【記者陳雙報導】「他們在心中反覆試探彼此意圖，就像踩著只有兩人知道的舞步。」國立清華大學藝術與設計學系碩士盧國聰舉辦個展《寂寞歌舞廳》，透過觀察二二八和平公園（以下簡稱二二八公園），以攝影、影像與繪畫呈現他對老年男同志的感受。展覽自6日起，於鬧工作室展出。 《寂寞歌舞廳》共分三個展區。盧國聰認為，第二站區中的錄像裝置〈寂寞歌舞廳〉是最能代表展覽核心的作品。他說明，錄像裝置模仿七、八零年代的音樂風格，並重新拍攝歌手鄧麗君的音樂影片《何日君再來》。盧國聰指出，在當時的年代，男同志難以公開抒發自身的傷感與對情人的思慕，只能聆聽鄧麗君的歌曲寄托情緒。「《何日君再來》描繪女生思慕與期待情人回到身邊的心境。雖然其中部分情感相通，但性別終究不同。」盧國聰表示，他以男性為主角重新演繹音樂影片，引導觀眾從男同志的情感出發，理解不同角度的思念與渴望。 作者白先勇曾在小說《孽子》中，描寫出二二八公園入夜後同志聚集的情景，形成社會對同志公園的既定想像。談及以男同志為展覽主題的動機，盧國聰表示，靈感源自他對同志公園中人群互動的好奇。然而，當盧國聰實際走入同志公園後，發現白天並無特別之處，夜間也未察覺異樣，但在經過長期觀察後，他發現年輕族群多聚集於陰暗角落進行情慾交流，而年長同志多獨自坐在固定位置，「因為年長者的肉體已不如年輕人般具有吸引力。」他補充道。盧國聰回憶與老年同志接觸時，一位老先生對他說：「我也曾經28歲。」這句話讓他深刻意識到，老年同志在公園尋求的並非僅是情慾，而是對青春與過往自我的追憶。 〈寂寞歌舞廳〉象徵老年同志在二二八公園中的渴望，而步入空間較為封閉的第一與第三展區，情緒則轉為老年同志回到家後的孤寂感。在第一展區中，盧國聰使用數位相機與過期的底片相機，模仿七、八零年代的拍攝風格，呈現當代真實存在的故事。作品〈Item#4〉是一個空相框，盧國聰表示，空相框讓觀眾想像那段被抽離的關係，並逐步推向老年同志的寂寞心境。而第三展區則展出盧國聰以炭筆完成的寫生作品，他刻意將畫面處理得較幽暗，以呼應路人行經公園時，多順著光亮前行，忽略陰暗中的景象。 觀眾 HW（化名）表示，起初未立即感受到展覽中的寂寞氛圍，但在逐步探索後，逐漸體會到老年同志缺乏情感支持的孤獨與無力感。而觀眾Michelle（化名）提及，第二展區的歌舞廳令他印象深刻。他說：「展區內的燈光昏暗且播著鄧麗君的歌曲，使空間瀰漫著神秘而略帶壓迫的氛圍。」盧國聰表示，展覽多著重於感受的傳遞，因此他保留作品的想像空間，使觀眾得以自行感受當代男同志的心境。

【記者劉倚瑄報導】「𝙻𝚘𝚟𝚎 𝚆𝚒𝚝𝚑𝚒𝚗, 𝙸𝚗 𝙴𝚗𝚌𝚘𝚞𝚗𝚝𝚎𝚛」，為國立政治大學跨界實驗室11月28日舉辦於藝文中心X咖啡館的期末展演。活動以探索自我為主題，由七組學生團隊發想不同的展覽和體驗活動，盼藉此帶領參與者重新理解自我。 本次活動為政大X實驗學院所開設的跨界實驗室課程期末展演，「課程期望學生在求學過程中，不僅具備理論與專業技能，也能多接觸與生活、創作相關的學習面向。」政大傳播學院課程教授陳文玲說道。展演以「探索自我」為題，盼學生從分享自身故事中，學會肯定、珍惜自己。七組學生團隊分別以笑聲、夢境、情緒、童年記憶和自我肯定等不同面向，舉辦不同形式的體驗活動。「我認為只有先說好自己的故事，未來才能更有力地承載他人的經驗與社會議題。」陳文玲說道。 沉浸式體驗「夢・見」，以惡夢為理念，打造展演空間。參與者需爬入一個充滿詭異燈光、低鳴音效與呢喃聲的壓迫空間，再穿過隧道，進入另一個播放著追殺、戰爭與兇殺案件等影像的狹小房間，團隊學生也在房間中扮演酗酒父親與精神不正常的母親，營造噩夢的緊張氛圍。「我們想與參與者分享我們的夢境，進而引起他們去思考自己的夢境，再現當時的情緒。」團隊成員蔡宜家、黃晨嘉說道。參與同學黃昊霖和陳智昊說：「空間被布置得像鬼屋，影片、呢喃聲和音樂都讓人害怕，使我更期待之後若以美夢與春夢為主題的展演會怎麼呈現。」 以調酒為核心發想的「傷心酒店」則為參與者創造一個能安心對話、擺脫日常的空間。團隊設計出代表不同生命故事的調酒，引領觀眾回望童年的歡笑與淚水，在微醺的環境分享彼此的故事。「隨著每個故事的感受不同，我讓調酒呈現出酸甜或苦澀的滋味。」團隊成員陳宣如說道。參與同學朱子元則說道：「酒精讓我更放鬆，也更敢在陌生人面前敞開心扉。在這裡，大家只是分享感受、尋找共鳴，讓情緒得以釋放。」 半預約制的「你是不是忘記你很棒」咖啡館，則讓參與者在品嘗不同飲品時，能夠同時聆聽咖啡館成員們找出自身亮點的故事，進而激發參與者反思、挖掘自己的優勢。團隊成員周鉦元說：「我分享的是自己上一段感情的故事，那時總覺得自己做得不夠好，但如今回望，我已經盡力，也做得很好。」此外，團隊也邀請參與者將自己的參與故事紀錄、傳承下來，近一步激勵更多人肯定自我。「我們希望大家在聽完故事後，能理解即使曾有遺憾，都是當時最好的自己，再小的事也值得被肯定。」團隊成員莊家欣、周鉦元說道。 在為期三週的展演中，學生以多元形式回應情緒、記憶與自我認同等議題。參與學生陳禹任表示，活動讓他重新發現自己的優點、理解自己的情緒。陳文玲則說道：「未來我們也將持續推動更多由學生主導的空間，讓學生能夠更自由的去展現自己。」

【記者王翊丞台北報導】「『思考』這個字的原意，其實代表著與星辰一起前行與沉思。」國立臺灣藝術大學當代視覺文化與實踐碩士班學生練柏宏，15日於水谷藝術舉辦個展《感知的星叢》，融合神秘學與科技媒介，反思科學技術重塑人們感受世界的方式。 科學與玄學看似對立，卻在當代形成彼此牽引的作用。「大家依賴科學無法驗證的力量似乎沒有減少，甚至在這個崇尚理性的時代，他變得更加被依賴。」練柏宏試著將非理性的視角，透過數位方式呈現，並探討科技在現今或許也成為神格化與迷信的象徵。作品〈Ask For_?〉以VR互動眼鏡模擬算命過程，讓觀眾能與連結ChatGPT的命理專家對話。此外，牆上仿造宗教組織的影像，透露出教主以神蹟或言論建立信賴的方式，與現今AI生成資訊十分相似。練柏宏藉此映照人們與數位科技互動，指出我們正處於被技術操控、難以辨別真偽的狀態。 「星叢跟螢幕這兩種發光物，在不同時代照亮人們的方向。」練柏宏認為現代生活經驗中，許多的思考其實與電子設備密不可分。在〈都是月亮惹的禍〉，練柏宏以三頻道的影像，分別呈現月亮在神話、歷史與人們心中的定位，他說：「月亮是跟人體很相關的星體，他在黑暗中照亮著世界，讓詭譎、隱密與瘋狂的情緒被看見。」然而，現今螢幕光逐漸取代月光，促使人們產生焦慮、失眠等非自然的狀態，練柏宏表示，這些人造光源反倒成為塑造與控制人類思想的媒介。 隨著電子產品與機器不斷演進，幸運物、信仰等內心依託也跟著需求改變。觀眾stephen（化名）說：「練柏宏巧妙運用日常題材，並結合科技與創意，讓人進一步反思看似日常的情境是如何與科技掛勾。」作品〈富饒神話〉結合網路迷因，例如「貓咪」、「美輪明宏」等成為好運與財富的象徵，以及「乖乖」用來維護機器順暢的形象。透過這些例子，作品表現出不論是具備實際效用，或只是單純提供心靈安慰，人們祈求好運的行動始終存在於日常生活。 「展場中過於怪誕與陰暗的光線，再配上詭異的配樂及投影幕，蠻讓人感到恐懼。」觀眾黃小姐（化名）表示，現場營造的氛圍讓人感覺身在某個信仰組織。練柏宏將展場化為神秘世界，以科技重新詮釋人們面對未知時的傳統應對方法，引導觀眾思考日常中不曾消失的信仰與儀式。

【記者黃律齊高雄報導】二胡、柳琴、大笛、琵琶與大提琴等樂器在舞台上齊聲奏鳴，帶領觀眾走遍屏東地區。就讀屏東大學資訊工程學系的陳睿霆，9日於高雄市音樂館舉辦專場《屏緣》，透過六首原創作品，展現他與屏東之間的深厚情感。 兩年前，陳睿霆加入國樂團「未央樂集」，因團隊活動多在高雄，往返高屏成為他的日常。陳睿霆描述：「我寫曲子就像在寫日記一樣。」而專場開場曲《高屏印象》便源自這段生活。樂曲開頭以大笛模擬鬧鐘，作為一天的序曲，接著伴隨大提琴與彈撥樂器堆疊出明亮律動。隨樂句推進，旋律轉為二胡與大提琴的緩慢對話，呈現陳睿霆在往返路程中駐足凝望天際的片刻。隨後，他以大提琴描摹雲層堆積、雷陣雨、天晴與返家等橋段。最後以輕柔、近似呼吸的停頓收束，呈現睡意來臨，象徵一天的循環。 除紀錄日常，陳睿霆亦以創作寫下與女友蔡榕庭的緣分。《戀在曦湖畔》便取材自兩人於迎曦湖畔散步的回憶。樂曲首段〈漣漪〉由陳睿霆以中國笛描繪湖水蕩漾的景象，象徵心意初動；第二段〈相知〉由蔡榕庭以柳琴加入，透過附點彈撥呈現戀人遊湖的雀躍。隨後，兩者旋律逐漸交融，如同戀人並肩同行、彼此靠近。中段音樂轉為小三度，帶出愛人不在身邊的惆悵與爭執。然而在激昂過後，歌曲重現開頭〈漣漪〉的樂章，並以泛音收尾，象徵情感歷經波折仍如湖水綿延不息。蔡榕庭表示，他在陳睿霆創作時曾給予建議：「我那時候覺得可以用迎曦湖等旁觀角度，呈現不同的愛情視角。」觀眾花藝師（化名）也分享：「在感情的路上，並不一定只有甜蜜，偶爾也會面臨到爭吵，這些情感在這首歌裡都能感受得到。」 在作品中，陳睿霆以不同樂器的音色對應情感變化，讓故事隨聲響展開。如《怨懟》為嗩吶協奏曲，記錄他遭遇好友背叛的心路歷程，以「悲傷五階段」為全曲核心。他指出，嗩吶兼具明亮與幽暗的音色，能呈現情緒轉折。在《怨懟》中，陳睿霆先透過在不同音高上重複同一動機，營造自我拉扯、難以放下的張力；隨後轉入大調並放慢速度，再以管鐘點綴，呈現經歷自我掙扎後的釋懷狀態。另一首作品《雪落竹田》則源自日本女子水谷雪遠赴屏東尋夫，並長期資助當地的真實故事。作品以日本五聲音階構成，由蕭、古箏與擊樂重奏，前段以強烈聲響還原戰亂現場，後段則以手碟的空靈音色描繪雪花飄落的情境，刻畫戰火平息後的寧靜與愛意的延續。 專場最後，陳睿霆站上指揮台，領銜樂團演出專場同名曲──《屏緣》。作品首段以小調為基礎並提高第六音，使樂曲既保留憂鬱氣息，又帶有一絲溫暖，呈現在屏東悲喜交織的日常；接著由大阮主奏，並融入屏東民謠〈思想起〉的旋律，陳睿霆說：「我希望藉此喚起人們對恆春鄉間的印象。」而最終樂隊齊奏配上嗩吶，堆疊出如屏東大武山般的壯麗。尾聲由嗩吶重現〈思想起〉旋律，讓鄉愁在空氣中緩緩迴盪。

由YouTuber「酷」花費新台幣 500 萬元打造六集的實境節目《中文怪物》，邀請一百位外國人挑戰中文聽力、語調與朗誦等關卡，並頒發給優勝者 30 萬元獎金與「中文怪物」頭銜。截至目前，節目每集觀看次數皆突破百萬，也引發不少討論。 對年輕觀眾來說，《中文怪物》可謂集網路綜藝特質於一身。首先，「酷」擁有 210 萬訂閱數，且該節目邀請多位網紅參與，帶動社群擴散力與話題性。事實上，網紅也成另類「電視」明星，如電視節目《夜市王》找網紅 「Alizabeth 娘娘」、「韓勾ㄟ金針菇」擔任評審；《全民星攻略》則請網紅「HowHow」、「艾瑞絲」等人參與錄製。 其次，節目不同於《一字千金》寫國字、猜成語的比賽形式，而是融入廣告台詞、饒舌與流行語（如「雙標」、「閨密」），跳脫傳統中文競賽的設計框架。內容上，《中文怪物》中選手真實的語氣與情緒反應，甚至偶爾出現的髒話，都讓畫面更具真實與親近感。這種題材創意與真實互動的結合，正是網路綜藝能抓住年輕世代目光的核心，也是傳統電視節目容易忽略的觀眾期待。 其三，《中文怪物》僅以六集完整呈現競賽，剪輯節奏緊湊、不拖泥帶水。節目不刻意延長誰晉級或淘汰的橋段，也不以過多的參賽者反應畫面製造懸念，而是讓比賽自然推進。節目也在短時間內輸出大量比賽內容，例如第三集中同時包含淘汰與敗部復活戰，符合網路世代偏好的快節奏敘事。 最後，節目透過中文競賽，讓台灣觀眾看見外國人透過語言逐步認識台灣在地文化的歷程。節目內容融入許多台灣流行文化，例如以「諧音梗」為主題的猜詞關卡，考驗參賽者對中文幽默的理解。部分參賽者還能自然使用台語，甚至引用從八點檔學來的詞彙與俚語。此外，節目安排參賽者圍坐辦桌，他們還熟悉佛跳牆價格不便宜、南部羹偏重口味等內容，甚至聊起豬腳、碗粿、油飯等地方美食，都可見語言不只是溝通工具，更是連結文化的橋樑。 《中文怪物》的成功並非偶然，它滿足了年輕世代對流行題材、真實互動、快節奏的渴望，也展現出語言作為文化橋樑的力量。對傳統電視綜藝而言，這既是一個提醒，也是一個機會。透過理解觀眾對節目的需求，並參考網路綜藝的節奏與題材，傳統節目同樣有機會觸及年輕觀眾，做個「綜藝怪物」。

【記者陳少凡報導】今年畢業於國立臺灣科技大學設計系碩士的朱冠丞，以作品展《A Plant’s Dignity》榮獲2025桃園設計獎視覺與商業設計類新銳設計師組金獎。作品共有四大展區，涵蓋2D畫作、互動裝置、3D動畫與真實影像，將他對植物權的理解與想法投射到觀眾眼前。 「我覺得創作很大的層面是源於生活。」朱冠丞表示，他熱愛山林，經常觀察其中的昆蟲與植物，也因此注意到自然環境裡被忽視甚至遭不當對待的生命。在第一展區，他繪製了數十種的植物圖像，並在圖片背後寫下該植物的意義與用途，藉此探討植物存在的本位意義。朱冠丞的指導教授李根在說：「朱冠丞的創作歷程始終圍繞著動植物議題。」他補充，現代多是以人本為核心的設計，但其實人在萬千生物裡並非唯一主體。李根在接著說：「當設計開始轉向非人類的角度時，我們自然會去關注人以外的生命，朱冠丞的作品正好呈現了這樣的關注與思考。」 在第二展區中，朱冠丞運用感壓技術，並準備各36種花與葉、莖以及盆栽的圖案，讓觀眾自行搭配生成新的植物影像。當觀眾觸摸連接感測裝置的植物時，壓力感測裝置隨即啟動，「我們只要去碰觸植物，例如摸葉子，它就會長出新的葉子；摸花，就會開出新的花。」朱冠丞補充，觀眾可以透過按壓植物的方式，讓它在螢幕上即時呈現。然而，他表示，在追求美觀的過程中，觸摸也象徵著不斷按壓、踐踏植物本身，「當人類彰顯自身主體性時，往往忽視並壓抑了植物的內在價值。」 「如果人類持續不道德地對待植物，未來會發生什麼？」延續這個疑問，朱冠丞與研究所同學董恆瑞合作，以 3D 動畫構築一個植物進化後反過來統治人類的世界。在這個想像裡，人類的骨骼被吸收成植物的根基，毛髮則延伸為枝葉的載體。朱冠丞在動畫中使骨架生出異樣的植株，毛髮間竄出無數枝枒。觀眾包小姐（化名）表示，雖然3D動畫很唯美，但當想到畫面中提供植物養分的是人類肉體時，會產生一種複雜的情緒。朱冠丞說：「人們常認為萬物存在是為了服務人類，但卻沒有人想說我們人類也可以為別的物種提供幫助。」 此外，朱冠丞收集日常中遭人類不當對待的植物殘骸，並放至展場展出，「例如山林裡被砍伐、踩踏、燒毀的枝葉，或是即將被淘汰的花草。」搭配他在烏來或海外採集時所拍攝的影像，形成了懸掛的畫卷與枯萎的花。朱冠丞提醒道：「這些對植物的傷害不是沒有發生，只是我們很少關心。」他表示，原本他曾考慮將植物殘骸及攝影作品放在展覽開端，但最後選擇將其置於最終區，「我希望觀眾在經歷虛構與未來的想像後，再次回到眼前的真實，直面人類對自然的踐踏。」

【記者林芷彤高雄報導】步入展場，光線瞬間被抽離，取而代之的是包裹全身的黑暗。就讀國立臺南藝術大學造形藝術研究所的蘇睿豪與葉姵萱，14日起在寶德旺藝廊舉辦展覽《要不要開展燈》。透過窗簾阻隔光線，兩人刻意弱化視覺感知，讓觀眾自行選擇如何感受作品。 「要不要開展燈是一個問題，既是對我們也是對觀眾。」葉姵萱說明他們將展場設置為一個黑暗的環境，增加觀看難度，藉此引導觀眾透過身體其他感官，探索作品與空間的氛圍。蘇睿豪補充，這次展覽將觀看的主導權交給觀眾，讓每個人自由選擇方式體驗作品，而不同的觀看方式可能帶來截然不同的感受與解讀。 「滴——滴——」聲音迴盪於空間之中，蘇睿豪的裝置作品〈Boardcast〉結合廢棄的電子板和印刷刀模，透過電路板的導電特性，使類比訊號隨機流動並生成聲音。蘇睿豪分享，作品靈感源自他在印刷廠的成長經驗，他指出，喪失功能的廢棄物件往往激發他各式情感，如惋惜或失落，這使他對汰換物件感到著迷。此外，他也試圖探討不可量化的感知是否能以聲音的形式被「建檔」保存。蘇睿豪認為聲音具有喚起記憶的特質，他舉例，觀眾在展場中聆聽到的聲音，也許在未來的某個時刻再次響起時，可觸發觀眾對此展覽感受的回憶。 葉姵萱的〈在橋下〉靈感取自通勤行經的高架橋底部空間。在某日行經的途中他無意間發現橋下擺放著一張沙發，「我不禁開始思考，這張沙發是怎麼被擺進去的？生活在那裡的人又是如何使用它？」在遠觀與想像的過程中，他創作出結合錄像與小說的作品。小說以第一人稱視角重構他對橋下生活的想像；錄像則以無聲的方式呈現他實地進入橋下後的觀察。葉姵萱表示，起初他認為橋下的生活方式接近原始，與自己的日常形成強烈對比，但實地觀察後，他發現對方同樣生活在現代。對於彼此來說，雙方的生活可能都帶著某種不真實感，進一步促使他質疑自己是否也在依循某種模板生存。 光線是兩位藝術家創作中的重要元素，兩位藝術家皆認為，在黑暗的展場中，微弱的光線從縫隙中滲透，模糊了黑與白的界限，為空間增添了一層未知與模糊的「灰」。蘇睿豪與葉姵萱透過創作回應此現象，不管是轉譯行為中必然丟失的訊息，又或是高架橋下的社會邊陲地帶，皆在展現平日不易被察覺的空間或物件。 觀眾楊佳恩分享，因為展場中光線被刻意抽離，需近距離觀看作品才能看清細節，因而使他更為專注。此外他提到，〈在橋下〉的影像中聲音被抽離，但與〈Boardcast〉的背景聲響結合後，畫面帶給他一種日復一日的枯燥感受。華梵大學攝影與VR設計學系助理教授沈裕融表示，空間中光線透過縫隙微微滲入的設計，讓他聯想到導演蔡明亮的電影《臉》中的一幕：主角用黑色膠布封閉窗戶，直到光線僅剩一條條細縫，直到一切被吞沒於黑暗之中。他認為黑暗此時賦予光線一種造型性，原先用來打亮空間的光，化為可見線條充斥於環境。

【記者張雅媜桃園報導】「佈展中」的告示張貼在大門上，落地窗裡展開的鋁梯還掛著白手套，彷彿時空已凝結在佈展瞬間。就讀國立臺南藝術大學造形藝術研究所的林南宏，於24日起在Zone Art众藝術展覽空間，舉辦個展《众藝術佈展作業進行中》。他使用過去策展剩餘的木塊、角料，雕刻出佈展常用工具，並將展場佈置成策展中的景象，以探討現代人觀看藝術的方式，以及創作過程蘊含的意義。 林南宏刻意將仿製的鋁梯放置在靠近對外櫥窗的入口處，讓行經的觀眾產生「此處仍在佈展」的印象。　圖／張雅媜攝「在為數眾多的藝術展覽及群眾快速閱讀的習慣下，屬於個別藝術品的獨特內涵可能也會逐漸被忽略。」林南宏擔憂地表示，身在這個資訊量爆炸的世代，五花八門的訊息分散了人們的注意力。於是，他讓展場停留在佈展狀態，將佈置的工具轉化為展品，讓民眾觀看籌備展覽的過程，進而反思藝術作品背後存在的內涵。展場入口架設著展開的鋁梯，是林南宏使用鋸子切割、打磨木塊，再仿製而成。他經常將鋁梯暫放在工作空間，就像作品暫時存放於展場的狀態，表現出藝術作品暫時佔據的空間感。他也試圖以作品名稱闡述自己與工具的互動經驗，他說：「名稱〈暫時借放，留下姓名、電話及日期〉即源於以前佈展經常直接把鋁梯放在展間，自己有事需要離開，就貼上姓名、電話供擋到人時聯繫。」 林南宏將工具擺放成使用時的狀態再加以臨摹。因此，作品〈引洞02〉保留了電線垂掛的自然曲線。　圖／張雅媜攝作品〈引洞02〉則保留了電鑽在展牆上鑽洞的樣貌。林南宏先雕刻出電鑽零件，組裝後再把擬製的電鑽插在展牆上，呈現工作人員鑽孔到一半離開，但佈展仍在「進行中」的時間感。而確認作品是否擺正，也是藝術家在佈展時的重要環節。因此，林南宏在作品〈用紙膠拉出一條不可靠的直線〉中，將飛機木削薄並漆上顏色，仿製出紙膠帶在展牆上輔助測量的模樣。他表示，其實測量出的水平都是參考，藝術家還是會根據現場空間調整擺放方式，這也是他們思考如何營造展覽空間的過程。 林南宏仿製出紙膠帶，並使其貼在展牆上，模擬建立參考線的狀態。　圖／張雅媜攝除了仿製的佈展工具，展場也可見林南宏在策展時留下的標記，他並未清掃地面上散落的木屑，保留下真實的佈展痕跡。林南宏表示，這些仿造抑或真實的景象，提供了觀眾重新認知展覽的動機。觀眾南藝大造形藝術研究所洪昌裕察覺紙膠帶是木製作品後，對紙膠帶產生了不同印象，他說：「突然覺得紙膠帶很脆弱，會很好奇藝術家要如何將其存放。」 林南宏也擬製了掛作品的螺絲釘，並將其固定在牆上，讓觀者想像它過去可能掛過什麼作品，以及未來又會如何被使用。　圖／張雅媜攝「我希望觀眾發現這些工具其實是木頭仿製，而重新凝視作品時，可以養成放慢閱讀、停下來思考的習慣。」林南宏認為讓展場停留在不完整的狀態，可以提供觀眾想像空間，讓他們自由思考。觀眾南藝大造形藝術研究所鄭健志說：「我覺得藝術家不是『再現』佈展瞬間，而是透過這些場景『召喚』我們對於藝術展覽的想像。」

【記者鄧芯怡台北報導】一幕幕鮮艷奪目的視覺設計不斷切換於螢幕上，搭配動感又富有變化的聲音，讓觀眾沉浸在視覺與聽覺盛宴中。藝術家張欣語於開幕會上帶來音像（註一）演出，為第17屆台北數位藝術節揭開序幕。台北數位藝術節於9月30日在國立臺灣科學教育館正式開幕，展開爲期11天的展覽，共收錄22組來自世界各地的藝術展品。 第17屆台北數位藝術節開幕會上，藝術家張欣語的作品結合精彩的聲音與影像，帶給觀衆新穎的體驗。　圖／2022臺北數位藝術節提供註一：錄音和錄像。台北市政府爲建立「網路新都」，首次於2006年推出臺北數位藝術節，至今已邁入第17屆。文化局專門委員李秉真在開幕時指出，策展人黃祥昀在今年的展覽中探討真相、資訊如何被創造，十分符合時代。展覽作品針對網路世代中「訊息傳播」與「真相製造」的過程設計，表達作者對於社會的觀察及反思。「展覽的作品有打動到我，在看了這些展品後有讓我更瞭解假訊息這個議題。」觀衆江玟諭説道，大多數的數位化展品讓她覺得展覽很特別，並不無聊。 臺北數位藝術節的開幕記者會上，蒞臨的貴賓及參展的藝術家們進行大合照。 圖/2022臺北數位藝術節提供展覽地點分別為臺北數位藝術中心及國立臺灣科學教育館。在臺北數位藝術中心，觀眾們戴上耳機，坐在螢幕前，便能專心地觀賞「台韓錄像交流計劃」的作品，而館內觀眾們則可以欣賞主題邀請展的實體裝置藝術作品，並與其進行互動。展覽看得見也摸得到，吸引大眾駐足參觀，不僅有熱愛藝術的年輕人慕名而來，更有父母帶著小孩前來體驗。開展當天晚上，藝術家們以音像跨媒材形式為觀衆帶來《噪幻I》演出。三組藝術家將自己或藉由演算法選擇的素材，利用創意程式設計創作，帶給觀眾新穎感受。觀衆們在展場中間席地而坐，將目光投向光亮的投影畫面，隨著富有節奏感的音樂擺動身體。表演中時不時穿插刺耳音效，結合誇張的視覺影像，讓觀眾置身於迷幻的空間中，體驗虛幻與現實參雜的感受。 XTRUX團隊在第17屆台北數位藝術節的週末演出《噪幻I》結合迷幻誇張的視覺效果和富有節奏感的音效，帶來精彩的演出。 圖/鄧芯怡攝「我覺得非常開心這次作品可以以徵件的形式，與其他非常優秀的藝術家，參與臺北數位藝術節。」來自國立陽明交通大學應用藝術研究所的吳玶萭表示。他的互動式展品《播客凱爾倫》以卡通 《海綿寶寶》中皮老闆的電腦老婆「凱爾倫（Karen）」作爲發想來源，展現人類和機器情感交流的可能性。觀眾戴上耳機後，回答螢幕上出現的問題，這些回答經過搜集及處理後被產製成文章，最後分享於Podcast和社群媒體上，再次回到觀眾的生活中。「其實每次做現場互動作品，都會覺得難度高，也怕難以引發觀眾的參與。」吳玶萭説明他的擔憂，但看到觀衆們開心及好奇地和展品互動後，他備受鼓勵，而他的作品在開展後的短短三天也已累積超過300人次的互動。 一位觀衆頭戴耳機，正在和吳玶萭在國立臺灣科學教育館的展品——播客凱爾倫互動。 圖/鄧芯怡攝「真相碎片」展覽帶領觀眾認識假訊息生產、傳播過程與抵制方法，從而反思生活中的假訊息議題。「展覽的展品很豐富，也有很多資訊，讓人想要仔細地去瞭解。」觀眾江玟諭補充道，他平時不會主動搜尋假訊息的相關資料，展覽給予他機會認識假訊息議題。策展人黃祥昀也希望通過展覽讓大眾反抗混亂的資訊傳播現況，開闢另一種應對資訊爆炸時代的方法。

【專題記者黃弈軒、吳姿芳、單師樵綜合報導】水徐徐地流進杯裡，於手機九宮格畫面中呈現完美構圖，並透過網路傳送到觀眾觀看的螢幕，同時藝術家輕輕細語，引導觀眾參與展演的字句縈繞耳畔，「把心思跟動作緩下來，享受這十分鐘特別時空的洗頭經驗。」 藝術家張剛華在創作計畫《洗頭》中回溯成長記憶，並探討身分認同。　圖／明日和合製作所提供螢幕劃分為一格一格，藝術家手抹泡沫搓揉頭髮佔據主要畫面，右方呈現展演各個空間，檯燈點亮棉床，為幽暗房間注入溫暖，狹長廊道無人走動，揭示「洗頭」為親密時刻。藝術家將自身洗頭的記憶娓娓道來，觀眾也分享關於自己的洗頭故事。冷漠不再是科技唯一形容詞，藝術家與觀眾身在世界不同角落，卻能藉由數位裝置走向彼此。社群媒體與會議軟體如同雲中繩索，成為兩者之間的聯繫，相遇剎那擦出藝術火花，完成線上展演。線上展演順應科技潮流，即使缺乏實體互動，在藝術家的設計下仍給予觀眾參與空間，甚至創造出獨立於實體展演之外的獨特表演形式，成為表演藝術的新趨勢。線上展演打破時空疆界 螢幕兩端共享親密時刻當表演藝術透過線上呈現，表演者與觀眾之間隔著遙遠的距離，藉由數位裝置將畫面、聲音或文字傳送給彼此。社群媒體與通訊軟體成為線上展演的新媒介，表演藝術不再受限於固定時間與物理空間，讓藝術家的創作展現多元樣貌。明日和合製作所由三位劇場編導洪千涵、黃鼎云與張剛華所組成，於民國110年與23位不同領域的藝術家合作，推出線上展演《Surprise Delivery 和合快遞》，將包裹的概念延伸至觀眾欣賞藝術表演的經驗，藝術家透過社群媒體Facebook、Instagram、會議軟體Google Meet、Email和郵寄包裹等多元媒介把「表演」寄到觀眾手中，觀眾便開始與藝術家互動，完成線上展演。《Surprise Delivery 和合快遞》讓藝術家與觀眾同時在特定虛擬空間相遇，洪千涵說：「因為我跟你，在這個時空下，才有這個作品或經驗。」例如藝術家陳嘉微使用協作式數位白板JamBoard，以手繪圖案、文字與照片和觀眾交流生命經驗，最後創作出一幅專屬於藝術家與觀眾的畫。 藝術家陳嘉微詢問觀眾過往生命經歷，觀眾則透過文字、圖片等形式回覆。　圖／明日和合製作所提供收件者只知道快遞大致的到貨時間，在等待與收件過程中可能產生期待和驚喜的情緒，明日和合製作所認為觀眾情緒都是觀看表演經驗的一部分，他們特別設計購票機制，觀眾購票時只能選擇藝術家與日期，無法知道明確的表演時間，洪千涵說：「有趣的是時間幅度拉長，例如你買票是4月20日，然後你買的是洪千涵的，但是我沒有跟你約定是幾點幾分，用什麼樣的媒介在線上見面。」數位展演打破時間框架，藝術家與觀眾也能彈性選擇參與展演的地點。《洗頭》是藝術家張剛華從民國107年開始發展的創作計畫，於2021臺北藝術節中進行線上展演，並分為「參與式展演」與「講座式展演」兩種表演形式。在參與式展演中，他與觀眾在各自家裡透過手機以Google Meet互動，一起倒水、冥想及洗頭，他說：「透過洗頭，他們想到小時候的事情，分享關於洗頭這個觸碰的記憶。」線上表演型態不僅讓觀眾保有私密空間，更能與藝術家共同經歷親密時刻。觀眾參與《洗頭》的體驗過程，成為講座式展演的元素。張剛華同樣在Google Meet平台上以直播進行，呈現超過60位洗頭對象的故事，並利用多鏡位拍攝房間、廊道與洗手台等展演空間，讓觀眾用多方視角觀賞不同區域，「當下（觀眾）可以點很多不同的鏡頭，有比較完整的故事。」另外，《洗頭》充分使用會議平台功能，開放觀眾即時回覆文字與表情符號，使藝術家與觀眾即時互動，在交流的過程中共享「洗頭」經驗。 在《洗頭》的講座式展演中，藝術家張剛華帶領觀眾回到洗頭計畫的起點，講述計畫展開的原因與故事。圖／明日和合製作所提供線上展演扭轉表演形式 觀眾握主動權參與作品「我想要線上演出是一個全新的體驗、一個全新感受的東西，不是現場演出的替代品。」尚未在線上演出魔術前，魔術師周瑞祥對線上展演抱持負面看法，他說明魔術原先可以邀請觀眾上台、抽牌及選擇道具，並利用肢體製造魔術表演張力，但當魔術表演轉至線上，許多魔術原先以直播或非同步播放給觀眾欣賞，導致觀眾無法親身體會魔術的神奇效果，「在線上這些東西，幾乎砍掉原本魔術九成的東西了，所以只剩下那一成。」後來他實際發想線上展演，發現線上魔術反而能實現全新且有趣的互動橋段。周瑞祥藉由Google Meet與觀眾互動，並引導觀眾自己手搓撲克牌，一步步完成魔術表演。觀眾將撲克牌花色朝下，打亂、洗牌，再憑直覺隨意排列後，撲克牌未經魔術師之手，花色整齊區分為黑紅兩邊，不可思議地發生在觀眾電腦螢幕前的桌上。「魔術的核心概念是操縱觀眾的認知，只要能做到這件事情，換一個手段跟形式，在線上也可以成立。」周瑞祥說道。周瑞祥思考線上展演在未來的網路世界中，人與人之間將如何維繫情感溫度與連結，因此他在2021臺北藝術節演出《新人類計畫：明日人》魔術作品，寄送體驗包裹至報名者家中，包裹內容物為預言卡片、圖畫紙、鐵環、項鍊等魔術道具，讓每位觀眾自行在家中學會「明日環」魔術表演，周瑞祥教導觀眾用手指撐開項鍊的鏈條，將鐵環順著鏈條向下丟後，讓項鍊自動栓住鐵環。他期望利用線上形式，讓參與者親自操作魔術，實際體驗魔術的奇幻。在大多數人的想象中，線上展演是觀眾開啟電腦鏡頭與表演者互動，不過民國110年臺北兒童藝術節的其中一檔節目《名叫中間的地方：家庭旅行版》，反而藉由「聲音」作為表演媒介，邀請親子擔任演員，將自家空間打造為劇場，在家完成一場演出。《名叫中間的地方：家庭旅行版》由進港浪製作導演陳煜典與編劇邱奕嘉創作，碰上疫情才將實體演出轉為線上。雖然作品的表演空間遭到改變，但觀眾與表演者在線上仍維持「高互動性」。節目在Google Meet會議裡演出，主持人在表演開場及結尾與觀眾交流，而在表演中間播放事先預錄好的錄音檔，引導觀眾在家庭空間移動。陳煜典形容，家如同世界各地，而孩童扮演起探險家的角色，進入劇本建構出的平行時空，與家人一同在家中，藉由船鳴聲，自由發揮想像力，指出特定方向，前往探索並收集家中冰箱、廚房等周遭環境的物品，解開劇本中一層層的闖關任務。最後音檔播放結束，主持人再邀請觀眾分享體驗心得，驗收成果。 進港浪製作作品《名叫中間的地方：家庭旅行版》於Google Meet會議演出，主持人除了與觀眾交流、互動，更讓他們自由發揮，一同完成演出。　圖／進港浪製作提供「確實觀眾的主動性很高，但他有沒有更主動參與這個故事就是他的選擇。」陳煜典解釋，他在線上展演賦予觀眾高自由度及發揮空間，提高觀眾的主動性。因觀眾不再是坐在固定位置觀賞表演，可以選擇關掉電腦或中途離開，所以導演陳煜典、編劇邱奕嘉與演員在設計劇本時，開放更多空間給觀眾思考，不過他同時指出，觀眾是否更主動參與線上演出，則是未知答案。數位劇場打破單一視角　多維空間擴展觀眾想像在虛擬時空中，藝術團體更能藉科技技術，將表演擴展至一個舞台之外，進而讓觀眾不再只是利用單一視角理解劇情。進港浪製作的線上展演作品《神不在的小鎮》藉由二維、三維、四維空間擴展劇場的空間性，讓線上觀眾能以多重視角，理解劇本全貌。作品從名為「中正區」的小鎮發生自殺案出發，探討網路霸凌世界中，大眾在社群媒體只接受片面立場資訊，或跟隨大多數人意見的現象。觀眾打開線上演出平台，自由切換視窗觀看演出。「三維世界」為主故事線，導演切換鏡頭跟拍主要角色，演員在表演空間直播演出。而觀眾若想進一步了解演員離開主故事線後的想法，則可以切換至二維世界，輪流觀看不同角色在直播中訴說獨白，「這就像你在生活中為了要理解一個事件，你可能會去看不同評論者的言論或是新聞。他們都在講同一件事，但每個人都有自己角度的發聲。」《神不在的小鎮》編導、進港浪製作團長洪唯堯說道。他利用二維方式讓觀眾除了觀看節目的主故事線之外，還能深入理解每個角色背後的故事。另外，觀眾還能在四維世界以「上帝視角」進入3D虛擬空間，四維空間的場景與線下實景一模一樣，不過是以虛擬的形式呈現。洪唯堯說明，網紅統神在此空間以「天神」身份，用全觀的視角詮釋劇情，觀眾能在此空間內的線上聊天室互相交流，並線上投票決定劇情走向，「四維是意識可以更好交流的世界，你在現場看戲跟在遊戲世界的時候，會對同個劇本有不同的感受。」「第一關要克服的就是作品線上化，我要找到一個『第二現場』，就是觀眾明確地知道自己坐在家裡，而不是假裝在觀眾席，然後再強化他們在那個空間當下的感受。」 洪唯堯說明，大眾早已習慣觀看的直播、球賽就是第二現場的概念，因此他利用人們在異地閱讀、認識同一事件的行為，撰寫線上展演劇本。 進港浪製作線上展演作品《神不在的小鎮》突破傳統空間框架，讓觀眾以多種視角理解劇情。　圖／進港浪製作提供科技提升線上觀看體驗　表演者尋求新模式「觀眾的消費習慣還沒有培養起來，而且他們以前看表演也是為了享受在劇場空間裡面的感覺 ，所以線上的吸引力可能會低一點。」陳煜典指出，台灣的線上展演仍在起步中，還沒有被許多消費者接受。不過在現今的數位時代，洪唯堯也提到，越來越多藝術團隊開始關注線上展演發展的可能性。除了表演團隊開始從事線上展演，科技公司也著手讓直播系統更為完善。為了讓觀眾在線上展演得到更好的觀賞體驗，銓球感映股份有限公司也致力改善網路直播平台延遲時間過長的問題。銓球感映股份有限公司負責人王仲偉說：「在技術上我們可以做到三個小時內大概delay時間維持在三秒以內，那如果是一個小時，維持大概是一秒。」他們的技術不僅能縮短直播延遲時間，也能讓表演者與觀眾即時互動。另外，銓球感映也致力改善多視角切換技術，「因為多視角切換在現有的技術來講，假如說有四台攝影機，我從一號機切換到二號機的時候，中間會變黑，因為要重新reload資料。」為了讓觀眾在切換視角時，減少螢幕在觀看表演中途變黑的情況，他們也盡力開發順暢的視角切換方式，提升觀眾參與線上演出的體驗感。在疫情驅使的數位浪潮下，觀眾不必走入劇場，依然能在家中享受精彩演出，甚至與表演者產生更多交流，抑或是成為表演的一部份。隨著數位科技越趨發達，技術的發展無遠弗屆，周瑞祥看好線上展演的藍海市場，認為線上展演打破空間與國家的物理框架，將成為未來的演出趨勢，「我覺得線上演出能玩的東西比大家想像的多很多，自從我自己做過以後，我認為他的發展性是無限的。」 隨著數位科技發展，線上展演打破空間與國家的框架，或將成為未來的演出趨勢。　圖／進港浪製作提供