自己觀看事物的方式會受到情緒、境遇影響，創作時他不須多想，情緒與筆法便能自然地結合。因此，他創作的展品大致可依繪畫時的心境劃分為二，色彩鮮明、風平浪靜的漁港風光，呈現他於南寮漁港遊歷的閒逸；雜亂交疊的婆娑樹影，則象徵就學時期的創作困境。 林君晏表示，作品〈在頂樓的發光搖擺—2〉的樹葉紋路由模糊、雜亂的筆觸構成，圍繞在方正的校舍周圍，營造校舍隨風被吹動的意象。　圖／徐嘉璟攝為了能同時呈現兩種迥異風格的畫作，林君晏將展間打造成陰暗的公園，將畫作化為散步時的公園景色，使人在觀賞時不覺得突兀。而主視覺作品《夜間公園探險》也被放在最陰暗的角落，林君晏解釋，他同時運用厚重和輕薄的筆觸堆疊這幅畫作，讓它集結自己所有觀看日常的方式，如凝視、游移等，故他希望觀者能最晚發現這幅畫，先專注融入其他畫作的情緒。飽和度高的色彩撫平情緒，有時甚能帶來愉悅感，林君晏認為，厚重的顏料能模擬金屬和塑膠的光滑質地，在呈現物件的質感之餘，也能促使觀者專注凝視。濃烈的紅、黃、藍構成線狀風箏，獨聳於空曠的港口空地，作品〈一日南寮系列〉以幾何、奇幻的風格呈現林君晏印象最深刻的南寮漁港物件。他解釋，藉由排除畫中的人與雜物，強化他記憶中的臨場感，引導觀者視線聚焦於單一物件上。 作品〈一日南寮系列—風箏線〉的風箏有著現實中不會出現的生硬稜角，展現林君晏對物體的獨特觀察和印象。　圖／徐嘉璟攝林君晏也希望觀者能體驗持續移動的觀賞情境，藉以理解他的創作歷程。他補充，他習慣爬到頂樓，來回踱步觀望校舍，不斷思考繪畫的意義，故他用淺透的筆觸，堆疊不斷搖擺的暗綠樹葉，期望塑造浮動、沉悶的情緒。作品〈夜晚的舞台—1〉則利用不同大小、角度的球場相疊、交夾，當觀者移動視點，球場的相對位置也隨之改變，進而營造環視球場的動線感。林君晏說：「我們在觀察日常事物時，會四處走動、改變視角，並非靜止不動。」觀展民眾楊采寧表示，物件扭曲的形體使他感受於畫中移動的速度感。 林君晏在〈夜晚的舞台—1〉紀錄觀看學校球場的不同角度，以堆疊球場的方式營造空間的立體感。　圖／徐嘉璟觀展民眾林旻柔說：「這場展覽很輕鬆、隨性，讓我感覺他（林君晏）的繪畫是為了他的生活而畫。」但林君晏提及，除了透過展覽表達自己的觀察外，他也希望觀者能摸索出自己的獨特視角。他於展區設置高低不一的公園長椅，再利用具有摺角的牆面，交錯出不同的觀看路徑，期望觀展民眾能處於不同的觀察位置，體會蘊藏於平凡中的生活感觸。

【記者石學儒台北報導】陣陣的馬達聲響起，影像中的人正在剃掉自己的長髮，再用藍、白色的顏料暈染胸部以上的皮膚，成為「外星人」。國立臺北藝術大學美術創作研究所學生沈思坦於11日起在髮廊「（）藝文沙龍」舉辦個展《地球站》，藉由刻板化的外星人形象，討論當代人與人的關係。展覽舉辦於髮廊的地下室，成為外星人的秘密基地。沈思坦說明，此次個展雖以外星人為主體，但討論核心依然是「人」，他欲描述眼中的科技與人產生的交互作用，「很多時候無法完全理解彼此的想法，那種意識上的隔閡，就很像對方是外星人，或我是外星人。」 展覽舉辦於髮廊的地下室，在一樓的髮廊也有許多與外星人有關的作品，暗示這裡是外星人的秘密基地。　圖／沈思坦提供隨著智慧型手機的普及，直播平台或YouTube等自媒體成為許多人展現自我的舞台，作品《好想變成外星人》以手機播出沈思坦剃光頭髮、眉毛，再將自己上色的儀式。他將社會對女性應具有的特徵退去，藉以展露自我。他在手機旁懸掛光柵板材質的相片，去「不符合」這個社會的審美價值，「這是一個嘗試，我想要逃脫這個社會，把我變成遠離這個社會的人。」沈思坦說明。觀展民眾Joyce（化名）說：「單看這件作品的結果衝擊不會那麼大，但錄像讓我可以慢慢看出一些他想講的故事。」 展出空間充滿冰冷的白光，策展人沈思坦透過巧思，營造人與人之間冰冷的關係，與分離的感覺。　圖／沈思坦提供現代人常於社群媒體上傳影像，作品《阿剛的一天》正是嘲諷此現象。沈思坦以常見的YouTuber影片為模型，記錄外星人觀察員模仿地球人一天的行程。影片結尾，主持人稱讚主角阿剛做得很好，而阿剛也予以回應：「這是我應該的。」影片除揭開人類被社會形塑的樣貌，也說明人類在影片中展露自我已成為現代社會化的範疇。觀展民眾徐敏碩說：「他用一種能與一般大眾溝通的方式，用另一個角度去講這件事情。」 《阿剛的一天》以YouTube為模型，但作品中的角色始終沈默，僅以字幕讓觀眾了解影片內容。　圖／沈思坦提供銀灰色的柱體矗立在展間，走近後可看見如行星般的小球漂浮於半空中，作品《S星球初登場》以木球仿製的彈力球置於柱狀裝置上的凹槽，並利用凹面鏡的反射原理，讓球投影在柱體上方，像是一顆真實的星球漂浮在半空。沈思坦解釋，他利用簡單的光學原理，投影出一顆像星球的球體，說明人們經常端看表面即認定事實。同時，沈思坦也暗示，在網路時代中，使用者失去辨識資訊是否真實的能力。 《S星球初登場》以木球仿製的彈力球放置於金屬柱體上的凹槽，以光學原理讓球體看似漂浮在金屬柱體上。　圖／沈思坦提供碩大的螢幕投影出藍色外星人的臉龐，他用貓眼般的瞳孔緊盯前方，但他同時又被觀展民眾看見。作品《觀察員》除試圖塑造日新月異的科技下，現代人透過社群媒體緊盯他人的生活且渴望被看見的樣貌，也呼應沈思坦欲討論的人際關係。他表示，科技使人際關係變得模糊，就好像與外星人溝通，使人產生分離與不適應感，讓不善科技的他感到生不逢時。 策展人沈思坦以巨大的外星人投影在牆上，營造外星人監看整個展場的意象，以此隱喻現代社會人被看的慾望。　圖／沈思坦提供

【記者羅文妤台北報導】觀眾走進民宅，如同來到朋友家拜訪，《一與眾》第三部作品〈畫布〉於藏身公寓裡的藝文空間「畫布」舉行。《一與眾》系列是「不適生產團隊」的連續計畫，表演方式偏向行為藝術，突破舞台限制，讓觀眾能近距離接觸表演者，也能在空間中自由地行走。就讀國立台灣藝術大學戲劇學系表演藝術碩士班的表演者李文皓，在空間中自在地穿梭，時而量體重，時而做菜，甚至是上廁所，重現日常生活的細碎瑣事。觀眾就如同闖進表演者的日常中，跟隨表演者的腳步，觀看他的一舉一動。另一位表演者陳昱榮運用窗戶震動產生的噪音和捏碎、搓揉泡泡紙的聲音，獲取觀眾的關注。 表演者陳昱榮將自己裹在泡泡紙中，運用身體的摩擦產生音效，兼具視覺與聽覺的演出。　圖／不適生產團隊提供演出最後以民間舞蹈波麗露收尾，李文皓兩手有力地開合，並隨著音樂起伏高舉、放下。他走近觀眾、又走遠，直至走出門外，結束演出。觀眾王學梅表示，很喜歡最後的舞蹈，他認為表演者以簡單的動作建立自己的風格，在原先的舞蹈動作中融合手部微小變化，甚至比專業的舞者更令他驚艷。 演出中，觀眾能夠近距離接觸表演者，仔細觀看表演者的一舉一動。　圖／不適生產團隊提供「我們的演出都是在不正規的空間。」製作人、台藝大表演藝術碩士生賴得睿提到，團隊不斷挑戰劇場的限制，除了在演出中開火煮菜，還嘗試以打火機點蠟燭、點菸，這些舉動在傳統劇場都是被禁止的。他們透過這次的計畫，嘗試在運用空間的同時也與空間對話。「我們沒有燈光、沒有舞台，也沒有服裝。」同時兼任編導的李文皓表示，《一與眾》系列以極簡主義為主軸，運用最少的元素，解放更多觀看的方式，讓觀眾能關注表演者以外的「空間」。他希望演出是輕鬆且平易近人的，讓觀眾自由走動，也將觀看的選擇權還給觀眾。