【記者張博媛報導】克莉絲蒂娜・威廉（Christina Williams）是一名發跡於加州大學洛杉磯分校（University of California, Los Angeles，以下簡稱UCLA）的刺青師，他在學生時期發現自己對刺青藝術的熱愛，也在許多學生身上留下刺青作品。 威廉在UCLA就讀世界藝術與文化學系，加上自己對刺青文化的興趣，便在朋友與家人的鼓勵下開始刺青師生涯。「我喜歡為自己和朋友創作藝術。」威廉說道，他最初是在宿舍開始為同學刺青，接著進駐校園市集，以及學校附近的刺青店。威廉表示，同學們時常會帶著自身故事和人生體悟，與他討論刺青的設計，正是在這些客人的故事深深打動了他，並啟發他進行更多創作。威廉認為UCLA給他很大的發揮舞台，例如學校課程提供他探索藝術創作的機會、同學與老師都支持他進行刺青活動等，「若不是在學校開始我的刺青生涯，我會很難獲取這些資源。」他說道。 威廉的刺青風格多元，包括單針刺青、寫實主義，以及抽象設計，他喜歡將自然、文學作品的文化與人物融入設計中，「任何異想天開的事物都能成為我刺青的主題。」他補充。今年10月，UCLA邀請他為學校設計專屬的紀念刺青，他融入了充滿校園意義的象徵元素進行設計，如UCLA代表動物棕熊的熊爪和深受學生喜愛的校貓鮑威爾，再搭配學校的代表色——藍色與金色，讓學生能在身上留存對校園的美好回憶。 相較於台灣對於刺青的保守觀念，在美國擔任教授，現就讀德州理工大學（Texas Tech University）博士班的服裝設計師ChaCha（化名）認為，刺青在美國就是一種常見的藝術，一般人不會對刺青帶有負面觀感，「刺青是自我表達的方式，是一種客人與刺青師共同創作的產物，我覺得很有意義！」他說道。ChaCha也表示，在美國校園內進行刺青活動是件很正常的事，不過如果在台灣應該會嚇到師長。在洛杉磯就讀美國音樂家學院（Musicians Institute）學生Ryan Chang說道：「路上的人十之八九都有刺青，在洛杉磯和校園內就像戴耳環一樣稀鬆平常。」 威廉說：「UCLA藝術與全球健康治療中心（Art and Global Health Center）給我很大的啟發，希望畢業後能有機會與他們合作。」對他而言，刺青不只是刻在身體上的藝術創作，更可以撫慰人心，威廉期望有日能回到洛杉磯，除了繼續為UCLA社群進行刺青創作，也結合自己在碩士階段的專業，探索刺青創作在藝術治療領域的發展性。

【記者邱雅郁台北報導】 「對我而言，『家』承載著表達自我、保存記憶及提供庇護的功能。」出生於馬來西亞的謝志康，今年畢業於國立彰化師範大學美術系碩士班。9月28日起於金車文藝中心台灣南京館舉辦個展《家－物》。謝志康過往以社會寫實風格為主題，疫情後使他開始思考「家」的意義，藉由展現自己、空間與物件三者的關係，勾勒出他的生活碎片。 謝志康兒時家人工作忙碌，與他們相處的時間很少，而在離開家後，獨自居住的生活，讓他感覺更像是自己與空間相處。因此他的作品多以對「空間」的描繪作為創作主題。與展覽同名的作品〈家－物〉是謝志康首次採用現成物創作，以母親從馬來西亞寄來台灣的感冒藥為媒材，在等比例放大的藥盒平面圖上繪出印象中馬來西亞的家中格局。疫情至今，未曾回家的謝志康以象徵母親關愛的藥盒，呈現他與家人之間的聯繫。 身為留學生，在外租屋使謝志康經常需要搬家，「遊牧式生活」是他在台灣留學的寫照。疫情這段時期凸顯空間與他的連結，促使他重新思考「家」的定義。他說：「只要有我存在的地方，那裡就是家。」在作品〈家與家〉中，畫面左右兩方分別代表馬來西亞的家與台灣的家，左方拼貼畫布，將地板延伸出畫框外凸顯家的碩大，缺少生活物件的空間代表在家中的壓抑。位於中間、佈滿各式家具的窄小房間則是謝志康在台灣的家。他回憶起小時候，父母親很嚴格也相當忙碌，家人希望他讀書而他卻只想要畫畫，使他感受到在馬來西亞無法創作的不自由。作品利用空間大小、陳設多寡的對比，傳達出儘管馬來西亞的家再大，他卻是受約束的，而台灣的家雖小，他卻在其中感到自由與愉悅。同樣在外租屋的觀眾綠豆（化名）說：「遊牧式生活讓我產生強烈的共鳴。」 對謝志康而言，所有物件都是富生命力的，超現實的強烈色彩是他表現鮮活物件的方式。雖然謝志康的畫作缺乏人物，但他認為透過物件便足以描述所有者的特質與生活痕跡，使觀者能感受到人的存在。作品〈那時候〉便以12張圖代表一年12個月，重覆著同樣的空間，卻包裹上不同鮮豔色彩。謝志康回憶起，畫中吧台是小時候因成績不好被爸爸訓斥的地方，吧台上頭的書籍，則象徵爸爸與學業。右下角不同顏色的色鉛筆隱喻著想畫畫的他。他試著透過繽紛的色彩將回憶包裹起來，以保鮮膜拓印降低深色吧台在畫中的存在度，卻沒想到在完成後代表著童年陰影的吧台卻仍突出，彷彿回憶永遠是他的一部分。 從學生時期到進社會工作，隨著心境的轉變，謝志康表示，未來將會繼續以「家」為主題，「前期作品較注重感性，現在的我會先揉合理性去構圖後才創作。」金車文藝中心策展企劃李思廷說：「謝志康的觀察敏銳、心思細膩，透過不同階段的融合與轉換，期待看到他以後的作品。」謝志康更提到未來將嘗試申請駐村計畫，體驗不同形式的「家」。

【記者姚孟汝台北報導】俏皮氛圍下，鮮豔飽和的色彩代表著對珍貴回憶的審視。成長於美國的Jackie Patiño目前於芝加哥藝術學院攻讀碩士。個展《奇露比（Cherubic Imps）》，即日起在壹貳壹藝術空間展出。透過「奇露比」這個既淘氣又可愛的角色，Jackie Patiño試圖尋找內心傷痕的出口及成長的療癒之道。 走進展場，所有畫作中均可見到一個擁有巨大橢圓形鼻子及流暢曲線的人物「奇露比」，它是Jackie Patiño對自我的投射。奇露比（Cherubic Imps）可以拆分為兩個象徵，「Cherubs」在西方代表天真純潔的小天使，「Imps」則是混亂與調皮的妖精。Jackie Patiño將這兩者結合，期許自己不必追求成為只擁有善良特質的好人，而是能夠同時保有善良與俏皮的特質。 成長於美國的Jackie Patiño出生在迷信的墨西哥家庭，面對母親強烈的宗教信仰，採無神論觀點的他，不僅難以感受到與原生家庭的連結，更因為在美國成長，Jackie Patiño仍然需要因為自己墨西哥裔的身份而不停練習融入周圍同儕的文化。複雜的自我身份認同成為Jackie Patiño的創作動機，他將自己化身為「奇露比」，以暗色背景搭配亮色主體呈現對比，展現出Jackie Patiño雖有著滿載傷痕的回憶，卻仍努力保存著內心明亮的意象，並試圖在畫中以它的視角，探索童年與母親相處的回憶，連結墨西哥傳統文化，找尋自己的身分。 在墨西哥傳統文化中，人們將浸泡藥浴視為世代相傳的精神與身體修行儀式，因此在作品〈Baño de rosas and feeling dirty〉中，藝術家描繪出奇露比在浴缸裡俏皮地握著玩具鴨，呼應母親喜愛為他準備玫瑰浴作為淨化儀式。Jackie Patiño道：「這是母親表達關愛的方式，但淨化本身可能也是母親暗示我調皮或不潔的象徵。」〈The Boob Tree (Jitomato Garden) 〉奇露比與母親一起種番茄的場景，則源自於Jackie Patiño小時候與母親的相處回憶，「我就像調皮的小惡魔跟在她身後，卻同時對於他的教誨感到敬佩。」他補充道。Jackie Patiño藉由描繪出墨西哥傳統習俗，以及兒時與母親相處的回憶，逐漸確立自己與墨西哥身分的連結。而身為畫家朋友的Jeremy Morlock也強調《奇露比》喚起他強烈的童年情感，是非常脫俗的展覽。 作品〈As long as I am Tender, I am Still me〉中央的長方形光線象徵善良，與代表邪惡的黑暗背景形成對比，展現Jackie Patiño對這兩種特質的思考。他表示光雖然代表著能量卻具有諷刺的特性，「因為不能觸碰或捕捉光線，它與人類的關係就像一段單向的感情，永遠只能由光來觸碰你。」而畫中的角色試圖捕捉光線，則隱喻作家試圖成為母親眼中理想的樣子，站在黑暗中的奇露比則是未來的自己，想要將那位追逐光線的角色拉回黑暗。這是畫家Jackie Patiño與自我的對話，表達自己無需急於迎合他人的期待。 融合成長記憶與對墨西哥傳統的敬意，奇露比不僅是Jackie Patiño個人的投射，更是治癒過往的媒介，幫助他找回自己所定義的身分。協助策展的Ashley Yan認為Jackie Patiño圍繞著多元文化身份的作品具有影響力，「透過《奇露比》，可以讓觀眾反思自己是誰，並與自己的身分有更多連結。」

【記者吳玟錡綜合報導】台東縣政府首度舉辦「金曲聚落音樂會」，結合2023台東原住民音樂人特展（以下簡稱原民音樂特展）和三門音樂創作坊課程成果展示，於26日在台東縣原住民文化創意產業聚落熱鬧登場，讓民眾在觀展同時能聽到不同形式的原住民音樂現場演出。 13個影像播放機，佇立在台東地圖形狀的底部，影片沒有華麗的運鏡和剪輯手法，以定格在部落道路、海邊的日常畫面呈現。　圖／吳玟錡攝現場空間分為室內外，戶外廣場先展示三門課程的成果影片，呈現學生體驗原住民音樂，重新分解傳統樂器音色，和師長討論數位技術改編樂曲的過程。室內則分為兩層樓的展間，原民音樂特展策展人Andy（本名林盈禕）說明：「音樂本身就是沒有侷限的，展覽的初衷希望透過不同音樂媒介推廣原住民文化。」 鄭又銓提到「大家都知道原住民在音樂上的成就，但從來沒有人去盤點。」他很開心有個活動，能匯集展出不同年代的原住民金曲。　圖／吳玟錡攝二樓則是互動黑膠館，完整保留從過往到現代近千首的原住民歌曲，讓民眾體驗購買黑膠唱片的時「挑選」的過程，結合互動裝置，可以生成線上數位歌單帶回家聽。這個活動能接觸到不同年代的原住民歌曲，民眾鄭又銓說：「原住民跟漢人的文化界線在現代越來越模糊，所以我想藉由音樂了解過去部落的歷史脈絡。」擔任黑膠館的青年導覽員洪培斌描述：「許多居民在展間聽到家鄉部落民謠勾起生活回憶，忍不住手舞足蹈。」如同Andy提到的策展理念，「台東原住民音樂很重要的特點之一是這片土地。」原住民以前沒有文字，但以傳唱保留文化，對原住民來說，音樂如同血液，連結與身體、土地的情感。 謝宗翰描述課堂中年紀較大的長輩，雖然對數位科技、電腦操作不熟悉，仍很認真努力的學習，創作出特色歌曲。　圖／吳玟錡攝活動的其中一門音樂課程——原住民傳統樂器採集創作坊，其成果展演是用數位音樂取樣結合阿美族傳統樂器「竹鐘」的音色。中國科技大學數位多媒體設計系副教授謝宗翰舉例：「有位學生使用筆電不小心按到錄音，他就把錄到的話一直反覆播放，搭配竹鐘敲打聲響的細微變化。」兩者形成一種簡潔特殊的音樂節奏感。輔仁大學音樂學系的王晟維是布農族，這次擔任創作坊助教，他補充，「原住民音樂的元素分為語言和樂器。」而他是都市原住民，比較少接觸到族語，「許多部落的歌曲是老一輩口耳相傳，沒有特別被記錄或記載。」但他認為透過原住民流行歌能更快速學習族語。 民眾表達最喜歡的展區是黑膠互動館，讓年輕人體驗沒經歷過的黑膠唱片時代，用現代的科技方法重新去連結。　圖／吳玟錡攝王晟維表示自己參加後深受啟發，未來想透過系上所學的專業電腦軟體技術，將部落歌曲數位化，重新編曲創作。金曲聚落音樂會讓更多人認識台東的原住民音樂故事，也讓離開家鄉的原住民後代了解部落的文化底蘊，新舊更迭為部落譜出新的樂章。

【記者黎昕俞台中報導】「所有東西都是數據，萬物在這個基礎上，都會有平等的可能，再相互交雜產生關係。」國立臺北藝術大學美術學系碩士班學生徐銘謙於5日在窯座舉辦個展《親密系統》，結合影像、AI科技等媒材，透過回溯自身對數位物的感性經驗，探找記憶與數據之間錯雜的親密連結。 徐銘謙的作品時常聚焦「科技泛靈論」，此次個展《親密系統》結合自身經驗，探尋看待生命的面向，並於窯座展出至19日。　圖／黎昕俞攝徐銘謙的作品多聚焦於「科技泛靈論」，他將所有事物視為資料庫的一項數據，並嘗試跳脫以人為主體的思考模式，透過數據視角審思生命，「我認為的泛靈狀態，是萬事萬物在數位情境之下，都能有相互討論的可能。」徐銘謙也將展場視作一套「數據演算系統」，展場內的兩個小房間就如同系統內部，以他兒時與蠶寶寶、電子狗的記憶，探討生命與數據之間的交織關係。而外側走廊則比喻為系統外部，展出以AI技術或3D列印等手法創作的作品，形塑出虛實交錯的場域。奇形怪狀的手，時而投射在廊道角落，時而在地板浮現。作品〈觸碰遊戲〉，以徐銘謙孩提時玩手影遊戲的回憶為靈感，透過AI讀取自己過往的影像作品，給其指令後生成出不同手勢，就像兒時自己對著光用手模擬不同動物型態。徐銘謙也在創作過程中發現AI常把人類的手輸出錯誤，「我們在接觸螢幕或是輸入指令時都透過雙手跟電腦溝通，但是它卻不熟悉我們的手，這種既親密又疏離的關係很有趣。」 〈觸碰遊戲〉中由AI生成看似有些奇怪的手勢，徐銘謙認為像是童年時玩手影遊戲時模仿動物樣態，但又不能模仿到位的經驗。　圖／黎昕俞攝徐銘謙將展場內部的小房間視作演算系統的內部，其中一間的作品〈電子寵物羅曼史〉，發想自他小時候飼養電子狗壞掉的經驗。為重新回溯當時的憂傷情緒，他透過在Google搜尋關鍵字，蒐集相似經驗的文本和圖像後，將這些資料編排成影像作品。而自己與虛擬生命產生情感的狀態，也讓徐銘謙進一步思考「數據生命化」的現象，「因為他明明是個物體，我卻覺得裡面有個生命，某種程度代表著我們可以跟數據共感經驗。」 〈電子寵物羅曼史〉影像故事來源，是徐銘謙搜尋不同網路文本編排而成，欲表現與虛擬生命的共有的親密經驗，其實都是由大家曾參與的事件所組成。　圖／黎昕俞攝另一間小房間的作品〈蠶寶寶回家了〉則是他反向思考「生命數據化」的展現。他認為蠶寶寶的飼養經驗多半來自學校課程或是販賣蠶絲等外部因素，當具有生命的蠶因人類目的而成為象徵教育或經濟的符號時，徐銘謙進而討論人們看待生命的限制性，「我們常以人的生命方式去思考，然而透過數據去想像生命時，其實可以理解更多生命面向。」為模擬兒時養蠶經驗，他將養蠶紀錄轉為黑色剪影，加入養蠶場、博物館的背景影像中，再投影至養蠶缸，透過玻璃缸反射出的光影映照在白牆上，讓蠶的剪影與背景合而為一。他說明道：「希望觀眾在看時會以為裡面真的有蠶，後來才發現是蠶的影像，並體會到生命有時會介在半實半虛的狀態。」 作品〈蠶寶寶回家了〉以作者小時候養蠶經驗出發，以數據影像的方式呈現，試圖表達人們飼養蠶寶寶的經驗，大多來自如教育或經濟等因素。 圖／徐銘謙提供觀眾林沛瑤表示在觀看作品〈觸碰遊戲〉時，一開始對不自然的手勢感到疑惑，但後來發現它是AI對徐銘謙作品的再詮釋，當生成出的手勢映在白牆時，他說：「這樣的型態讓我覺得他是個生命體，但卻無法辨識出究竟是什麼。」觀眾f_1（化名）則提及〈蠶寶寶回家了〉起初讓他以為是投影強光照出活蠶的影，但走近後才發現原來是個誤會，「影像裡資訊滿溢的活力和玻璃箱裡原始物件的靜止，這樣的對比給我很深的印象。」

【記者許如鎧綜合報導】雜沓的聲響在空間中迴盪，磨石子的地面上散落著陶瓷製成的葉片，彷彿記憶中的老家在眼前拼湊。國立臺北藝術大學美術學系碩士班創作組學生彭思錡與楊祐丞舉辦創作雙個展《隔壁的A口 / 微軀》，透過聽覺與視覺兩種體驗，再現家屋空間的碎片。展覽於13日起在福利社 FreeS Art Space展出。 展覽作品〈家屋與天地－角落I〉靜靜地在〈家屋與天地－樓梯〉一隅斜倚著，如家中那個不起眼卻始終存在的角落。　圖／許如鎧攝「我對那些生活中的痕跡是有感覺的，我想把那些痕跡給保存下來。」創作《微軀》的彭思錡解釋，在他的展區中充滿「磨石子、階梯、壁癌」等元素，如〈家屋與天地－樓梯〉就是以磨石子工法製成的作品，一旁陳置陶瓷製成的人造壁癌〈壁花〉、陶瓷與生漆為原料打造的〈家屋與天地－角落I、II、III〉等等，都為展覽空間增添居家的熟悉感。他表示，在他的藝術世界中，那些在生活縫隙的痕跡皆散發著格外不同的光芒，也因此他希望能將這些零散的細節加以保存，讓生活片刻能以藝術的形式成為永恆。而展區的另一頭，是與《微軀》相呼應的個展《隔壁的A口》，楊祐丞透過再現生活中細碎聲音，將展區空間構築成更加完整的家屋世界。「我更針對於聲音的部分。」楊祐丞說明，如作品〈Randy11〉是以吊扇的樣貌呈現，由於住所緊臨大馬路，因此窗外大卡車呼嘯而過時，家中吊扇便會輕微擺動而發出搖曳的聲音，這項作品以再製吊扇聲響，呈現自身的住家經驗。觀展民眾葉佐駿說：「透過聲音來詮釋家屋空間是很特別的方式。」 展覽作品〈Randy11〉以吊扇的形式呈現，可以看見他細微的擺動，如乘載著藝術家的創作脈動。　圖／許如鎧攝除了合作藝術家的身分之外，彭思錡與楊祐丞同時也是伴侶關係，而這層連結也讓兩人產生不同的感觸。楊祐丞表示，在相處過程中，會發現對方能補足自己有所不足的部分，也會希望可以共同完成一些事情，而在創作過程中，彼此也都在感受著對方的創作脈動，「像是接觸式麥克風依附在某個東西上，可以去探測他的震動。」楊祐丞說。 目前就讀國立臺北藝術大學美術學系碩士班創作組的創作者彭思錡與楊祐丞。　圖／許如鎧攝彭思錡與楊祐丞分別透過「有形」和「無形」的方式呈現家屋空間乘載的細節，從台灣人熟悉的磨石子地板、牆上的壁癌與展區一隅的陶瓷葉片，到以噪音裝置再造的生活雜音，他們將逐漸泛黃的回憶再一次於展區構築，「我們是想要營造一個家屋的空間。」彭思錡說。

【記者賴辰瑀綜合報導】在工廠的輸送帶上，一顆顆鮮紅的肝等待面試進入器官大學，而畢業的唯一條件，就是讓肝發黑。這是銘傳大學數位媒體設計學系學生陳冠廷及林群鈞的畢業作品「歡迎來到肝大」，入選「2019未來之星：遇見過去和未來」台灣動畫短片全台聯映計畫，並於21日在西門紅樓播映。 「歡迎來到肝大」海報，校訓為GO BLACK or GO HOME，讓肝發黑，否則就回家，象徵爆肝生活。　圖／陳冠廷、林群鈞提供在作品中，兩位作者創建一所與現實相反的器官大學「肝大」，當中的學生都認為不健康才是正常的現象，例如片中因熬夜而發黑的肝，用來反諷自己走過的爆肝大學生活。陳冠廷及林群鈞共同說明，作品理念發想來自設計系學生常在熬夜做作品時，口中喊「今晚爆肝」，便創作此畢業作品，為自己的大學生活及曾經走過的教育體制留下回憶。 進入肝大的面試過程裡，每位學生都是一顆肝臟，陳冠廷表示，學校像一間工廠，而學生像在輸送帶上大量製造的商品，等著被多項的程序檢驗。他們明瞭教育體制缺乏彈性及適性化的特質，在作品裡利用標準化的工廠輸送帶，表現學生在體制束縛下，失去最重要的思考能力。面試過程的畫面中，他們也選用歌曲〈Another Brick In The Wall〉，安排與歌曲相似的節奏與場景，以表達若不跳脫框架，學生就會成為工廠中大量製造商品的一部份。 作品中也放進大學的交友經驗，林群鈞利用「培根」和「肝男」兩位個性差異極大的角色設定，分別為外向與內向的性格，來說明大學生進入團體時產生的掙扎。觀影民眾、國立政治大學地政學系張旻蒨看完影片後，也對作品中提到的大學交友過程產生共鳴，她表示，自己曾盲目地參與團體生活，缺少與自己相處的時間，「好長一段時間沒問自己喜歡的是什麼。」 「過程中最難的部分是，要將所有想傳達的資訊塞入短短九分鐘的作品裡。」陳冠廷指出，如果仔細看，可以發現片中包含很多細節。他舉例，作品中為了呈現肝大校長撲殺學生，在場景裡放上老鷹及瓶瓶罐罐的內臟殘骸，象徵健康的肝一點一滴遭到毀壞，以呼應希臘神話中，普羅米修斯為偷火給人類，被宙斯處罰，將手腳鏈銬在石頭上，每天都會有老鷹來啄食他的肝。 於影片結尾，發黑的肝臟都在畢業的同時爆炸，只剩下用馬克筆把自己塗黑的「肝男」與「培根」留在原地，象徵成功逃脫僵化的體制。陳冠廷說：「畢業等同進入社會，爆炸用來表示在大學四年好像渾渾噩噩，什麼都沒學到。」他藉此反思在教育體制下，學生對於畢業後的生活感到徬徨。

【記者吳佩容台北報導】廢棄的遊樂器材隱藏在一片芒草中，淺淺的紅、藍線條勾勒著每一幅畫作的輪廓，戴上3D眼鏡後，畫中的景象變得立體。就讀國立台灣藝術大學美術研究所的蕭博文，在金車文藝中心南京館舉辦自己的首次個展《遊「棄」區》，描繪90年代時盛行，而今已沒落的遊樂區。 純白色的牆面打上暖色系的黃光，一排作品並列，整體風格呈現出畫家想要表達的回憶的感覺。　圖／吳佩容攝畫中是一圈圈忽高忽低的紅色雲霄飛車軌道，整幅作品蒙上微微的灰色調。〈大同水上樂園（三）〉是蕭博文最滿意的作品之一，「這個作品在分色立體技術上使用得最為成熟，也是我童年最深刻的回憶之一。」蕭博文表示，小時候時常會到外公家附近的大同水上樂園區探險，長大後看著樂園一座座沒落，心中便有了保留樂園樣貌的想法，「我相信這是許多台灣人都有的記憶。」蕭博文在許多作品旁會附上畫中樂園所在的地址和路線指南，如同旅遊雜誌上的景點介紹。其中很多地方蕭博文親自到過。「看看過去，回想現在。」這是他希望能帶給觀眾的感受，「也許觀者看到我的作品也能夠觸發一些過去的記憶。」 蕭博文(右)在講述畫作中的景象原先的用途、現在的情況和他在每一幅畫作中曾經發生過的故事和回憶。　圖／吳佩容攝為了準備此次展覽，蕭博文翻遍90年代的舊雜誌，偶然發現老舊雜誌上的照片都十分模糊，因此觸發他使用立體分色技術的想法，此技術亦讓他想起小時候去過的遊樂園會播放的3D動畫。他花費了半年的時間，研究立體分色技術，每幅畫作皆花費一周以上的創作時間。觀眾李品宏認為，〈臺影文化城（一）〉讓他印象最深刻，「它以人頭為入口造型讓我想到高雄蓮池潭的龍虎塔，小時候常常去玩，因此看到這幅作品有點懷念。」他也表示，展覽作品的用色復古，像他兒時印象中的顏色。蕭博文則希望，作品除了能喚醒觀者的童年回憶，也能讓大家更了解過去台灣的文化風景。 觀者走過木質長廊，沒有帶3D眼鏡，依然能夠觀賞牆上的畫作，會體現出不同的感覺。　圖／吳佩容攝

【記者黃郁期綜合報導】20日上午十時，一群緬甸華僑聚集在新北市中和區華興街的一台行動書車旁，以緬甸文高亢地朗誦著故事書，引起一旁人們的關注。這是華夏科技大學和中華民國緬甸歸僑協會舉辦的「在緬甸街遇見蘇格貓底東南亞行動書車」活動，吸引素有「緬甸街」之稱的華興街居民前往參加。 停在新北市中和區華興街的「蘇格貓底行動書車」，在地居民前往翻閱書車裡的書。 圖／黃郁期攝 「蘇格貓底行動書車」內部有許多書籍，也有供民眾休息之處。　圖／黃郁期攝行動書車是綽號「貓哥」的林群先生所擁有，車上的書籍以東南亞語種的占大多數。在這天的書車活動裡，滇緬華僑們因為可以閱讀家鄉熟悉的語言，並透過與他人分享緬甸文字與傳統故事，喚起他們對緬甸的記憶。身為緬甸華僑的李惠玲說：「真的非常感動，這個活動好像讓我們把家鄉的東西都找回來了。」 緬甸華僑於行動書車旁朗誦行動書車內的緬甸文書籍，圖中人物為緬甸歸僑協會理事長張標材。 圖／黃郁期攝新北市中和區南勢角一帶的緬甸華僑因為軍政府的排華行動，在60年代開始逐漸移居台灣。緬甸歸僑協會理事長張標材說道：「當時華人經營的商店和就讀的學校都被收歸國有，華人很難生存。」他進而表示，許多人輾轉來到台灣的南勢角，在口耳相傳之下，定居的人口越來越多，就形成了今天南勢角以「緬甸街」聞名的滇緬聚落。 位於華新街周邊的華夏科大，致力於將滇緬聚落特色形塑成中和區的特別文化。校長陳錫圭說：「大學本身是一個學術單位，比較容易推廣與塑造文化。」他進而表示，現階段而言華新街對於大多數人只限定於特別的飲食文化，但透過「行動書車」與其他類似的活動，可以將滇緬的人文特色與民俗風情也推廣出去，將在地文化的層次拉高。本次活動策畫人、華夏科大研究發展處研發長蘇聖珠也提到，希望藉由活動增進在地居民與學校的連結，提升社區學習氛圍。 華夏科技大學校長陳錫圭（左）與綽號貓哥的林群（右）一起舉辦「在緬甸街遇見蘇格貓底東南亞行動書車」。　圖／黃郁期攝藉由此活動，學生能夠更了解東南亞文化的特色。中華民國緬甸歸僑協會秘書、華夏科大緬甸文老師的李惠玲提到，台灣學生對於緬甸文化感到陌生，可藉由認識該文化提升學習興趣。華夏科大學生何宗輿表示，平常不會接觸東南亞的文化，「這次活動可以更加了解他們，而不是停留在眾人的刻板印象。」 

【記者劉蘭辰台北報導】《復甦術—村眠不覺曉》在台北市北投中心新村將軍府開幕，展出眷村文物與駐地創作藝術品。六位藝術家中，國立臺北藝術大學美術學系碩士湯雅雯、魏柏任用系列裝置與空間陳設等，將當地歷史元素融入創作，反映個體如何受社會結構支配、生活與遷移。北投中心新村為「國軍老舊眷村文化保存區」之一，是台北市少數完整的眷村。此地除保有台灣獨特眷村文化，還是全台唯一擁有溫泉與軍醫院的眷舍聚落。自從去年底村民全數搬離後，此展覽為該村首度開放，也是眷村四年期復興計劃的第一階段。 湯雅雯創作〈動力式肌肉刺激器〉，她將照片、算盤、矮櫃組合為肌肉刺激器，期盼帶出民眾對軍醫院的記憶。　圖／劉蘭辰攝展覽作品散落在將軍府的房間、畫室與車庫，表現迥異卻或多或少契合。〈動力式肌肉刺激器〉利用村民遺物結合醫療器材，藝術家湯雅雯將照片、算盤、矮櫃組合為肌肉刺激器，試圖觸發民眾對軍醫院的記憶。她認為駐地創作帶來靈感，困難的是如何讓村民及觀眾看懂作品。魏柏任以房間老舊的木櫥、鏡面與水罐創作〈不定的數種樣態〉，捕捉村中的溫泉意象。櫥中馬達驅使著「水」循環，象徵居民抗戰時的重要補給品、橫渡台灣海峽的不安，及村裡療癒的溫泉。「我尤其被這只傾斜的櫃子所吸引。」魏柏任表示，櫃子使他聯想到漂泊的眷民，及流動不安的水，最後由壁面螺旋狀的塗鴉發想出回流的水利裝置。 魏柏任以「水」象徵居民抗戰時重要的補給品、橫渡台灣海峽的不安，以及眷村中療癒的溫泉。　圖／劉蘭辰攝台北市眷村心文化協會執行長張中模指出，〈不定的數種樣態〉最打動其心，因為「水」成功詮釋眷民心理狀態，亦十分貼近普羅大眾。「我一直在思考人離開後眷村的未來出路？」他表示，身為中心新村第三代，希望以藝術將古老眷村化作年輕人的養分，賦予眷村新的歷史價值。