【記者劉倚瑄報導】「𝙻𝚘𝚟𝚎 𝚆𝚒𝚝𝚑𝚒𝚗, 𝙸𝚗 𝙴𝚗𝚌𝚘𝚞𝚗𝚝𝚎𝚛」，為國立政治大學跨界實驗室11月28日舉辦於藝文中心X咖啡館的期末展演。活動以探索自我為主題，由七組學生團隊發想不同的展覽和體驗活動，盼藉此帶領參與者重新理解自我。 本次活動為政大X實驗學院所開設的跨界實驗室課程期末展演，「課程期望學生在求學過程中，不僅具備理論與專業技能，也能多接觸與生活、創作相關的學習面向。」政大傳播學院課程教授陳文玲說道。展演以「探索自我」為題，盼學生從分享自身故事中，學會肯定、珍惜自己。七組學生團隊分別以笑聲、夢境、情緒、童年記憶和自我肯定等不同面向，舉辦不同形式的體驗活動。「我認為只有先說好自己的故事，未來才能更有力地承載他人的經驗與社會議題。」陳文玲說道。 沉浸式體驗「夢・見」，以惡夢為理念，打造展演空間。參與者需爬入一個充滿詭異燈光、低鳴音效與呢喃聲的壓迫空間，再穿過隧道，進入另一個播放著追殺、戰爭與兇殺案件等影像的狹小房間，團隊學生也在房間中扮演酗酒父親與精神不正常的母親，營造噩夢的緊張氛圍。「我們想與參與者分享我們的夢境，進而引起他們去思考自己的夢境，再現當時的情緒。」團隊成員蔡宜家、黃晨嘉說道。參與同學黃昊霖和陳智昊說：「空間被布置得像鬼屋，影片、呢喃聲和音樂都讓人害怕，使我更期待之後若以美夢與春夢為主題的展演會怎麼呈現。」 以調酒為核心發想的「傷心酒店」則為參與者創造一個能安心對話、擺脫日常的空間。團隊設計出代表不同生命故事的調酒，引領觀眾回望童年的歡笑與淚水，在微醺的環境分享彼此的故事。「隨著每個故事的感受不同，我讓調酒呈現出酸甜或苦澀的滋味。」團隊成員陳宣如說道。參與同學朱子元則說道：「酒精讓我更放鬆，也更敢在陌生人面前敞開心扉。在這裡，大家只是分享感受、尋找共鳴，讓情緒得以釋放。」 半預約制的「你是不是忘記你很棒」咖啡館，則讓參與者在品嘗不同飲品時，能夠同時聆聽咖啡館成員們找出自身亮點的故事，進而激發參與者反思、挖掘自己的優勢。團隊成員周鉦元說：「我分享的是自己上一段感情的故事，那時總覺得自己做得不夠好，但如今回望，我已經盡力，也做得很好。」此外，團隊也邀請參與者將自己的參與故事紀錄、傳承下來，近一步激勵更多人肯定自我。「我們希望大家在聽完故事後，能理解即使曾有遺憾，都是當時最好的自己，再小的事也值得被肯定。」團隊成員莊家欣、周鉦元說道。 在為期三週的展演中，學生以多元形式回應情緒、記憶與自我認同等議題。參與學生陳禹任表示，活動讓他重新發現自己的優點、理解自己的情緒。陳文玲則說道：「未來我們也將持續推動更多由學生主導的空間，讓學生能夠更自由的去展現自己。」

【記者林以晴新北報導】淡江大學通識課程「身體語言與環境探索」攜手國立臺灣大學創新設計學院「音樂合作的藝術與實踐」課程，與猴硐礦工文史館三度合作，8日於猴硐瑞三整煤場演出三部曲的最終章《映魂》，用學生們創作的歌曲和舞蹈，帶領觀眾進入台灣經濟起飛的黑金時代，悼念並歌頌因公殉職的礦工，同時傳達他們對礦坑的掛念。 演出分為〈熄聲〉、〈晟晞〉、〈礦．望〉、〈徊想〉、〈煥魂〉五段曲目，淡江學生負責舞蹈編排，臺大學生則擔任音樂創作。淡江日本語文學系三年級學生陳奕安分享，舞蹈設計大多參考礦工的日常生活，先以抽象方式表現礦工的心境變化，再加入挖礦、敲打等具象化動作，呈現礦坑真實氛圍。他說：「這已經不是一般的舞蹈表演，我們在用身體說故事。」而在音樂創作上，臺大學生融入了石頭敲擊、鐵道、樹枝等聲音元素。臺大電子工程學研究所碩士班一年級學生張全恩認為，他們所創作的音樂最主要目的在呈現情緒，把氛圍營造出來後，再搭配淡江同學創作的舞蹈，兩者配合之下才能精確表達想傳遞的訊息。 淡江俄國語文學系學生黃安麒在觀賞完演出後分享，大部分人來到猴硐只為了觀光，很少關注台灣礦工歷史，展演的主題別具意義。新北市礦業退休人員交流協會理事長周朝南在演後座談中哽咽說道：「那些死亡的兄弟現在都躲在角落和天花板上，看這場演出，但他們沒有哭，他們會笑著感謝他們的故事，能在台灣煤礦消失幾十年之後傳承。」新北市猴硐礦工文史協會理事長柯茂琳也表示，學生們很好地詮釋了礦工生活，他們看完演出後都深受感動，也感謝學生能用藝術形式推廣礦工歷史。 此次展演計畫在臺大創新設計學院助理教授蔡佳芬、淡江通識與核心課程中心副教授吳文琪，兩校老師的合作下誕生。吳文琪表示，在到猴硐參訪時，被當地礦工長輩的故事感動，因此希望透過這個計畫，讓學生了解礦工們被遺忘的生命故事，並為礦工帶來慰藉。蔡佳芬也認同道：「希望學生知道，他們的創作能為社會做出貢獻，是很有力量和說服力的。」參與演出的學生都不是藝術專業科系出身，多數人是初次進行音樂與舞蹈創作。吳文琪認為，正因為學生沒有經驗，在他們創作的舞蹈中，能看見個人的生命歷練，是不同科系學生生命力的合成，呈現出更豐富的作品。 展演三部曲歷經過去兩年的《返照》與《迴望》，今年迎來最終章。吳文琪解釋，此次終章是給礦工長輩的獻禮，也是一種傳承。蔡佳芬補充，他無法肯定這次的展演是合作計畫的逗點或句點，更像是一個開放性結局，希望未來可以繼續發掘更多台灣其他的議題和故事，讓學生們有機會將對音樂和舞蹈的熱愛，與社會和在地文化相結合。

【記者周依恩高雄報導】嘹亮的吟唱聲穿透黑夜，伴隨著族人的歌聲與步伐，迴盪在每一位觀眾心中。國立高雄科技大學於6日舉辦「Mqwas唱出你的心——草地音樂會」，由高科大原住民族學生資源中心（以下稱原資中心）主辦，並由原住民傳承文化社（以下稱原傳社）廣邀南部地區大專院校原住民青年共襄盛舉。草地音樂會為原民月系列活動的壓軸，緊扣原民月「泰，想找回你的inlungan（註）」主題，希望透過樂舞文化交流，凝聚原住民青年的文化認同，也增進學生對族群文化的認識。 註：泰雅族語inlungan有「心」的意思，也可以代表一個人的個性特質、情緒、思維等心靈活動。 草地音樂會邀請南部各校原住民青年，一同穿上族服，輪流以舞蹈、古調吟唱、口簧琴、自創曲等不同形式，演繹泰雅族、卑南族等族群代代傳唱的部落歌謠，展現族群過去生活的歷史記憶。應邀參與並呈現卑南族傳統歌謠的國立高雄師範大學SAPUY撒布依青年會長沙煥庭表示，傳統歌謠的展演不只是在舞台上，這些部落歌舞可能來自童謠，或出現在工作、聚會及婚禮等時刻，體現了部落生活樣貌，並把人帶進傳統生活之中。 原傳社在草地音樂會中帶來六首傳統歌謠演出，為此他們邀請傳源文化藝術團講師，指導泰雅族傳統樂舞的唱法與走位，藉由深入理解歌謠所傳達的文化意涵，舞出泰雅族部落長老會議、家庭婦女等生活意象。畢業於高科大會計資訊系，過去曾為原傳社幹部的黃家榮感動地分享，參與演出的團員中僅有兩位是泰雅族，多數人都是從頭學起。「文化的種子已經扎根在他們心中。」他說道。他認為，文化是一種知識，他樂見不同族群的學生突破身份限制、一同付出心力學習泰雅族傳統。原傳社公關游琇如回憶起學習歌謠的過程，他認為即使自己沒有原住民的身份背景，但大家齊聲開口合唱時，總會使他感到歸屬。「原住民的歌謠與舞蹈是很有感染力的。」他說道。身為漢族的他看見文化傳承的重要性，因此樂於結交原住民族朋友並深入認識不同部落文化，「每一族的語言、服飾、傳統等，都是台灣重要本土文化，應該被保留下來。」他說道。 高科大原住民族學生資源中心專任助理余柔昀解釋，inlungan有「心」的意思，而泰雅（atayal）具有「真正完整的人」之意。原民月推出系列課程活動，從建築工藝、紋面、飲食、文學等多樣的文化面向，希望建構學生的族群認同。「希望學生可以藉由做中學，慢慢找回原先破碎或需要被修補的心。」他說道。原傳社長Simoy Aniw感慨說道：「其實原住民中，有人不承認自己的血統，而有人想要找到自己的根，卻不知從何找起。」他指出，現在很多原住民並沒有在部落的生活經驗，因此對於自身的原住民身份感到迷茫。在都市長大的高科大文化創意產業系學生Ciwas Suyang認為，自己和部落長大的原民學生間總有些隔閡，「我不像他們，他們真的很『原』。」他說道。在原民月的課程中，他看見了原住民多元共融與正向的精神，激勵他踏上追尋自身文化根基的旅途。 除了幫助原住民學生追溯自身的傳統部落文化，原民月系列活動也希望促進非原住民對原住民族群的理解。Simoy Aniw指出，現今社會普遍還是存在許多對原住民的歧視及貶低，有時連原住民都會互相歧視。「不求大家馬上改變刻板印象，但求大家尊重我們。」他說道。游琇如也坦言，雖然政府有在推廣原住民傳統文化，真正投入並了解部落生活的非原住民仍不多。他期望未來每年都有公開舉辦的原住民樂舞展演，讓學生得以藉音樂與舞蹈交流，親身感受原住民文化的深刻精神，並理解儘管原住民是少數，卻真切地與大家共同在校園裡生活、交織出台灣豐富的文化內涵。

【記者周元曦台中報導】台中市中區區域原住民族學生資源中心聯合中區各大專院校，於11月30日舉辦「原流——當代原青在時代洪流中的處境」活動，期望以論壇結合市集、社團展演形式，凝聚原住民學生的向心力、深化原住民學生對自我文化的認同、展現各大專院校原住民社團的推廣成果，並實踐全民原教。 此次活動以「原流」為主題，主辦方國立中興大學副學務長凃宏明表示，希望原住民青年無論身處何地，都能記住並延續原住民族的精神。活動上半場以「當代原青與過往文化的衝擊」與「看見部落多元性別」為題，探討現代原住民青年所面臨的衝擊，以及多元性別族群在社會、部落甚至宗教中的處境。下午則更進一步探討原住民族傳統文化與法律的互動，最後透過分組討論，讓與會的每位原住民青年發表反思與心得。 中山醫學大學醫學系學生古林提及，身為原住民青年的他也試圖想要學習原住民傳統，但現在身處的環境常讓他感到錯亂，「我們一直強調要『復振』部落文化，但其實隨著時代不同，原住民飲食、穿著以及語言也一直再改變。」他說道。他表示「傳統」的定義非常模糊，現在年輕人能做的就是盡可能學習，並以自己的方式重新詮釋。另一位論壇學員美美（化名）則對於多元性別議題講座非常期待，「我本身就是多元性別族群。」美美坦言道。然而迷茫的他不敢與家人坦白此事，因此在參加活動時更有感觸。此外美美也強調，原住民多元性別族群相對一般原住民來說，更容易遇到挑戰，「因為『原住民』和『多元性別』這兩個標籤都遭社會污名化，兩個標籤加起來讓我們不管去哪裡都無法被平等對待。」他說道。 談及在現代社會中，原住民青年是否對部落傳統文化的興趣漸減。現就讀中興大學國際農企業學士學位學程的何尹雲衿持反對意見，他認為現代青年都在努力將當代流行結合傳統文化，並碰撞出屬於青年世代的新特色。晚上的原住民社團表演也展現了青年文化融合的成果，有些社團以國外流行曲目再現傳統舞蹈；其他社團則是加入了非原住民學生一同參與，不僅呈現學生的活力與對原住民文化的熱忱，也體現不同文化之間的互動交流。 「原流」活動透過論壇、市集和表演，讓原住民青年思考如何平衡文化傳承與時代變遷。不管是對傳統文化的新詮釋，還是對多元性別議題的探討，都彰顯了他們勇敢面對挑戰的態度。活動不僅加強原住民青年與彼此的連結，也讓更多人關注並理解原住民的文化與處境。

【記者林沂葳台北報導】吶喊包裹在塑膠袋中，伴隨著捷運影像與聲音的閃現，震撼且壓抑的氛圍籠罩全場。今年關渡藝術節系列活動《222M》，11日至12日於國立臺北藝術大學舞蹈廳演出，以「台北捷運潛水夫症」事件為主題，透過傳統音樂、舞蹈及文學的跨域合作，讓觀眾用藝術的方式感知事實。 1993年捷運台電大樓站到公館站一帶滲水，捷運承包商決定加入壓氣工法施工，卻因減壓不當，導致工人處在異常壓力下，陸續患上潛水夫症等併發症，終身無法根治。北藝大傳統音樂學系、舞蹈學系、文學跨域創作研究所三系學生，以來自花蓮的工傷者為角色原型，於去年首次跨域展演《222M》。而今年團隊在實際走訪工人們的家鄉後，看見他們回歸樸實農村生活的模樣，特意加入「回歸」的元素，將原先較為尖銳、憤怒的版本，改以柔和溫馨的方式呈現。北藝大傳統音樂學系的林函昀說：「我覺得今年的演出就像一個句號，我們不用再去思考目的，而是以歷史的角度來看待。」 為將現實中工人們抗爭、回歸家園等狀態融合至舞蹈裡，演出過程中，舞者會隨著劇情走向而變換舞姿的力道，例如在展現工人們抗爭時，舞者們便以快速奔跑、跳躍的動作，彰顯其憤怒的樣貌 ; 而在後半段，演繹工傷者與家眷遇病痛也不離不棄的感情時，團隊便將舞步調整得較柔緩且輕盈，並以男女群舞及雙人舞呈現。就讀北藝大舞蹈系，也是主創團隊之一的蔡博鴻說：「雙人舞描述工人們回到農夫生活的狀態，最後男生們轉身站起來看向遠方，代表他們心裡仍有一份驕傲。」儘管具層次感的舞蹈張力，讓觀眾專注於表演帶來的氛圍，但為了避免強行輸出感受，北藝大傳音系教授蔡淩蕙補充：「我們不想規定觀眾怎麼想，所以在表演上有一點模糊性。」例如蜷曲的肢體可以定義成痛苦，也可以定義成掙扎。觀眾小香（化名）說：「用藝術的形式呈現，可以讓我們從別的觀點重新看待事件。」 演出當中，在三種藝術裡找到各自的價值和定位很重要。至於傳音系的作法是，用音樂傳達氛圍，例如傳音系使用的樂器，前期在舞者抗爭吶喊時搭配鑼鼓，使氣氛變得熱鬧沸騰；後期吹奏洞簫，空靈的音色呈現工人回歸自然生活的橋段。另外，由林函昀獨自彈奏的中東樂器烏德琴（Oud），有別於其他合奏帶來的豐富性，林函昀表示烏德琴不突出的音色，配上較為緩慢平靜的節奏，「就像一位說書人，不是故事的主角卻又在描述這件事情。」 「血是如何變慢的，這城市是如何變快的。」這是演出開頭不斷重複出現的一句詩詞。文學跨域創作研究所的梁家恩，刻意減少晦澀字詞，以簡潔有力的字句表達，因為捷運的興建，城市交通逐漸發達，但工人卻患上了潛水夫症的諷刺。而談到詩詞的傳達方式，梁家恩說：「我不想用太直接的控訴，所以從物質進入，比如談病症（血）、大環境（城市）。」 演出的結尾，布幕投影工人與妻子牽手在金針花海中散步，廳內環繞水流聲及鳥鳴，訴說著工人們如今的生活。連續兩年參與製作的梁家恩希望透過《222M》可以撫慰工人的心，也藉此讓觀眾了解「台北捷運潛水夫症」事件，避免在追求工程效率時，忽略勞工權益問題。

【專題記者劉亭妤、張博涵、羅子恆、吳凱西綜合報導】行走在各色燈光堆砌而成的道路上，腳步伴隨滑鼠聲噠噠，朝著演唱會場前進，倏地，在服飾店前停下，線上付款購買歌手聯名款服飾並一鍵換上，唯有身著這件衣服才有擠進搖滾區的資格，粉絲身影之間凝結出屬於彼此的認同感。此時，門鈴聲一響，才驚覺原來剛剛所經歷的，是虛擬角色帶領自己享受的一場線上演唱會，而手上剛送來的包裹中裝著沉甸甸的衣裳，和方才虛擬世界中所著一模一樣，享受音樂的快樂也因此得以延續到現實。幾坪大的否極泰來音樂股份有限公司裡，執行長李漢群在採訪進行中丟出他的大膽想法，那是他對音樂元宇宙的想像：設定虛擬角色，在參與虛擬演唱會的過程中體驗「現實」與「非現實」交織而成的嶄新體驗，「我們會去想一些有趣的事情，或者是從裡面去開發一些商機。」李漢群深信流行音樂產業能引領社會，相信創新想法就像他所熱愛的音樂，只要彈奏出第一個音符，所有的想像都可能接連發「聲」。不只開發商機，也創造專屬虛擬世界的音樂體驗，觀眾能隨意走向鼓手，或者靠近吉他手，玩轉音源、體驗不同樂器的音量組合，「所以在音樂的設計上面，可以做各式各樣的玩法，它就已經不是我們平常聽到的音樂。」背對窗戶的辦公桌前，如此的想像已經不知道在他的腦中上演了幾回，若時序流轉回十年前，這樣的天馬行空猶如癡望夜間點點星光，如今，隨著新虛擬科技日新月異，畢書盡於民國109年出道十年之際嘗試運用VR技術舉辦演唱會；隔年A-Lin在360度投影空間創造沉浸式展演；同年Julia吳卓源與婁峻碩SHOU共演《在田星球－翻玩音樂趴》XR音樂節目；今年，五月天舉辦突破三維空間、以元宇宙為概念的《陪你跨年線上演唱會》...，音樂人紛紛嘗試虛擬形式展演，漸次走上音樂元宇宙的實踐之路，創新的想法得以像真切可觸的燈火，被捧在手心感受。 A-Lin去年攜手音訊品牌「Soundcore聲闊」演出《Soundcore聲音夢境：A-Lin線上音樂會》，創造出兼具視覺、聽覺的沉浸式體驗。　圖／展演製作團隊FREES 自由設計創意總監馮建彰提供疫步藝腳印：疫情成虛擬展演推手新冠疫情邁入第三年，即使疫情控制不斷被各種變種病毒打回原點，在一切看似沒有明顯地好轉的低迷時局，虛擬科技產業卻得到蓬勃發展的空間。「隨著科技本來就會線上化，但因為疫情，加速了這個產業的發展。」李漢群回憶，在民國109年疫情爆發之初，表演邀約陸續取消或延期，原先預估半年能有10場表演，突然之間只剩下一、兩場，表演模式也改成線上展演，「2020年疫情剛開始，就是在嘗試替代實體表演形式，那是一個轉型的情況。」旗下藝人YELLOW黃宣不只接觸LINE線上演出，也多了BEATDAY虛擬展演的合作機會，從單純的實體表演線上化，轉變成一種結合全息攝影、VR、AR、XR等新科技技術的表演與互動形式，透過立體建模、特殊的攝影方式，在觀賞體驗上創造更多種可能。展演製作團隊FREES 自由的設計創意總監馮建彰也期待虛擬音樂展演的未來發展，「我曾經有這麼想過，這（虛擬音樂展演）就只是因為疫情關係的替代品，但沒想到疫情到第三年還沒有結束，然後這樣的產品看起來好像在發展中。」樂樂欲視　藝人融新科技創出多元演唱會實際走到表演前線，我們看見藝人運用不同媒介、場域，展演的各種虛擬演唱會。金曲音樂人阿爆就曾在「双融域 AMBI SPACE ONE」舉辦《聲．森不息》虛擬演唱會，視覺上用虛擬影像360度呈現壯闊的自然場景，阿爆則在其中擔任領航者，帶領現場觀眾一邊漫步在海面、森林、山谷中，一邊聆聽著歌手嘹亮的嗓音。阿爆認為虛擬技術再現了他對自身作品的視覺想像，「視覺設計的根基都是從我的音樂去發想、延伸，再被其他人重新轉譯，那也會有他們自己的靈魂在裡面，我覺得是很特別的一件事。」相對於《聲．森不息》用實體空間展演的方式，饒舌歌手蛋頭則和我們分享截然不同的演出經驗。他去年曾與虛擬實境音樂平台BEATDAY合作，出演《大嘻哈時代》全息投影演唱會。BEATDAY將演出場景打造成末日西門町，觀眾能在家使用電腦，以遊戲角色的身分在此元宇宙中穿梭、飛行，獲得360度的觀看體驗，還能更換角色服裝和髮型，而演出者則是以3D全息投影（註二）的方式在場中央饒唱。初次接觸虛擬表演的蛋頭興奮地說：「我覺得蠻新奇的，最後看到成品也覺得很帥！」註二：3D全息投影又稱為全像投影、全像3D，利用光線原理紀錄與呈現真實立體影像，使用者無需配戴任何眼鏡或頭盔等特殊設備，僅用肉眼就可看到立體虛擬人物或物件，此技術可用在展覽、商演、娛樂、交通工具展示等場合。而上述的線上虛擬演唱會常採用「多視角」進行場景設計，除了舞台正前方的視角外，還有主唱、導演、側邊或後台等視角供觀眾探索。李漢群更透露，在黃宣未來虛擬演唱會的DEMO中，觀眾能透過手指或滑鼠調整觀賞角度，「我就直接轉到樂手的臉前面去，還可以看黃宣的光頭後面到底是怎樣，這個就會很有趣。」然而面對新型態的演出方式，歌手及音樂產業工作者們都仍在摸索、學習。阿爆分享，歌手在虛擬演唱會須注意許多有別於傳統演唱會的細節，例如在綠幕前與鏡頭互動時的距離掌控，也要讓肢體習慣面對鏡頭。蛋頭也提及在綠幕攝影棚中演出時，因自己的造型不適合後期製作，須當下臨時更改，「它細節要求蠻多的，我原本蠻喜歡我的造型，但我的頭髮比較不好掃描，所以我後來改戴黑色的頭巾，也因為身上有一些衣服顏色比較接近綠色，會被綠幕吃掉。」 《大嘻哈時代》全息投影演唱會團隊前期在360度綠幕攝影棚中拍攝歌手表演，後期再將歌手製作成虛擬替身並融合遊戲引擎，打造音樂元宇宙。　圖／饒舌歌手蛋頭提供雖有許多細節待適應，演出者對新型態展演多保持正面態度。阿爆表示更多樣的展演方式是必然趨勢，蛋頭也說：「希望自己的表演方式愈來愈豐富，有新的、有趣的元素都會讓我想嘗試。」音樂製作人李漢群也積極看待變化，「藝人有一個使命感：他必須要帶領所有群眾和這個社會往更好的方向走，所以科技走到哪邊藝人就要走到哪邊，甚至藝人要去帶領科技去走向我們想要的地方。」他認為藝人必須跟著時代趨勢轉型、嘗試，才能讓自己成為流行性的代表。理想豐滿現實骨感　虛擬展演硬體、資金處處碰壁​​但當焦點轉回螢光幕後，卻能看見更多虛擬音樂展演的困難之處。以觀賞體驗來說，網速經常扮演關鍵因素，曾製作虛擬線上演唱會的馮建彰直言：「一慢的話什麼事都做不了，所以平台、硬體建置的網路要快是基本。」然而即使製作方的網速理想，接收方的網路頻寬不足，製作方的努力仍可能是徒勞，李漢群透露，「以個人化的手機來講，5G還是很弱，其實如果用過BEATDAY就知道，他（黃宣）在動作上面是有一點點卡的，有點lag這樣。」表演者阿爆解釋，若聲音、畫面產生延遲，將會導致觀眾無法感受到作品要表達的內容。此外，設備普及化也是難關，馮建彰指出，現在擁有頭戴式VR顯示器的人口比例不高，即使擁有顯示器也鮮少用作體驗音樂表演。在技術困難之外，馮建彰進一步說明製作方的成本考量。事實上，即使籌辦一場虛擬演唱會的花費比實體演唱會高出一些，也非製作方望之卻步的原因，真正的發展困境是成本難以回收：因為VR客群基數過少，且演唱會的受眾仍習慣觀賞現場演出，「這會不會回歸到演唱會是不是原本就該屬於現場的，你會很難去把它移植到虛擬上面。」所以虛擬演唱會是否能複製實體演唱會的模式？成果仍有待檢驗。除此之外，線上演出的付費機制也是成本難以回收的因素之一，華納音樂華語部行銷總監Catherine表示，票價的訂定還需要時間與觀眾共同建立價值概念，「要去小巨蛋或是要去北流開演唱會，你可能知道一張票3000、便宜一點的1600、VIP要4000，這些你是很有感覺的，但是一場線上演唱會，200你要出嗎？2000你要買嗎？」李漢群補充，因為線上演出大多都是免費入場，導致整體演出的收入僅靠廣告與贊助，甚至無法提供表演者該有的酬勞。最終產品的品質也影響民眾參與虛擬演出的興趣，馮建彰坦言，「這些虛擬產品其實是有的，但是拍攝下來的成果很糟糕。」但他將其歸咎於我國當前少有創作者在VR演唱會這項產品上努力耕耘，當未來更多人投入VR創作領域後，便有機會產製優秀作品；Catherine也認同這樣的展望，「以現在的角度來看2、3年前的虛擬音樂展演作品，會覺得有點好笑，這個產業、技術變化地其實真的非常快。」未來，當更快速穩定的5G網路涵蓋率提升、輕便又價格親民的VR眼鏡問世，虛擬世界的世代才會真正到來。夢想動畫企劃陳昶安認為，唯有在人手一副VR眼鏡時，元宇宙等虛擬型態的展演才有可能發生，目前BEATDAY的嘗試，僅是一場試圖提供大眾未來想像的實驗，並直指若是台灣要走到下一步，「技術一定要跑得比民生所能達到的程度還要快。」陳昶安身為虛擬內容產製團隊的一員，強調必須盡快完善場景設計、4D建模（註三）、動態捕捉等技術，台灣才能夠因應未來需求的發展。註三：利用多視角攝影機捕捉真實的人物動作 ， 再製作3D人物模型動畫。其攝影棚又分為綠幕攝影棚、LED攝影棚兩種。虛實共存開創展演無限可能　引領音樂產業步入嶄新旅程就目前的發展來看，實體演唱會與虛擬音樂展演仍是兩種不同的產品，任一方皆無法被取代。Catherine認為，實體和虛擬音樂展演存在著互補的關係，空間場域、互動設計與體驗上的差異，創造兩者並存應用的機會。國立政治大學傳播學院特聘教授林日璇強調，只有將內容做出差異，才能在疫情後持續吸引觀眾欣賞、參與線上虛擬音樂展演，「不建議把實體演唱會原封不動複製。」Catherine則解釋，當華納選擇要舉辦演唱會時，如何在兩者間衡量？即使藝人、唱片公司、音樂圈在疫情時代下仍然重視實體演唱會，「我們注重的還是當下藝人和粉絲的需求或他們最想要的關係。」華納音樂華語部目前也正在接洽虛擬音樂展演的案子。不過虛擬展演尚需與其他媒介結合才能趨近音樂元宇宙的多樣化特質，馮建彰提出兩大可行走向，他認為，在電玩世界裡產出虛擬偶像，或將真實偶像投放到虛擬世界中，都具備高度發展性，「這在國外都發生過，只是台灣還沒有一個電玩的產品能夠讓人進去辦演唱會，但我覺得這是未來的可能性。」直播化也是另一讓觀眾更易於接近虛擬演唱會及表演者的方式。Catherine想像未來或許也能利用區塊鏈技術，形塑演唱會文化，「以前我們去演唱會會到旁邊買周邊，那我們也可以把買NFT當作買周邊，打造一個元宇宙的概念。」 展演製作團隊FREES 自由的設計創意總監馮建彰認為，虛擬與實體演唱會不但不相衝突，還可綑綁銷售，「看完真實演唱會後你會回味無窮，你多希望回到家後你的偶像又在線上跳出來說我們繼續安可一個小時，這是兩種不同的產品，在賣門票的時候就可以一起行銷。」圖為馮建彰工作照。　圖／馮建彰提供相較於台灣，目前國外已在虛擬音樂展演領域累積許多經驗，例如Travis Scott曾與電玩《要塞英雄》合作，化為巨大的虛擬分身在遊戲中開唱；Michael Jackson過世後還在美國告示牌音樂獎頒獎典禮上「出演」。林日璇認為這些跨平台、跨時空的應用便是虛擬音樂展演的迷人之處，「這是實體沒辦法達成的事，觀眾看到就會覺得好酷，真的是未來世界的演唱會。」若要借鑑國外經驗，馮建彰認為台灣音樂生態尚缺乏追逐偶像的氛圍，「台灣現在的走向都在講創作、獨立樂團，沒有追星偶像，很難營造那種去追逐藝人的氣氛，產品就沒辦法太火熱。」並解釋，擁有大量粉絲的藝人才具備足夠的資源去靈活選擇音樂展演形式，粉絲規模太小便難以創造大型產業鏈。也正是產業發展未成熟，所以才使得台灣現階段多由影像產製端邀約藝人進行嘗試，而非藝人主動尋求合作，整體音樂產業在環境影響下，仍然普遍缺乏發展虛擬音樂展演的動機與自主性。對此，馮建彰建議，因華語音樂較著重歌詞的表達，若要擴大台灣音樂市場，或許能從外國華語市場著手。Catherine則認為產業動向終將順從消費者的需求，「不管技術怎麼改，最重要的就是消費者為什麼會想要看演唱會，音樂人、創意人都應該要對觀眾有更多觀察及了解，才能做出更感動人的東西。」當民眾與音樂能猶如耳機的兩端創造共鳴，屆時不論透過何種形式展演，才能都讓專屬於台灣的聲音在人心震盪不絕。

【專題記者黃弈軒、吳姿芳、單師樵綜合報導】水徐徐地流進杯裡，於手機九宮格畫面中呈現完美構圖，並透過網路傳送到觀眾觀看的螢幕，同時藝術家輕輕細語，引導觀眾參與展演的字句縈繞耳畔，「把心思跟動作緩下來，享受這十分鐘特別時空的洗頭經驗。」 藝術家張剛華在創作計畫《洗頭》中回溯成長記憶，並探討身分認同。　圖／明日和合製作所提供螢幕劃分為一格一格，藝術家手抹泡沫搓揉頭髮佔據主要畫面，右方呈現展演各個空間，檯燈點亮棉床，為幽暗房間注入溫暖，狹長廊道無人走動，揭示「洗頭」為親密時刻。藝術家將自身洗頭的記憶娓娓道來，觀眾也分享關於自己的洗頭故事。冷漠不再是科技唯一形容詞，藝術家與觀眾身在世界不同角落，卻能藉由數位裝置走向彼此。社群媒體與會議軟體如同雲中繩索，成為兩者之間的聯繫，相遇剎那擦出藝術火花，完成線上展演。線上展演順應科技潮流，即使缺乏實體互動，在藝術家的設計下仍給予觀眾參與空間，甚至創造出獨立於實體展演之外的獨特表演形式，成為表演藝術的新趨勢。線上展演打破時空疆界 螢幕兩端共享親密時刻當表演藝術透過線上呈現，表演者與觀眾之間隔著遙遠的距離，藉由數位裝置將畫面、聲音或文字傳送給彼此。社群媒體與通訊軟體成為線上展演的新媒介，表演藝術不再受限於固定時間與物理空間，讓藝術家的創作展現多元樣貌。明日和合製作所由三位劇場編導洪千涵、黃鼎云與張剛華所組成，於民國110年與23位不同領域的藝術家合作，推出線上展演《Surprise Delivery 和合快遞》，將包裹的概念延伸至觀眾欣賞藝術表演的經驗，藝術家透過社群媒體Facebook、Instagram、會議軟體Google Meet、Email和郵寄包裹等多元媒介把「表演」寄到觀眾手中，觀眾便開始與藝術家互動，完成線上展演。《Surprise Delivery 和合快遞》讓藝術家與觀眾同時在特定虛擬空間相遇，洪千涵說：「因為我跟你，在這個時空下，才有這個作品或經驗。」例如藝術家陳嘉微使用協作式數位白板JamBoard，以手繪圖案、文字與照片和觀眾交流生命經驗，最後創作出一幅專屬於藝術家與觀眾的畫。 藝術家陳嘉微詢問觀眾過往生命經歷，觀眾則透過文字、圖片等形式回覆。　圖／明日和合製作所提供收件者只知道快遞大致的到貨時間，在等待與收件過程中可能產生期待和驚喜的情緒，明日和合製作所認為觀眾情緒都是觀看表演經驗的一部分，他們特別設計購票機制，觀眾購票時只能選擇藝術家與日期，無法知道明確的表演時間，洪千涵說：「有趣的是時間幅度拉長，例如你買票是4月20日，然後你買的是洪千涵的，但是我沒有跟你約定是幾點幾分，用什麼樣的媒介在線上見面。」數位展演打破時間框架，藝術家與觀眾也能彈性選擇參與展演的地點。《洗頭》是藝術家張剛華從民國107年開始發展的創作計畫，於2021臺北藝術節中進行線上展演，並分為「參與式展演」與「講座式展演」兩種表演形式。在參與式展演中，他與觀眾在各自家裡透過手機以Google Meet互動，一起倒水、冥想及洗頭，他說：「透過洗頭，他們想到小時候的事情，分享關於洗頭這個觸碰的記憶。」線上表演型態不僅讓觀眾保有私密空間，更能與藝術家共同經歷親密時刻。觀眾參與《洗頭》的體驗過程，成為講座式展演的元素。張剛華同樣在Google Meet平台上以直播進行，呈現超過60位洗頭對象的故事，並利用多鏡位拍攝房間、廊道與洗手台等展演空間，讓觀眾用多方視角觀賞不同區域，「當下（觀眾）可以點很多不同的鏡頭，有比較完整的故事。」另外，《洗頭》充分使用會議平台功能，開放觀眾即時回覆文字與表情符號，使藝術家與觀眾即時互動，在交流的過程中共享「洗頭」經驗。 在《洗頭》的講座式展演中，藝術家張剛華帶領觀眾回到洗頭計畫的起點，講述計畫展開的原因與故事。圖／明日和合製作所提供線上展演扭轉表演形式 觀眾握主動權參與作品「我想要線上演出是一個全新的體驗、一個全新感受的東西，不是現場演出的替代品。」尚未在線上演出魔術前，魔術師周瑞祥對線上展演抱持負面看法，他說明魔術原先可以邀請觀眾上台、抽牌及選擇道具，並利用肢體製造魔術表演張力，但當魔術表演轉至線上，許多魔術原先以直播或非同步播放給觀眾欣賞，導致觀眾無法親身體會魔術的神奇效果，「在線上這些東西，幾乎砍掉原本魔術九成的東西了，所以只剩下那一成。」後來他實際發想線上展演，發現線上魔術反而能實現全新且有趣的互動橋段。周瑞祥藉由Google Meet與觀眾互動，並引導觀眾自己手搓撲克牌，一步步完成魔術表演。觀眾將撲克牌花色朝下，打亂、洗牌，再憑直覺隨意排列後，撲克牌未經魔術師之手，花色整齊區分為黑紅兩邊，不可思議地發生在觀眾電腦螢幕前的桌上。「魔術的核心概念是操縱觀眾的認知，只要能做到這件事情，換一個手段跟形式，在線上也可以成立。」周瑞祥說道。周瑞祥思考線上展演在未來的網路世界中，人與人之間將如何維繫情感溫度與連結，因此他在2021臺北藝術節演出《新人類計畫：明日人》魔術作品，寄送體驗包裹至報名者家中，包裹內容物為預言卡片、圖畫紙、鐵環、項鍊等魔術道具，讓每位觀眾自行在家中學會「明日環」魔術表演，周瑞祥教導觀眾用手指撐開項鍊的鏈條，將鐵環順著鏈條向下丟後，讓項鍊自動栓住鐵環。他期望利用線上形式，讓參與者親自操作魔術，實際體驗魔術的奇幻。在大多數人的想象中，線上展演是觀眾開啟電腦鏡頭與表演者互動，不過民國110年臺北兒童藝術節的其中一檔節目《名叫中間的地方：家庭旅行版》，反而藉由「聲音」作為表演媒介，邀請親子擔任演員，將自家空間打造為劇場，在家完成一場演出。《名叫中間的地方：家庭旅行版》由進港浪製作導演陳煜典與編劇邱奕嘉創作，碰上疫情才將實體演出轉為線上。雖然作品的表演空間遭到改變，但觀眾與表演者在線上仍維持「高互動性」。節目在Google Meet會議裡演出，主持人在表演開場及結尾與觀眾交流，而在表演中間播放事先預錄好的錄音檔，引導觀眾在家庭空間移動。陳煜典形容，家如同世界各地，而孩童扮演起探險家的角色，進入劇本建構出的平行時空，與家人一同在家中，藉由船鳴聲，自由發揮想像力，指出特定方向，前往探索並收集家中冰箱、廚房等周遭環境的物品，解開劇本中一層層的闖關任務。最後音檔播放結束，主持人再邀請觀眾分享體驗心得，驗收成果。 進港浪製作作品《名叫中間的地方：家庭旅行版》於Google Meet會議演出，主持人除了與觀眾交流、互動，更讓他們自由發揮，一同完成演出。　圖／進港浪製作提供「確實觀眾的主動性很高，但他有沒有更主動參與這個故事就是他的選擇。」陳煜典解釋，他在線上展演賦予觀眾高自由度及發揮空間，提高觀眾的主動性。因觀眾不再是坐在固定位置觀賞表演，可以選擇關掉電腦或中途離開，所以導演陳煜典、編劇邱奕嘉與演員在設計劇本時，開放更多空間給觀眾思考，不過他同時指出，觀眾是否更主動參與線上演出，則是未知答案。數位劇場打破單一視角　多維空間擴展觀眾想像在虛擬時空中，藝術團體更能藉科技技術，將表演擴展至一個舞台之外，進而讓觀眾不再只是利用單一視角理解劇情。進港浪製作的線上展演作品《神不在的小鎮》藉由二維、三維、四維空間擴展劇場的空間性，讓線上觀眾能以多重視角，理解劇本全貌。作品從名為「中正區」的小鎮發生自殺案出發，探討網路霸凌世界中，大眾在社群媒體只接受片面立場資訊，或跟隨大多數人意見的現象。觀眾打開線上演出平台，自由切換視窗觀看演出。「三維世界」為主故事線，導演切換鏡頭跟拍主要角色，演員在表演空間直播演出。而觀眾若想進一步了解演員離開主故事線後的想法，則可以切換至二維世界，輪流觀看不同角色在直播中訴說獨白，「這就像你在生活中為了要理解一個事件，你可能會去看不同評論者的言論或是新聞。他們都在講同一件事，但每個人都有自己角度的發聲。」《神不在的小鎮》編導、進港浪製作團長洪唯堯說道。他利用二維方式讓觀眾除了觀看節目的主故事線之外，還能深入理解每個角色背後的故事。另外，觀眾還能在四維世界以「上帝視角」進入3D虛擬空間，四維空間的場景與線下實景一模一樣，不過是以虛擬的形式呈現。洪唯堯說明，網紅統神在此空間以「天神」身份，用全觀的視角詮釋劇情，觀眾能在此空間內的線上聊天室互相交流，並線上投票決定劇情走向，「四維是意識可以更好交流的世界，你在現場看戲跟在遊戲世界的時候，會對同個劇本有不同的感受。」「第一關要克服的就是作品線上化，我要找到一個『第二現場』，就是觀眾明確地知道自己坐在家裡，而不是假裝在觀眾席，然後再強化他們在那個空間當下的感受。」 洪唯堯說明，大眾早已習慣觀看的直播、球賽就是第二現場的概念，因此他利用人們在異地閱讀、認識同一事件的行為，撰寫線上展演劇本。 進港浪製作線上展演作品《神不在的小鎮》突破傳統空間框架，讓觀眾以多種視角理解劇情。　圖／進港浪製作提供科技提升線上觀看體驗　表演者尋求新模式「觀眾的消費習慣還沒有培養起來，而且他們以前看表演也是為了享受在劇場空間裡面的感覺 ，所以線上的吸引力可能會低一點。」陳煜典指出，台灣的線上展演仍在起步中，還沒有被許多消費者接受。不過在現今的數位時代，洪唯堯也提到，越來越多藝術團隊開始關注線上展演發展的可能性。除了表演團隊開始從事線上展演，科技公司也著手讓直播系統更為完善。為了讓觀眾在線上展演得到更好的觀賞體驗，銓球感映股份有限公司也致力改善網路直播平台延遲時間過長的問題。銓球感映股份有限公司負責人王仲偉說：「在技術上我們可以做到三個小時內大概delay時間維持在三秒以內，那如果是一個小時，維持大概是一秒。」他們的技術不僅能縮短直播延遲時間，也能讓表演者與觀眾即時互動。另外，銓球感映也致力改善多視角切換技術，「因為多視角切換在現有的技術來講，假如說有四台攝影機，我從一號機切換到二號機的時候，中間會變黑，因為要重新reload資料。」為了讓觀眾在切換視角時，減少螢幕在觀看表演中途變黑的情況，他們也盡力開發順暢的視角切換方式，提升觀眾參與線上演出的體驗感。在疫情驅使的數位浪潮下，觀眾不必走入劇場，依然能在家中享受精彩演出，甚至與表演者產生更多交流，抑或是成為表演的一部份。隨著數位科技越趨發達，技術的發展無遠弗屆，周瑞祥看好線上展演的藍海市場，認為線上展演打破空間與國家的物理框架，將成為未來的演出趨勢，「我覺得線上演出能玩的東西比大家想像的多很多，自從我自己做過以後，我認為他的發展性是無限的。」 隨著數位科技發展，線上展演打破空間與國家的框架，或將成為未來的演出趨勢。　圖／進港浪製作提供

【記者黃亭茹綜合報導】陽光傾瀉在廣大的草皮上，藝術家隨著柔和的樂聲緩緩起舞。剛畢業於朝陽科技大學影像傳播學系的黃葻，在2021「淨土─國際行為藝術節」進行行為展演《提起我的腳，抬起我的腿》，從身、心靈融合為一的舞蹈中，享受生命的萌芽與凋謝。作品分別於4、5日在台北市寶藏巖地段和烏來老街發表。 創作者黃葻運用天賦般的靈活身體舞動，挑戰人的身體的極限美感與完整平衡。　圖／黃亭茹攝黃葻緊閉著雙眼，全心全意地投入自我精神與四肢的平衡狀態，隨著樂聲的流淌，他時而趴下至貼近草地、時而彎曲成拱門狀，動作隨當下的思考狀態而異。此次行為藝術節的協同策展人貝嶺說：「黃葻讓自己的身體承受力達到最大的極限，運用身體彎曲度、全精神投入的方式挑戰『極限』的美感。」他也補充，黃葻以女性的視角探討人的身體是如何透過自我挑戰，達到最完整的平衡。此次為黃葻首度公開的行為展演，即使他在學校主修影像傳播，也能運用與生俱來的身體能動性，以及天賦般的靈活四肢來舞動，舞蹈對他來說即是行為。他說：「我想要化自己為一隻小鳥，用行為展演的方式把生命的最初到結束，自然地展現出來。」黃葻說明，過程中的肢體設計是「完全即興的」，他認為，人們腦海中的想法無時無刻都在變化，故透過「無經設計的肢體展演」更能夠傳達出個人之於世界的變化莫測。他說：「用盡全力的感受同時抬起我的雙腳，是我對身體表示尊敬與感謝的方式。」也呼應展演名稱《提起我的腳，抬起我的腿》。黃葻補充，他在一次車禍後才開始投入肢體展演，在經歷重大手術後的雙腿竟還能做這樣神聖的事，他為此感到訝異。 當天陽光和煦，溫和地灑落於草地，賦予展演更豐富的層次與視覺效果。　圖／黃亭茹攝在展演當下，觀眾們有的放鬆地躺臥在草皮上、有的專注地直盯前方，欣賞著黃葻美妙的體態，一同體會如小鳥般從成長到死亡的平凡與美好。觀眾林柏均感動地說：「他看見了黃葻在展演過程中的極大勇氣，以及強烈的情緒渲染力，他一定很享受其中。」另一位觀眾蕭綺均則表示，展演者從原本的站姿，轉變為全身貼近地面的樣態，呈現身體跟土地的親密交織感，而沾上草的身體，讓原本散發神秘與肅靜的氛圍增添了一絲溫柔和寬容，不禁使他沈浸於黃葻柔美的肢體演出。自由展示身體於他人面前並不是容易的事，黃葻提到，誠實面對自己是他一直很想挑戰的事，過往藏在攝影機後頭的他，第一次把防護罩卸下，以最真實、最赤裸的心境與情緒展現在眾人眼前。他興奮地說：「我想讓觀眾有所『共感』，讓他們在觀賞展演時能有所感動。」他進一步補充，或許此次以直接的肢體呈現，也是一種表達、對話、宣洩與和解的方式。 觀眾們專注的看著展演，細細感受創作者黃葻的肢體展演所傳達出的情緒與意義。　圖／黃亭茹攝 

【記者羅子恆綜合報導】陰暗的環境中，一聲刺耳的高音劃破詭譎的氣氛，女王玩弄著全裸表演者們的每寸肌膚。由國防醫學院生物及解剖學研究所解剖學組學生張辰申所創作的《肉身計畫 Anatomical Theatre》，以行為展演、影像及圖譜的呈現，帶領觀眾反思BDSM文化（註）及肉身的相關議題。展覽於11月23日至27日在VT Artsalon非常廟藝文空間展出。註：用以描述與虐戀相關的人類性行為模式，其中包括束縛與調教、支配與臣服、施虐與受虐。 由創作者張辰申繪製的人體器官圖譜，透過各器官的呈現，讓觀展民眾更認識人體構造。　圖／羅子恆攝《肉身計畫 Anatomical Theatre》以BDSM文化為主軸，去呈現人透過痛來達到精神超脫的現象，與該文化背後的藝術想像。張辰申說：「像BDSM這種模糊邊界產生的遊戲性，反而在美學、藝術上有很多可能，因為具有非常多想像力在裡面。」他補充，《肉身計畫》無論是透過醫療、美學，或是情慾、物化等角度，都在探討生物工程、人體改造等議題，期望帶出人的本質以及對身體邊緣性的展現。 在矽膠牆另一側以投影呈現真實手術的情況，藉幾個片段的閃回，讓觀眾更了解BDSM文化。　圖／羅子恆攝行為現場分為四大主題，在音效方面，由三位樂手隨氣氛即興演出，透過不當使用混音器，使機器自體發出噪音，對比人被傷害的慾望亦是由內在萌發。演出中，真實手術的畫面於一旁投影，與牆上的人體圖譜相呼應，同時在矽膠牆的另一側，兩位表演者扮演外科醫生繪製器官於人體。而扮演女王的表演者則在手術台間來回穿梭，以戲謔行為挑逗全裸表演者，由人扮演的小狗則於一旁爬行，女王也時不時以高跟鞋踩踏他的小腹，甚至拍打他的屁股使他獲得快感。 兩位表演者扮演外科醫生於人體上進行彩繪，將器官一一呈現於全裸表演者的身體之上。　圖／VT Artsalon 非常廟藝文空間提供BDSM文化從美國傳入後，在台灣一直屬於地下活動，而隨著性別平權的提倡，與同志議題的開放，性少數族群開始透過活動讓更多人了解該文化。張辰申表示，全台約有22萬人進行BDSM文化活動，近期未參與過的人也萌生嘗試的念頭。觀眾高佳慧表示，他的朋友有蠻多人喜歡這些的，沒嘗試過但想試試。 周圍觀眾於一旁觀賞展演，同時女王將食物放於表演者身上，並以戲謔性行為挑逗表演者。　圖／VT Artsalon 非常廟藝文空間提供張辰申曾是美術系學生，過去總以藝術角度做身體探討，後來他的指導教授引薦他與外科醫生見面，從此開啟他求醫之路，更考上解剖研究所。在過去作品中，他曾在身上做切割皮膚的展演，他說：「在本次展演中，他了解現代科技讓我們感受不到痛，其實是自我離身體越來越遠。我希望透過痛重現控制自己的感受，這需求是天生的，我想呈現出這種原初的慾望。」 展演器材鐵牢籠是用來把人扮演的狗關在裡面，進而達到羞辱虐待的目的。　圖／羅子恆攝BDSM普遍不被認為是文化主流，甚至過去被定義為不正常的慾望展現。張辰申則透過該文化為題材，探討人的原慾、科技技術、自由以及身體等議題。觀眾鄭敏均說：「我認為BDSM就像同性戀與異性戀是一樣的，所以不會對這個群體有什麼特別想法，就是單純想多認識多了解。」張辰申認為，藝術家是一個通道，將觀察到的現象以藝術創作的方式展現，從而給予觀眾開放性的答案，由他們自己發想。

【記者羅子恆綜合報導】表演者踏於岩石之間，時而隨音樂、時而隨富含情感的詩歌翩翩起舞。國立臺北藝術大學舞蹈學系暨碩士班、文學跨域創作研究所及傳統音樂學系碩士班學生組成團隊，以馬崗文化（註）為題創作《極東之隅：馬崗故事》，結合舞蹈、文學與音樂，反思生態破壞及沒落的傳統漁村。作品於10月30、31日在北藝大鷺鷥草原上公開演出。註：位於新北市貢寮區最東邊的漁村，以漁業為主要發展產業。 有限的岩石群空間中，舞者賣力展現當地文化特色，同時唸詩朗誦的表演者出現在身後與其進行藝術結合。　圖／羅子恆攝演出由三個劇目組成，透過表演場地變換，呈現馬崗當地不同的風土民情。岩石上頭，一男子輕柔撥弄阮上琴弦，有時彈奏、有時暫停；岩石的另一側，女子透過簡易肢體動作搭配優美的詩詞朗誦，訴說在地文化的特色；一轉眼，岩下舞者賣力翻滾，模擬海浪在礁岩上不斷拍打的樣態。觀眾楊宙大說：「完全表達出在地人的文化以及生活，而且傳達的理念也很清楚。」 舞者扮演海浪與礁岩上的「海女」進行交融，訴說海女職業與海洋密不可分的親密關係。　圖／羅子恆攝北藝大舞蹈表演創作研究所教授張曉雄談及展演的創作歷程表示，三系所學生依靠各自專業梳理馬崗歷史，他們也深入當地與海女、柑仔店老闆等居民相處，並進行訪談，最後，學生們將自我與在地間產生的各種情緒與想法交融，完成這場跨域的演出。 國立臺北藝術大學傳統音樂學系研究所學生坐在高起石頭上彈奏傳統樂器，另一側舞蹈學系研究所學生以身體作為創作手法，完成這場跨域展演。　圖／羅子恆攝「創作過程中並沒有想像中順利。」張曉雄認為，舞蹈是較為意象化的媒材，雖然舞蹈不擅於闡述事件，卻能夠透過身體直覺讓觀眾快速感知。表演者、北藝大舞蹈學系暨碩士班學生楊勝博直言，一開始他不清楚如何將文學融入舞蹈與音樂中，但經過團隊長時間溝通、協調，最後決定讓文學以詩詞及故事的形式，成為支撐文化展演的骨幹，讓舞蹈及音樂得以依循故事，建構整個演出內容。「每個人互相交流感受及想法，並透過肢體之間的磨合感知不同人心中的馬崗，這是他最大的收穫。」他補充。 舞者以身體各種姿態呈現馬崗在地文化，搭配傳統樂器模擬當地聲響，帶領觀眾親身感受及體驗。　圖／羅子恆攝馬崗地區因過去急於發展漁村產業，導致環境遭大肆破壞，傳統文化隨之衰頹。因此團隊決定以馬崗為主題，希望透過這次展演，讓學生藉創作過程體驗當地生活，更深入瞭解漁村發展的困境，也盼望作品能承載豐厚的文化，傳遞給觀眾。楊勝博說：「馬崗這個小社區利用僅有的資源，與即將收購當地的財團勢力相抗衡，使他深有感觸，並希望透過藝術創作來為他們發聲。」「希望將我們對馬崗現場的記憶呈現給觀眾。」楊勝博強調，觀眾應關注舞者在演出當下有感而發的動作差異，因為每次演出都是對馬崗的重新詮釋。而張曉雄也期許觀眾能體會學生的感受，並盼望表演者能透過表演，獲得不同角度的思考方式及想法，使該作品發揮最大價值。 兩名舞者在懸崖上對峙，利用鷺鷥草原上原有的岩石呈現馬崗在地景致。　圖／羅子恆攝