【記者王華琳新北報導】「我不是要跟家庭和解，而是當我了解為什麼痛苦掙扎時，才會明白我為何這麼急迫地想尋求存在感。」國立臺灣藝術大學美術學系當代視覺文化與實踐碩博士班學生劉耀鈞於9日起，在臺藝大北側聚落38.07.08展間舉辦個展《再等我一下，快到家了》。他將自身的口頭禪化為展覽名稱，傳達自己與他人的距離感，並暗示一切的終點依舊是家庭。該展透過影像記錄藝術家的原生家庭，以及與家人之間的相處，探討自己、家人與創作三者間微妙的羈絆。 《直至休耕》的拍攝過程，讓劉耀鈞不僅重新審視與家人的關係，也發現家庭對他創作的影響。　圖／王華琳攝「藉這個契機再回歸家庭後，我重新意識到家人，對我來講其實很重要。」劉耀鈞說明，他年初所拍攝的紀錄片《直至休耕》，講述隨著阿公、阿婆年紀增長，自家農田終將面臨休耕的故事。在過程中，他慢慢意識到家庭對價值觀與行為的影響，再加上家人無法理解自身創作的隔閡，讓劉耀鈞選擇以第三方的「攝影師」身分重新回到家庭，分析並挖掘問題與起因，尋求被家人接受的歸屬感與身分認同。劉耀鈞偶然於老家櫥櫃中，翻出父母過去的結婚影片，發現了這段與自身相關，但他卻不存在於畫面的影像。作品〈關於過去的一場婚禮〉呈現傳統婚禮中，重視「儀式感」的繁複禮儀。「就像是攝影過程中的準備程序一樣，並非是浪費時間。」他認為繁瑣的婚禮儀式讓人更珍惜家庭價值，因此他透過此創作，試著思考家人在他心中的意義。劉耀鈞也保留原始影片中的粗糙與晃動感，「對我來說它的溫度在於複雜與儀式，但是為什麼會有溫度，可能是因為你從這個時代，遙望過去已經追不回來的記憶。」 劉耀鈞透過現今所習慣的觀看規格，呈現過去畫面，藉此探討影像的時代性。　圖／劉耀鈞提供在作品〈打板計畫〉中，劉耀鈞以電影的「打板」動作介入日常生活，從和阿婆看似文不對題的交流，到「擲筊」詢問神明是否該成為藝術家，最終卻獲得三個笑筊的結局。「這體現我與家人的互動，它好笑但是其實是一種無奈。」劉耀鈞說明，作品中看似荒誕奇妙的事情發展，其實暗示著個人與原生家庭之間的缺失感。期盼能獲得家人回應與理解的他，卻只能將渴望轉移至神明上，從中獲得回覆與認同。觀眾國立臺北藝術大學美術學系碩士生陳俊宇認為，創作者通常在面對與自身相關的事件時，都會有所保留，「但他卻很誠實地去面對，以我對他的認識來說，他的誠實有時候也是某種不得已。」 作品〈打板計畫〉旁．地上放置了許多反面的筊，與一個正面的筊，呼應影像中的情景，也象徵不斷祈求的盼望。　圖／王華琳攝在〈Still landscape〉中，劉耀鈞將盲蛾停留在手上疤痕的影像，以模仿舊電影規格的形式呈現在燈箱上。他認為蛾會隨著光的方向前進，「就像我一直在追光，從城市的中心追逐到邊緣，但其實光源就是我對於攝影的迷惘。」雙頻道錄像作品〈A blind moth〉，右側是劉耀鈞在未找到攝影主題核心時所拍下的影像內容，如同日記一般記錄著當下的心態與生活。而左側則是相隔三年後臨摹過去氛圍所拍攝的影像，隨著時間與環境的變化，即便存在許多臨摹過去的部分，依然無法完全還原當下的氛圍與情緒。 劉耀鈞將影像以仿舊的形式作處理，他認為記憶看似模糊且破碎，但實際上卻能拼湊成一件完整的事物。　圖／劉耀鈞提供「原本很擔心變成我一直在談論自己家的事情，但後來發現家人間的溝通問題，其實是每個人都會遇到的狀況。」劉耀鈞提到，他的藝術家朋友都能對家人不理解的情況產生共鳴，但他仍試圖將這份心得轉化成作品，讓更多人思考自身與家人的相處關係。觀眾梁煜培認為，劉耀鈞在製作〈A blind moth〉時不清楚自己的創作，家裡也不理解他的事情，「但你可以感受到內容非常真實，作品都有一個很強烈的特徵，他把自己的煩惱思考直白地揭露給大家。」 劉耀鈞將自身工作室搬入展場中，以塑膠布幕象徵工廠般的生產區域，並在展期間以「無人的展間」為題，拍攝紀錄片。　圖／劉耀鈞提供 劉耀鈞將過去所拍攝的影像，以記憶般瑣碎無序的方式進行播放，同時又以圓型框架聚焦作品，創造獨特的「失焦感」。　圖／王華琳攝 

【記者李雨羲綜合報導】以色彩勾勒情緒起伏，在渾沌中描繪出靈魂的千百種形態。來自國立臺北藝術大學美術學系的徐宇謙，於11月27日起舉辦個展《靈魂詩 The inner flesh》，透過油彩與素描，形塑出靈魂的樣態，並試圖進入難以觸及的內在世界。 徐宇謙個展《靈魂詩The inner flesh》於11月27日起至12月1日舉辦於北藝大美術系館南北藝廊二樓。　圖／李雨羲攝「我究竟為何而悲傷？為何而愛？我至今仍然無法為他們找出一個解釋。」徐宇謙表示，他所想像的內心世界相當渾沌，無法透過確切言語去形容它的樣貌，因為內心情緒並非清晰獨立，更多是以相互堆疊且混亂的狀態存在。因此，他想藉由此次創作，在繪畫過程中沉澱自己，再梳理出不同瞬間的感受。 徐宇謙在展場中穿插素描與油彩兩種媒材，油彩厚重且凝固速度較慢，用以表達長時間的情緒，而素描則如同拍照一般，捕捉瞬間的心情。　圖／李雨羲攝「我們總是傾向於把所有無法以外在物質描述的事物歸類於靈魂。」徐宇謙認為內在世界中的精髓便是靈魂，而每一瞬間狀態都不盡相同的靈魂，讓人們無法以準確的物理條件去感知，只能隱約體會到它的存在。因此，在〈Chaotic〉中，徐宇謙將靈魂與現實分別以團塊和水流去做對比。水流象徵著現實事件在我們眼前上演並前進著，而我們的內在則是渾沌地滯留在一旁，看似靜止，其實情感仍不斷地相互抵銷又重新組合。 徐宇謙將素描畫作佈置在展場的角落，並以不同的深淺與層次呈現，藉以引導觀眾的視覺動線。 　圖／李雨羲攝除了形態之外，徐宇謙更將自身情緒入畫，透過不同色彩的堆疊，紀錄在創作過程中出現的情感。在〈Misty〉中，雖然徐宇謙未畫出明確主題，但他嘗試將自己對於世界的觀察與理解，連結色彩與情緒，呈現在作品之中，「世上的歷史與文明都成了生活中的一環，也在間接影響著我。」觀眾北藝大美術學系Cora（化名）表示，他在展覽看見與平時截然不同的徐宇謙，「我想像中的他是心如止水，但從他的畫中卻看見了更多的暗湧。」 徐宇謙分享自己替作品命名時，經常以作畫時的情感連結作為主題，像是〈Misty〉便源自於作畫時聆聽的Ella Fitzgerald《Misty》。　 圖／李雨羲攝「紅具有很多的意思，苦的、痛的、慾望的，甚至是戰爭的沉重。」徐宇謙解釋，作品中大量使用的紅色元素，是為了表達戰爭的血腥與沉痛。在籌備過程中他也透過閱讀《摩洛哥流謫》一書，啟蒙了自己對於戰爭的關注與了解，再加上恰逢「以巴戰爭」，更間接加深徐宇謙對於文明情感的複雜性，並將其透過「紅色」投射在作品之中。 過去徐宇謙較常以原色表達純粹的情感。接觸了梵谷（Vincent Willem van Gogh）的作品後，才意識到情緒的複雜性，進而嘗試使用更多色階去創作。 　圖／李雨羲攝「詩精簡卻文意盎然，畫直觀卻富含情感，他們與靈魂在我的展覽中網狀交織。」談及展覽命名緣由，徐宇謙表示靈魂總是自由而不受拘束，就像詩一般靈活跳躍，而畫則給予了靈魂穿梭的空間。觀眾北藝大美術學系陳同學（化名）表示，自己在觀展的過程中與徐宇謙的作品十分有共鳴，好像也能在這些畫作之中看見類似於自己靈魂的模樣，「每個人或多或少都會有像徐宇謙一樣混亂的內心世界，差別只在於我們如何去表達它。」

【記者吳玟錡綜合報導】台東縣政府首度舉辦「金曲聚落音樂會」，結合2023台東原住民音樂人特展（以下簡稱原民音樂特展）和三門音樂創作坊課程成果展示，於26日在台東縣原住民文化創意產業聚落熱鬧登場，讓民眾在觀展同時能聽到不同形式的原住民音樂現場演出。 13個影像播放機，佇立在台東地圖形狀的底部，影片沒有華麗的運鏡和剪輯手法，以定格在部落道路、海邊的日常畫面呈現。　圖／吳玟錡攝現場空間分為室內外，戶外廣場先展示三門課程的成果影片，呈現學生體驗原住民音樂，重新分解傳統樂器音色，和師長討論數位技術改編樂曲的過程。室內則分為兩層樓的展間，原民音樂特展策展人Andy（本名林盈禕）說明：「音樂本身就是沒有侷限的，展覽的初衷希望透過不同音樂媒介推廣原住民文化。」 鄭又銓提到「大家都知道原住民在音樂上的成就，但從來沒有人去盤點。」他很開心有個活動，能匯集展出不同年代的原住民金曲。　圖／吳玟錡攝二樓則是互動黑膠館，完整保留從過往到現代近千首的原住民歌曲，讓民眾體驗購買黑膠唱片的時「挑選」的過程，結合互動裝置，可以生成線上數位歌單帶回家聽。這個活動能接觸到不同年代的原住民歌曲，民眾鄭又銓說：「原住民跟漢人的文化界線在現代越來越模糊，所以我想藉由音樂了解過去部落的歷史脈絡。」擔任黑膠館的青年導覽員洪培斌描述：「許多居民在展間聽到家鄉部落民謠勾起生活回憶，忍不住手舞足蹈。」如同Andy提到的策展理念，「台東原住民音樂很重要的特點之一是這片土地。」原住民以前沒有文字，但以傳唱保留文化，對原住民來說，音樂如同血液，連結與身體、土地的情感。 謝宗翰描述課堂中年紀較大的長輩，雖然對數位科技、電腦操作不熟悉，仍很認真努力的學習，創作出特色歌曲。　圖／吳玟錡攝活動的其中一門音樂課程——原住民傳統樂器採集創作坊，其成果展演是用數位音樂取樣結合阿美族傳統樂器「竹鐘」的音色。中國科技大學數位多媒體設計系副教授謝宗翰舉例：「有位學生使用筆電不小心按到錄音，他就把錄到的話一直反覆播放，搭配竹鐘敲打聲響的細微變化。」兩者形成一種簡潔特殊的音樂節奏感。輔仁大學音樂學系的王晟維是布農族，這次擔任創作坊助教，他補充，「原住民音樂的元素分為語言和樂器。」而他是都市原住民，比較少接觸到族語，「許多部落的歌曲是老一輩口耳相傳，沒有特別被記錄或記載。」但他認為透過原住民流行歌能更快速學習族語。 民眾表達最喜歡的展區是黑膠互動館，讓年輕人體驗沒經歷過的黑膠唱片時代，用現代的科技方法重新去連結。　圖／吳玟錡攝王晟維表示自己參加後深受啟發，未來想透過系上所學的專業電腦軟體技術，將部落歌曲數位化，重新編曲創作。金曲聚落音樂會讓更多人認識台東的原住民音樂故事，也讓離開家鄉的原住民後代了解部落的文化底蘊，新舊更迭為部落譜出新的樂章。

【記者蔡愷恆綜合報導】「世界承諾我們自由的神話，但我們從未獲得它。藝術始終與審查機制並行。」加泰隆尼亞國際大學（International University of Catalonia, UIC Barcelona）學生弗拉迪斯拉夫．斯魯茨基（Vladislav Sludskiy）分享他在參觀藝術禁品博物館（Museu de l’Art Prohibit, Museum of Forbidden Art）後的感想。博物館於10月26日在西班牙巴塞隆納開張，為全世界第一個以「禁物」藝術品為主題展品的博物館，開館首週末吸引超過2000人造訪。 美國攝影師安德烈斯．塞拉諾作品〈尿浸基督〉已發布超過數十載，期間因宗教爭議引起美國文化界與基督宗教社群反彈。　圖／藝術禁品博物館提供加泰隆尼亞籍記者兼收藏家塔喬．本尼特（Tatxo Benet）於五年前開始籌備藝術禁品博物館的開展計畫。他一共蒐集200件以上遭到各國政府或社會禁止的作品，其中42件作品在開館期間展出。展品多是因為宗教限制、政治審查、社會抗議或是創作者的爭議性身份而無法公開展示。 中國藝術家艾未未以創作與言論自由之名向樂高購買積木，樂高公司則反對將積木使用於任何政治表達。　圖／藝術禁品博物館提供藝術禁品博物館方期望，透過展示並保存一些無法公開的藝術品，可以讓那些藝術品用自己的方式呼吸、存在。博物館公關經理莉迪亞．佩內洛（Lídia Penelo）強調，「藝術品經審查後，背後的含義已經不止於表面的視覺呈現，後續被眾人爭論與審視的內容也成為作品的重心與價值。」生長於嚴格審查機制國家的哈薩克藝術家柔亞．法爾科娃（Zoya Falkova）解釋，藝術在社會的作用是提出對社會制度的質疑，並期望人民因此付諸實際行動改變社會。他因此認為，藝術創作不該被審查機制限縮，社會也不應設置審查制度控制藝術，因為「文化不需要被統治。」 法爾科娃的作品〈Evermust〉帶有強烈女性主義思想，最初在吉爾吉斯展出，最終遭到抗議而撤下。　圖／法爾科娃提供「展覽內容引人入勝！」斯魯茨基興奮地說。他觀察，即使是在強調能自由創作的歐洲，只要仔細從道德觀、法律、文化等層面分析，便能發現大部分的藝術創作都還是被限制。觀展民眾可可・夏多（Coco Chateau）坦言，他原先擔憂展品會突破他的道德底線，但觀展後的他直呼：「完全相反！展品不僅充實了我對於藝術品的了解，更讓我感受到民主的重要性。」對於藝術禁品博物館的未來規劃，佩內洛希望博物館能發展成審查制度的研究中心。他指出，藝術禁品博物館的目的是推動大學生反思與產生批判性思考，目前館方更針對大學生規劃與藝術自由相關的活動。夏多表示，目前僅能在西班牙觀賞作品稍顯可惜，他期盼館方能夠舉辦巡迴展覽，讓藝術觸及世界的各個角落。 藝術品是複製鑲嵌於奧斯維辛集中營入口的標語：「勞動帶來自由。」博物館想透過此雕塑呈現集中營與該政治環境帶給個人的威脅。　圖／藝術禁品博物館提供

【記者吳玟錡新竹報導】新竹市文化局首度舉辦的「九降風音樂節」於21、22日登場，在風livehouse熱鬧開展，除了邀請獨立樂團、歌手演出，本次更結合「風神榜原創音樂大賽」，挖掘具特色的在地樂團。音樂節提供表演平台給跨世代在地樂團，期盼提升「風城」的音樂能量。 比賽結果宣布後，風神榜原創音樂大賽參賽者和表演樂團開心的和評審一起在舞台上合影。　圖／吳玟錡攝參與演出的「海岸乾杯」主唱阿寬（本名何振寬）出生於新竹，家中從事新竹重要的玻璃產業。他將從小做玻璃裝潢的工地回憶寫進歌裡。阿寬也很喜歡假日時到新竹南寮漁港創作，他說：「〈欲來出海〉是我在工作期間的感想，把自己比喻成船，想像自己順著九降風航行出海。」海岸乾杯是他們在新竹唸大學時成立，即將邁向第十年，團員們感性地回憶起這幾年各自忙於工作，音樂節讓他們重聚，回到一切開始的地方——新竹。入選前十強的參賽樂團「工一計畫Plana」則是由四位國立清華大學學生組成，以學校工程一館簡稱命名。此次參賽作品〈原廠設定〉描述機器壞掉，按鍵回復原廠設定，「大學曾經有段時間狀態不好，需要重新歸零、重新出發。」團員將在學校宿舍的經驗、理工背景、科技、工程等元素融入歌曲，加上特殊的後搖滾風格，是評審認為兼具創意、新竹特色的新時代學生樂團。 工一計畫樂團成員提及成團之初也經歷爭吵磨合時期，每個人的壓力來源不太一樣，經過溝通後，凝聚共同目標。　圖／九降風音樂節主辦方提供風神榜原創音樂大賽也吸引各地優秀創作者，第一名樂團Tickle Tickle來自中部，「未來想把新竹貢丸湯結合創作！」他們提到對新竹美食印象深刻，期待藉由音樂和美食串起地區間的文化交流，團員也形容自己樂團特色如同九降風，很「風」狂，以強烈舞台風格和能量獲得評審青睞。 第一名的Tickle Tickle樂團獲得新台幣30000元加獎盃一座及浮現音樂祭秋季場11/18（六）演出機會。　圖／吳玟錡攝風神榜參賽者大多是剛成立不久的樂團，不過他們仍創造了一場讓觀眾極為沉浸的表演。比賽尾聲，有的人聚集在舞台前以鐵欄杆為界，隨著音樂曲風轉變，拿起手機拍攝，舉起手跟著旋律盡情擺動身體；有些則在台下角落貼著牆壁坐著，靜靜注視舞台表演，透過音樂和歌詞，建構各自的小宇宙。就讀國立政治大學中文系大三的學生蔡聿謙提到：「之前參加的都是戶外音樂節居多，在室內舉辦的感受很特別。」音樂節的「新竹」樂團多數是和在地有地緣關係，但觀眾和評審也意識到音樂創作和在地連結的難度，「新竹是客家重鎮，我其實很希望能聽見客語樂團，這次比較遺憾沒有。」觀眾陳羿綺表達他對「在地」音樂節的期待。多數民眾表示新竹的音樂活動很少，而表演樂團也提及鮮少收到來自新竹的表演邀約，希望未來政府能策劃更多相關活動，提高音樂節宣傳預算，讓更多新竹音樂團體有機會被看到。 九降風音樂節參與民眾多數為年輕人，在現場專注欣賞表演，拿起手機記錄下感動氛圍。　圖／吳玟錡攝比賽初衷鼓勵參賽者結合「新竹」和「風」，但九降風音樂節策展人兼比賽評審島楎（本名劉鈞輝）從評選過程中發現，很難拿捏樂團音樂技術和創作結合在地的關聯性，導致評比困難。他補充，「要培養出具在地特色且有音樂技術水準的樂團，其實考驗創作者的軟實力，而這是需要長期深耕的文化素養。」最後他建議，養成音樂人才的管道除了結合高中、大學社團培訓，新竹應有更多屬於音樂創作者的舞台。

【記者黃𦲽湄綜合報導】大稻埕老商家相談甚歡，青年團隊舉著攝影機於現場穿梭，記錄開幕茶會。台灣亞太青年學院聯盟與六校青年設計師於1至6日在Olympus Plaza Taipei 大稻埕旗艦店，一同舉辦《大稻埕之絕代風華》青年設計師創作成果展，展出新詩、家書、記錄片與文創商品等作品，呈現青年眼中的百年歷史。 「大稻埕之絕代風華」青年設計師創作成果展以文字和影像傳遞大稻埕歷史。　圖／黃𦲽湄攝青年設計師在文創商品上繪製城隍廟相關特色插畫，擺在桌上供民眾欣賞。台灣亞太青年學院聯盟秘書長房福慶表示，學生實地走訪老商家，深入了解商鋪文化背景，再將其藉由物品呈現。他強調：「一定要非常近距離地去聊天，我們才能知道他們（老商家）的想法、感受以及需要，我覺得這是很重要的。」民眾黃瓈葳也說到：「展覽可以讓他們接觸平常不會在意的事情，像霞海城隍廟並不是只有月老，背後還有百年街屋、歷史餐區等。」 現場播放豐富的紀錄片影像，吸引民眾一同了解大稻埕的歷史軌跡。　圖／黃𦲽湄攝展場紀錄片內的受訪者雖多為長者，他們的聲音卻充滿力量，傳遍展廳各個角落。黃瓈葳提到：「不管是大稻埕或者新竹客家莊，很多都是口傳歷史，若沒有透過影像或文字把它書寫下來，其實照我們20幾歲的這一代，下面就很難找到任何的文獻資料。」民眾林金燕也表示，文化傳承需要更多人參與，並以多元視角呈現歷史。在這次展覽中，中國科技大學視覺傳達設計暨碩士班參展者郭正勳，展出帶有祝福寓意的印章，他分享道：「年輕人以當代的角度解讀歷史，將具有衝擊性與張力的創意表現在文創商品等作品上，這也是闡述歷史文化很棒的方式。」 青年設計師以不同思維詮釋當地特色，郭正勳認為，年輕人可以創造在地新價值，藉作品呈現多元樣貌的大稻埕。房福慶也提到，不管是透過展覽、書籍、新媒體或自媒體的方式，都能讓文化歷史得以傳承保留。青年與老商鋪跨世代對話，攜手回顧大稻埕的昔日舊事，期盼展覽能傳遞與延續這片土地的歷史。 

【記者蔡文馨、彭嘉輝台東採訪報導】首屆台東聲光藝術節《台東光祭》，在傳統原住民舞蹈和古謠歌聲中揭開序幕，透過12組結合聲光的裝置藝術，為台灣後疫情時代，帶來更多療癒的光。展場中，許多作品出自台東藝術家之手。由藝術家伊命．瑪法琉創作的〈Ruma•家家有火〉，特別選用卑南族傳統建材「竹子」與「木頭」，打造安定溫暖的家。藝術家伊命．瑪法琉說：「但是我想說光祭的那種溫度呢，就是光要打出來的時候我就會想到說利用竹子，竹子也是我們卑南族的建材，一個在蓋房子裡面很重要的材料 。」觀眾陳稚育說：「因為我自己本身就有三個小孩，所以知道爸媽的辛苦，它就是在衍生家家都有在生火煮飯的意念，傳承的意思。」還有藝術家饒愛琴親手打造的〈台灣海棗・能量連線〉，使用展場中原本就有的海棗樹，結合馬賽克拼貼與鏡子進行創作，反射觀看者與大自然的互動。藝術家饒愛琴說：「躺在這個樹下，就看這個樹葉它其實風來的時候。摩擦細微的聲音，就是很像很小的海浪聲，也很像好像它要告訴你什麼，休息的同時也希望有一個對照和一個反思。」藝術家在展場籌備作品時，還有許多知本當地居民，好奇加入創作行列。策展統籌鄭慧盈說：「你會看到很多部落的人，可能只是路過就停下來，就開始幫他們做作品，我覺得這是滿特別的一個氣氛跟氛圍，就是非常地團結，然後非常地有能量。」除了國內作品，也邀請到法國藝術團隊來台進行交流。首屆台東光祭期望透過溫暖的光，在疫情退去之際，重新感受人與人、人與自然之間的溫度，透過藝術，推廣台東本土文化，展現知本多元樣貌。

【記者戴婧雯綜合報導】「在拋離學術後，台語對於我而言又是什麼？是阿媽說的語言，是我的語言。」國立臺灣師範大學臺灣語文學系博士生陳柏宇以台語文學作品《失咒》和《閬縫》，分別入選2020和2021年文化部的青年創作獎勵計劃，並在15日的成果發表會暨媒合會上，分享自己的創作。 國立臺灣師範大學臺灣語文學系博士生陳柏宇在青年創作出版媒合會上為來賓說明，如何用漢字呈現台語。　圖／戴婧雯攝短篇小說集取名《失咒》，是「施咒」的諧音，靈感源自於陳柏宇父親叨念台語禱文的行為。《失咒》同時也可看作「失去的咒語」，象徵禱文這種口耳相傳的文學，因台語和祭祀文化式微而逐漸面臨聽不懂、不會說、沒人用的情況。陳柏宇以大台北地區和自己的家族史為藍圖，建立出一個獨立的時空，《失咒》便是以此時空為主軸述寫，不僅運用小說的奇幻空間感，也保留了自己經歷的文化記憶。對於《失咒》，陳柏宇坦言，故事本身並不特殊，也有很多人用台語創作，但他更想做的是語言實驗，因此本書透過穿插使用漢字、羅馬字表達台語的形式，試圖創造不同的閱讀體驗。如《失咒》的第四則故事，他特別設計用純羅馬字台語的段落，來詮釋阿媽的視角，「就好像精靈語，看得懂會覺得很有趣，看不懂也無妨，少了那段不會影響整個故事。」資深編輯、作家，同時是媒合會主持人的李金蓮肯定陳柏宇在文學上的表現，「柏宇在《失咒》裡運用了台語腔調的獨特性，我覺得這個腔調很美。」秉持想讓讀者接受不同形式台語的理念，陳柏宇推出台語繪本暨有聲書集《閬縫》。他解釋，閬縫的台語念作Làng-phāng，是裂縫的意思，在繪本集裡則是指老人。陳柏宇發現，鮮少會有文字作品去關心長者，「就好像電影裡穿越時空裂縫的感覺，台語和老人好像都掉進都市裡面的裂縫，成為大家的盲點。」於是他使用台語，去記錄自己家鄉老人的故事。繪本集《閬縫》預計會收錄六至七則故事，目前已有〈無掛手錶的阿財伯〉和〈阿滿嬸無去矣〉，所有故事都將以台語漢字和羅馬字表音的方式書寫。 國立臺灣師範大學臺灣語文學系博士生陳柏宇和搭檔鄭羽琪亦將印刷版的繪本集《閬縫》帶到青年創作出版媒合會供來賓參考。　圖／戴婧雯攝而《閬縫》的製作，陳柏宇邀請自己的大學同學鄭羽琪負責繪本設計。鄭羽琪說：「我和柏宇一樣，都是和阿媽一起長大的。老人對我們來說，不是一個很遙遠的族群。」所以，儘管鄭羽琪並非專業出身，自身對台語的認識也有限，但因感受到故事裡的寓意，最終還是接下這個挑戰。鄭羽琪非常喜歡用繪本學習台語的概念，「繪本是給小孩子看的，但我們之於台語，我們就是小孩子。」兩人都認為，大部分現代人只具備聽和說的台語能力，就如牙牙學語的小孩，因此《閬縫》採取繪本暨有聲書的形式，希望吸引更多人閱讀台語文學。《失咒》和《閬縫》裡的台語用詞都是依教育部推出的《台灣閩南語常用詞辭典》為準，而羅馬字的部分則是陳柏宇根據自己的腔調來翻譯的，他笑說，「有些用詞或句子可能只有我家是這樣講的。」而提及台灣文學的現狀，陳柏宇則希望未來可以有所突破，「想寫什麼就寫什麼，不會受限於中文，不會在中文的陰影之下。」 國立臺灣師範大學臺灣語文學系博士生陳柏宇和搭檔鄭羽琪在青年創作計劃的成果媒合會上為來賓展示繪本的部分內頁。　圖／戴婧雯攝

國立臺灣藝術大學工藝設計系碩士班學生陳庭怡的《練字》系列作品中文字「我」以及高偉凱創作的字帖。 　圖／張倩怡攝【記者張倩怡新竹報導】當文字與陶藝碰撞，圓滑與銳利的線條映現眼前，揭露文字的嶄新風貌。國立臺灣藝術大學工藝設計學系碩士班學生陳庭怡與台灣勞工運動家高偉凱合辦的書寫陶藝創作展《揉合併貌》，以陶藝為媒材詮釋文字，揭示文字創作更多的可能性與價值。展覽於1日起在藤藝廊展出。此系列作品名為《練字》，承載了陳庭怡練習寫字的情感與經驗。在展間可以看到各色各樣的文字，亦能看到同一個字以不同的形狀出現。如一個「我」字，會因創作時情緒的差異，展現出兩種截然不同的風貌，一者的線條圓潤而筆挺，另一者的線條則有些扭曲和萎縮，兩者都傳遞著創作者當下最真實的情感，「可能柔軟、可能鋒利，或是百變，都希望藉由作品來讓人感受我的感受。」他說。除了融入情感，陳庭怡也透過「文字、結構、空間」三者相互交織去詮釋作品，他說：「中文字的構成方式是由六書組成，在我的創作中會利用結構去做結合。」也因為漢字的結構提供極大的發揮空間，讓他能將情感自由地注入，使文字展現不同的形狀，「中文字的組成也有由兩個或多個獨體字組成一個的文字，這樣的關係可以使文字和結構有很多種變化，再加上空間，那會是更多面向的表現形式。」他說。 觀展者與《練字》系列作品中文字「我」和高偉凱為其寫的字帖互動。　 圖／張倩怡攝談及這系列作品的靈感來源，陳庭怡認為是啟發自生活經驗，「我就覺得語言其實蠻有趣的，可能說了這個字，但是別人理解的方式不一樣。」他說。這些日常溝通中出現的小誤會，反倒成為他的創作靈感，他發現人們可以「用自己的想法解釋某個字」，也讓他有了「用自己的情感詮釋某個字」的想法，如當中尖銳的線條透露著他的鬱悶，或以柔軟呈現他對該文字的親近。共同參展的高偉凱則展出書法作品，平面的創作與陳庭怡的立體文字形成鮮明對比。他表示陳庭怡的文字陶藝作品非常新鮮並具啟發性，「漢字本身是從具體的事物變成圖畫，慢慢距離圖畫愈來愈遠，變成線條為主。」他說，並表示在書法作品中，頂多以大篆和甲骨文等字體回到畫面的階段，陳庭怡的作品則復原到最原始的狀態。他也認為陳庭怡在這還原的過程之中融入個人情感和理性想法，重新讓文字的意義浮現，「在社會越來越不重視漢字時，重新找回我們對漢字的感覺。」 台灣勞工運動家高偉凱的書法作品和國立臺灣藝術大學工藝設計系碩士班陳庭怡的文字陶藝作品。　圖／張倩怡攝藤藝廊執行長張心寧表示，一般而言，大眾對書法展的聯想就是平面，且沒有顏色表達情感，而陳庭怡的文字陶藝作品則以立體的形式引導觀眾體會文字。而此次展覽，藝廊方也請高偉凱按照陳庭怡的每一份作品帶給他的感受去寫字帖，讓平面書法與立體陶藝文字相輔相成，以更多元的角度引領觀者體驗文字之美。

《事件是一所學校：轉型中的藝術教育》，是國立臺北藝術大學從歷史事件出發舉辦的一場回顧展覽。　圖／林玟君攝【記者林玟君綜合報導】國立臺北藝術大學美術學院於9月23日在關渡美術館舉辦《事件是一所學校：轉型中的藝術教育》回顧展覽。其中，由三位北藝大美術學系學生林峻銳、張大仁、劉妍蓁組成的「素描事件臨摹小組」，從1985年的「素描事件」（註一）出發，假想在事件當下的自己會有什麼樣的創作，促使大眾反思當年的藝術教育與歷史。註一：1985年的「素描事件」是北藝大於1985年舉辦名為《drawing show’ 85》的素描展覽，引發廣泛討論與迴響。在仍處戒嚴時期的1985年，藝術創作的空間相較於現在侷限，北藝大美術學系講師謝牧岐說明：「當時想要學藝術的學生們其實選擇不多，師院體系都是說要培養老師，沒有一所學校專門說我要來培養藝術家。」《drawing show’ 85》這場展覽打破大眾對素描的既定印象，學生不再使用單一的繪畫工具，而是混合多種材料進行創作，繪製的對象也跳脫傳統石膏雕像、水果等靜態物品，嘗試結合不同的動態元素。非典型的藝術創作，讓大眾開始思考「素描為何」，開闊當時台灣藝術教育的前景，重新建立對素描的定義。在展區二樓，「素描事件臨摹小組」展出一系列的實驗性創作，他們以1985年的「素描事件」為核心，研究1985年前後的七位教師、八位學生的訪談影片，並閱覽相關書籍後，讓學生以實際參與的方式，跨時空重訪當年的時代背景，想像自己是置身當時的學生，會有什麼樣的藝術創作。劉妍蓁以「米糠油中毒事件」（註二）為背景，創作〈劉文繡結束不了的1980〉，作品由三本獨立刊物和一幅繪畫組合而成。故事與繪畫中的角色因食用米糠油，造成背部潰爛，劉妍蓁在創作過程中思考：「事件到現在40年，患者身體裡其實還是殘留蠻多毒素的，它會遺留到後代，患者臉上都長滿了瘡疤，那些瘡疤是會發臭的。 」他希望以此作品，帶領觀眾反思當時的社會案件帶給受害者的影響。註二：「米糠油中毒事件」又稱為「多氯聯苯中毒事件」，民眾因食用被多氯聯苯污染的米糠油而中毒，為台灣史上最嚴重的食油危機。 劉妍蓁以「米糠油中毒事件」為背景，虛擬出一段故事。圖中的男孩文豪因食用米糠油而造成背部潰爛。　圖／林玟君攝張大仁的作品〈獨處的時刻〉，將畫作結合風和光，並以投影、木材、現成物為媒材，製造出隨機抽動且線條各異的光影，跳脫以往靜態的呈現，加入更多立體、帶有動感的元素。他假設自己若身為1985年的學生：「我也許會使用不同的材料，但不變的是對素描概念的探討，以及思考素描對自身創作的意義。」他也希望透過動靜結合的作品，能帶給觀眾沈靜、引人凝視的空間氛圍。 〈獨處的時刻〉利用室內、室外的物件，配合風和光影，引發觀眾對於場所、空間、動作、情境的想像。　圖／林玟君攝觀眾陳學宏分享：「看似一般的石墨以及紙張，透過描繪的深淺製造出不同的陰影，看似非常真實的紋路，好像賦予白色的畫紙生命。」 策展人郭昭蘭也期望：「觀眾進到這個展場的時候，能夠親臨歷史性的複雜度，能夠理解到歷史的現場有很多不同的力量同時在進行。」 透過展覽中不同層次、時空的作品，能讓觀眾意識到豐富的藝術歷史，並以此為基石，拓展更寬廣的自由創作道路。