請點擊圖片觀看完整報導。【記者古宇恩、李念庭、陳孟樺綜合採訪報導】由伊甸基金會主辦的第九屆無障礙生活節於10月28日在華山文創園區登場。本屆活動以「感官生活圈」為主題，藉由互動展覽與身障者現場短講，希望讓民眾體驗視覺、聽覺等感官受限的生活障礙，了解身障者的不便與困境。本次展覽共有七大展區，主辦方以身障者的角度出發，設計互動式的情境體驗，帶領民眾感受視覺障礙的視野限制、輪椅使用者的行動困難，以及聽障者在生活中辨認聲音的方式。參展民眾邱于庭也分享自己的觀展心得，他認為此次體驗確實有助於拉近民眾與身障者的距離，「我們生活中沒有那麼多身障朋友，所以很難去聽到他們很真實的感受。」展場中也設置「負能量語錄區」，透過文字與聲音，呈現大眾對身障者的偏見和刻板印象，期望讓觀展民眾換位思考，同理身障者的心理挫折。對該展區深有感觸的身障者林欣蓓說：「我發現那些文字有很多都是別人對我說過的話，譬如說：『哇！你好可惜哦，漂漂亮亮怎麼會坐輪椅？』」除了生理障礙，身障者也常面臨外在環境的考驗。由於國內公共空間仍缺乏完善的無障礙設計，常見的人行道與無障礙坡道時常過於狹窄或陡峭，而這不僅增加身障者的行動成本，也威脅他們的外出安全。針對現行的無障礙公共設施，台灣身心障礙兒童權利促進會理事長周淑菁也點出待改進之處，「對於這些行動不便的人來講，他們都要走很遠甚至繞一大圈，有時候根本是找不到，指引很混亂。」伊甸基金會資源發展處北區資源中心組長謝妤萱說：「活動能使民眾了解身障朋友外出或者生活上的困難，願意轉換心情去同理並尊重，努力一起改善我們的生活環境。」除了希望喚起民眾更多的同理與尊重，身障者和相關權利倡議團體也呼籲政府在制度規劃面能納入不同障別的需求，減輕他們生活的不便，藉此建立友善的無障礙環境。

【專題記者劉亭妤、張博涵、羅子恆、吳凱西綜合報導】行走在各色燈光堆砌而成的道路上，腳步伴隨滑鼠聲噠噠，朝著演唱會場前進，倏地，在服飾店前停下，線上付款購買歌手聯名款服飾並一鍵換上，唯有身著這件衣服才有擠進搖滾區的資格，粉絲身影之間凝結出屬於彼此的認同感。此時，門鈴聲一響，才驚覺原來剛剛所經歷的，是虛擬角色帶領自己享受的一場線上演唱會，而手上剛送來的包裹中裝著沉甸甸的衣裳，和方才虛擬世界中所著一模一樣，享受音樂的快樂也因此得以延續到現實。幾坪大的否極泰來音樂股份有限公司裡，執行長李漢群在採訪進行中丟出他的大膽想法，那是他對音樂元宇宙的想像：設定虛擬角色，在參與虛擬演唱會的過程中體驗「現實」與「非現實」交織而成的嶄新體驗，「我們會去想一些有趣的事情，或者是從裡面去開發一些商機。」李漢群深信流行音樂產業能引領社會，相信創新想法就像他所熱愛的音樂，只要彈奏出第一個音符，所有的想像都可能接連發「聲」。不只開發商機，也創造專屬虛擬世界的音樂體驗，觀眾能隨意走向鼓手，或者靠近吉他手，玩轉音源、體驗不同樂器的音量組合，「所以在音樂的設計上面，可以做各式各樣的玩法，它就已經不是我們平常聽到的音樂。」背對窗戶的辦公桌前，如此的想像已經不知道在他的腦中上演了幾回，若時序流轉回十年前，這樣的天馬行空猶如癡望夜間點點星光，如今，隨著新虛擬科技日新月異，畢書盡於民國109年出道十年之際嘗試運用VR技術舉辦演唱會；隔年A-Lin在360度投影空間創造沉浸式展演；同年Julia吳卓源與婁峻碩SHOU共演《在田星球－翻玩音樂趴》XR音樂節目；今年，五月天舉辦突破三維空間、以元宇宙為概念的《陪你跨年線上演唱會》...，音樂人紛紛嘗試虛擬形式展演，漸次走上音樂元宇宙的實踐之路，創新的想法得以像真切可觸的燈火，被捧在手心感受。 A-Lin去年攜手音訊品牌「Soundcore聲闊」演出《Soundcore聲音夢境：A-Lin線上音樂會》，創造出兼具視覺、聽覺的沉浸式體驗。　圖／展演製作團隊FREES 自由設計創意總監馮建彰提供疫步藝腳印：疫情成虛擬展演推手新冠疫情邁入第三年，即使疫情控制不斷被各種變種病毒打回原點，在一切看似沒有明顯地好轉的低迷時局，虛擬科技產業卻得到蓬勃發展的空間。「隨著科技本來就會線上化，但因為疫情，加速了這個產業的發展。」李漢群回憶，在民國109年疫情爆發之初，表演邀約陸續取消或延期，原先預估半年能有10場表演，突然之間只剩下一、兩場，表演模式也改成線上展演，「2020年疫情剛開始，就是在嘗試替代實體表演形式，那是一個轉型的情況。」旗下藝人YELLOW黃宣不只接觸LINE線上演出，也多了BEATDAY虛擬展演的合作機會，從單純的實體表演線上化，轉變成一種結合全息攝影、VR、AR、XR等新科技技術的表演與互動形式，透過立體建模、特殊的攝影方式，在觀賞體驗上創造更多種可能。展演製作團隊FREES 自由的設計創意總監馮建彰也期待虛擬音樂展演的未來發展，「我曾經有這麼想過，這（虛擬音樂展演）就只是因為疫情關係的替代品，但沒想到疫情到第三年還沒有結束，然後這樣的產品看起來好像在發展中。」樂樂欲視　藝人融新科技創出多元演唱會實際走到表演前線，我們看見藝人運用不同媒介、場域，展演的各種虛擬演唱會。金曲音樂人阿爆就曾在「双融域 AMBI SPACE ONE」舉辦《聲．森不息》虛擬演唱會，視覺上用虛擬影像360度呈現壯闊的自然場景，阿爆則在其中擔任領航者，帶領現場觀眾一邊漫步在海面、森林、山谷中，一邊聆聽著歌手嘹亮的嗓音。阿爆認為虛擬技術再現了他對自身作品的視覺想像，「視覺設計的根基都是從我的音樂去發想、延伸，再被其他人重新轉譯，那也會有他們自己的靈魂在裡面，我覺得是很特別的一件事。」相對於《聲．森不息》用實體空間展演的方式，饒舌歌手蛋頭則和我們分享截然不同的演出經驗。他去年曾與虛擬實境音樂平台BEATDAY合作，出演《大嘻哈時代》全息投影演唱會。BEATDAY將演出場景打造成末日西門町，觀眾能在家使用電腦，以遊戲角色的身分在此元宇宙中穿梭、飛行，獲得360度的觀看體驗，還能更換角色服裝和髮型，而演出者則是以3D全息投影（註二）的方式在場中央饒唱。初次接觸虛擬表演的蛋頭興奮地說：「我覺得蠻新奇的，最後看到成品也覺得很帥！」註二：3D全息投影又稱為全像投影、全像3D，利用光線原理紀錄與呈現真實立體影像，使用者無需配戴任何眼鏡或頭盔等特殊設備，僅用肉眼就可看到立體虛擬人物或物件，此技術可用在展覽、商演、娛樂、交通工具展示等場合。而上述的線上虛擬演唱會常採用「多視角」進行場景設計，除了舞台正前方的視角外，還有主唱、導演、側邊或後台等視角供觀眾探索。李漢群更透露，在黃宣未來虛擬演唱會的DEMO中，觀眾能透過手指或滑鼠調整觀賞角度，「我就直接轉到樂手的臉前面去，還可以看黃宣的光頭後面到底是怎樣，這個就會很有趣。」然而面對新型態的演出方式，歌手及音樂產業工作者們都仍在摸索、學習。阿爆分享，歌手在虛擬演唱會須注意許多有別於傳統演唱會的細節，例如在綠幕前與鏡頭互動時的距離掌控，也要讓肢體習慣面對鏡頭。蛋頭也提及在綠幕攝影棚中演出時，因自己的造型不適合後期製作，須當下臨時更改，「它細節要求蠻多的，我原本蠻喜歡我的造型，但我的頭髮比較不好掃描，所以我後來改戴黑色的頭巾，也因為身上有一些衣服顏色比較接近綠色，會被綠幕吃掉。」 《大嘻哈時代》全息投影演唱會團隊前期在360度綠幕攝影棚中拍攝歌手表演，後期再將歌手製作成虛擬替身並融合遊戲引擎，打造音樂元宇宙。　圖／饒舌歌手蛋頭提供雖有許多細節待適應，演出者對新型態展演多保持正面態度。阿爆表示更多樣的展演方式是必然趨勢，蛋頭也說：「希望自己的表演方式愈來愈豐富，有新的、有趣的元素都會讓我想嘗試。」音樂製作人李漢群也積極看待變化，「藝人有一個使命感：他必須要帶領所有群眾和這個社會往更好的方向走，所以科技走到哪邊藝人就要走到哪邊，甚至藝人要去帶領科技去走向我們想要的地方。」他認為藝人必須跟著時代趨勢轉型、嘗試，才能讓自己成為流行性的代表。理想豐滿現實骨感　虛擬展演硬體、資金處處碰壁​​但當焦點轉回螢光幕後，卻能看見更多虛擬音樂展演的困難之處。以觀賞體驗來說，網速經常扮演關鍵因素，曾製作虛擬線上演唱會的馮建彰直言：「一慢的話什麼事都做不了，所以平台、硬體建置的網路要快是基本。」然而即使製作方的網速理想，接收方的網路頻寬不足，製作方的努力仍可能是徒勞，李漢群透露，「以個人化的手機來講，5G還是很弱，其實如果用過BEATDAY就知道，他（黃宣）在動作上面是有一點點卡的，有點lag這樣。」表演者阿爆解釋，若聲音、畫面產生延遲，將會導致觀眾無法感受到作品要表達的內容。此外，設備普及化也是難關，馮建彰指出，現在擁有頭戴式VR顯示器的人口比例不高，即使擁有顯示器也鮮少用作體驗音樂表演。在技術困難之外，馮建彰進一步說明製作方的成本考量。事實上，即使籌辦一場虛擬演唱會的花費比實體演唱會高出一些，也非製作方望之卻步的原因，真正的發展困境是成本難以回收：因為VR客群基數過少，且演唱會的受眾仍習慣觀賞現場演出，「這會不會回歸到演唱會是不是原本就該屬於現場的，你會很難去把它移植到虛擬上面。」所以虛擬演唱會是否能複製實體演唱會的模式？成果仍有待檢驗。除此之外，線上演出的付費機制也是成本難以回收的因素之一，華納音樂華語部行銷總監Catherine表示，票價的訂定還需要時間與觀眾共同建立價值概念，「要去小巨蛋或是要去北流開演唱會，你可能知道一張票3000、便宜一點的1600、VIP要4000，這些你是很有感覺的，但是一場線上演唱會，200你要出嗎？2000你要買嗎？」李漢群補充，因為線上演出大多都是免費入場，導致整體演出的收入僅靠廣告與贊助，甚至無法提供表演者該有的酬勞。最終產品的品質也影響民眾參與虛擬演出的興趣，馮建彰坦言，「這些虛擬產品其實是有的，但是拍攝下來的成果很糟糕。」但他將其歸咎於我國當前少有創作者在VR演唱會這項產品上努力耕耘，當未來更多人投入VR創作領域後，便有機會產製優秀作品；Catherine也認同這樣的展望，「以現在的角度來看2、3年前的虛擬音樂展演作品，會覺得有點好笑，這個產業、技術變化地其實真的非常快。」未來，當更快速穩定的5G網路涵蓋率提升、輕便又價格親民的VR眼鏡問世，虛擬世界的世代才會真正到來。夢想動畫企劃陳昶安認為，唯有在人手一副VR眼鏡時，元宇宙等虛擬型態的展演才有可能發生，目前BEATDAY的嘗試，僅是一場試圖提供大眾未來想像的實驗，並直指若是台灣要走到下一步，「技術一定要跑得比民生所能達到的程度還要快。」陳昶安身為虛擬內容產製團隊的一員，強調必須盡快完善場景設計、4D建模（註三）、動態捕捉等技術，台灣才能夠因應未來需求的發展。註三：利用多視角攝影機捕捉真實的人物動作 ， 再製作3D人物模型動畫。其攝影棚又分為綠幕攝影棚、LED攝影棚兩種。虛實共存開創展演無限可能　引領音樂產業步入嶄新旅程就目前的發展來看，實體演唱會與虛擬音樂展演仍是兩種不同的產品，任一方皆無法被取代。Catherine認為，實體和虛擬音樂展演存在著互補的關係，空間場域、互動設計與體驗上的差異，創造兩者並存應用的機會。國立政治大學傳播學院特聘教授林日璇強調，只有將內容做出差異，才能在疫情後持續吸引觀眾欣賞、參與線上虛擬音樂展演，「不建議把實體演唱會原封不動複製。」Catherine則解釋，當華納選擇要舉辦演唱會時，如何在兩者間衡量？即使藝人、唱片公司、音樂圈在疫情時代下仍然重視實體演唱會，「我們注重的還是當下藝人和粉絲的需求或他們最想要的關係。」華納音樂華語部目前也正在接洽虛擬音樂展演的案子。不過虛擬展演尚需與其他媒介結合才能趨近音樂元宇宙的多樣化特質，馮建彰提出兩大可行走向，他認為，在電玩世界裡產出虛擬偶像，或將真實偶像投放到虛擬世界中，都具備高度發展性，「這在國外都發生過，只是台灣還沒有一個電玩的產品能夠讓人進去辦演唱會，但我覺得這是未來的可能性。」直播化也是另一讓觀眾更易於接近虛擬演唱會及表演者的方式。Catherine想像未來或許也能利用區塊鏈技術，形塑演唱會文化，「以前我們去演唱會會到旁邊買周邊，那我們也可以把買NFT當作買周邊，打造一個元宇宙的概念。」 展演製作團隊FREES 自由的設計創意總監馮建彰認為，虛擬與實體演唱會不但不相衝突，還可綑綁銷售，「看完真實演唱會後你會回味無窮，你多希望回到家後你的偶像又在線上跳出來說我們繼續安可一個小時，這是兩種不同的產品，在賣門票的時候就可以一起行銷。」圖為馮建彰工作照。　圖／馮建彰提供相較於台灣，目前國外已在虛擬音樂展演領域累積許多經驗，例如Travis Scott曾與電玩《要塞英雄》合作，化為巨大的虛擬分身在遊戲中開唱；Michael Jackson過世後還在美國告示牌音樂獎頒獎典禮上「出演」。林日璇認為這些跨平台、跨時空的應用便是虛擬音樂展演的迷人之處，「這是實體沒辦法達成的事，觀眾看到就會覺得好酷，真的是未來世界的演唱會。」若要借鑑國外經驗，馮建彰認為台灣音樂生態尚缺乏追逐偶像的氛圍，「台灣現在的走向都在講創作、獨立樂團，沒有追星偶像，很難營造那種去追逐藝人的氣氛，產品就沒辦法太火熱。」並解釋，擁有大量粉絲的藝人才具備足夠的資源去靈活選擇音樂展演形式，粉絲規模太小便難以創造大型產業鏈。也正是產業發展未成熟，所以才使得台灣現階段多由影像產製端邀約藝人進行嘗試，而非藝人主動尋求合作，整體音樂產業在環境影響下，仍然普遍缺乏發展虛擬音樂展演的動機與自主性。對此，馮建彰建議，因華語音樂較著重歌詞的表達，若要擴大台灣音樂市場，或許能從外國華語市場著手。Catherine則認為產業動向終將順從消費者的需求，「不管技術怎麼改，最重要的就是消費者為什麼會想要看演唱會，音樂人、創意人都應該要對觀眾有更多觀察及了解，才能做出更感動人的東西。」當民眾與音樂能猶如耳機的兩端創造共鳴，屆時不論透過何種形式展演，才能都讓專屬於台灣的聲音在人心震盪不絕。

【記者陳嘉怡台北報導】木琴聲雜揉電子音樂從後方傳來，四周的牆面也隨著現場跳動的音樂節拍，發射出絢爛的影像。沉浸式展演《潘朵拉幻象》於9月24日至27日，在鳳甲美術館登場，打擊樂團隊以擊樂表演結合電子音樂、劇場藝術與數位影像，建構一個感官錯置的科技世界，審視自我意識與科技的關係。有別於傳統音樂會的鏡框式表演，策展人、國立交通大學音樂研究所學生謝賢德表示，《潘朵拉幻象》以16顆多聲道喇叭環繞展演空間，並結合三面環場的多媒體藝術牆，創造360度環繞的沉浸式場域，讓各種聲響與影像在空間中交疊、穿插並產生共鳴。他說：「沉浸式的聲場效果，能打破一般人的常理認知。」當觀眾緊盯前方的擊樂表演時，樂器並未發出聲響，而是從四面八方傳來，造成觀眾視覺與聽覺的衝突。 演出時，數位投影影像會根據現場聲音的頻率，做出相對應的光影變化。　圖／蕭景馨提供謝賢德認為，音樂不僅止於演奏音符，它能創造出一種嶄新的姿態，再與觀眾的感官共存。他說：「我希望藉由數位聲音科技，創造出打擊樂與電子音樂在聲音表現上新的可能性。」因此，音符透過電腦計算再重新組合後，觀眾會聽見兩種不同的聲音質地，包括麥克風收攏後重新分配的打擊樂聲，以及音效合成器轉化的電子音樂。最後，這兩種聲音再被電腦程式傳送至指定的喇叭，製造聲音的延遲與幻聽效果。 展演透過絢爛的光影幻象與環繞音響效果，讓觀眾彷彿置身於潘朵拉的盒子。　圖／蕭景馨提供除創造傳統打擊樂的其他可能性，謝賢德也想透過擊樂與電子音樂反覆交融，探討自我意識與科技訊息對話的過程。同時，他的團隊也利用即時投影配合現場聲音，呈現無限串流的雲端世界。他形容，這會讓觀眾的感官彷彿開啟潘朵拉的盒子，不停遊走在科技世界的虛幻與現實之間。「當音樂暫歇時，就需要刺激觀眾的視覺。」導演、就讀國立臺北藝術大學劇場藝術創作研究所的蕭景馨說。他在曲目交替的空隙，設計舞者走位與肢體動作，串連聲音與影像。因此，觀眾能將目光聚焦在舞者身上，等待下一段音樂表演。 民眾可以在表演開始前，敲擊鼓面或朝麥可風發聲，體驗多聲道聲響裝置。　圖／陳嘉怡攝因沉浸式表演沒有固定的觀看方向，觀眾可以自由選擇或站、或坐，讓展演空間的每一處都可以是表演舞台的延伸。觀眾李庭葶說：「這樣的演出形式不像一般音樂會規定嚴格，比較沒有距離感，因此能無拘無束地享受音樂。」主修古典音樂的觀眾葉家華則表示，這樣的實驗音樂掙脫傳統樂理的束縛，使創作者更能發揮聲音最純粹的樣態。

【記者林琬蓉台北報導】2019第14屆台北數位藝術節以「再轉存」為題，其中作品《Bio I/O》由國立交通大學應用藝術研究所工業設計組的「許峻誠實驗室」師生共同創作，於10月25日起在台北當代藝術館展出。以延伸人類感官為概念，使用穿戴式裝置，為觀眾帶來有別於日常的感知經驗。《Bio I/O》由交大應藝所工設組教授許峻誠、助理教授李建佑，以及學生簡浩評、鄔銘鋮、王可、李依軒、李家慶、蘇楷文、劉琳、莊芸共同創作，團隊成員結合科技和藝術，一共展出三件作品——〈游感〉、〈觸形〉與〈開頻〉。團隊共同研發三款穿戴式裝置，觀眾可分別體驗魚在水中游動的感受，海豚利用聲波偵測周圍物體距離的感覺，以及孔雀開屏時的情緒。團隊成員、就讀交大應藝所工業設計組的簡浩評解釋，由於設計的穿戴式裝置外型皆獨一無二，因此，團隊選擇以3D列印的方式製作裝置。作品〈游感〉發想自古文〈濠梁之辯〉（註1），讓觀眾體驗身為魚的感覺，進而思索魚是否快樂。觀眾將穿戴式裝置戴於手臂上，並以手掌模擬魚的擺動狀況，當手做出不同動作，眼前的影像將會配合移動，手上的穿戴式裝置也會根據手的擺動速度震動。就讀世新大學財務金融學系的賴世苓體驗該作品後說：「雖然手很麻，但好像真的在水中游泳一樣。」註1：〈濠梁之辯〉出自《莊子》一書，文中莊子主張魚是快樂的，惠施反駁莊子不是魚怎能論定魚是否快樂。二人此次在濠梁上的辯論也被後人稱為「魚樂之辯」。 《Bio I/O》作品之一〈游感〉，發想自莊子與惠施的「魚樂之辯」，讓觀眾體驗魚在水中游動的感受。　圖／林琬蓉攝觀眾也可以戴上頭戴式裝置，體驗作品〈觸形〉，隨著觀眾擺動頭部，眼前的視野也將改變。當視野出現魚群等物體時，裝置會隨之震動，臉部皮膚便可感受到物體出現的方向，觀眾彷彿化身海豚，與海洋生物悠游於海底世界。簡浩評提到，因為自己擁有電機背景，為此作品的電路設計費不少心力。  《Bio I/O》作品之一〈觸形〉，以海豚利用回聲定位為靈感，當觀眾視野中出現魚群等物體時，臉部皮膚將會依據物體出現方向而震動。　圖／林琬蓉攝至於作品〈開頻〉則探討現代人主要透過網路訊息聊天的現象，團隊成員、就讀交大應藝所工設組的蘇楷文說明，現代人透過線上聊天時因看不到對方的神情，難以得知對方的真實感受。聊天內容的腳本則由團隊成員、就讀交大應藝所工業設計組的莊芸設計，觀眾可透過平板電腦與程式設定的角色互傳文字訊息，若能成功邀請對方赴約，一旁的裝置會隨即「開屏」，展開成扇形。 《Bio I/O》作品之一〈開頻〉，發想自孔雀開屏，由觀眾透過平板電腦操作，如能以訊息成功邀約對方，一旁裝置將會展開成扇形。　圖／林琬蓉攝此次作品由「許峻誠實驗室」的師生共同創作，而實驗室主持人許峻誠表示，創作這些作品並不只是為觀眾帶來不同的感官體驗，也希望觀眾能思考現有感官的侷限，進而去思辨未來人類感官與科技發展的各種可能性。許峻誠認為，未來人類可能擁有類似海豚回聲定位與孔雀開屏的感官機制，他並說：「可能現在會覺得很荒唐，但並不代表未來不可能發生。」

【記者何昀儒基隆報導】淙淙水聲與波動的藍光環繞在防空洞內，象徵海平面若持續上升，海水可能成為人們避難的原因。《未來避難所》於18至20日在基隆市許梓桑防空洞展演，是一齣以防空洞為展場的作品，全劇以聲音與燈光敘事。這次特別邀請到國立台灣大學建築與城鄉研究所碩士班的林佩儀負責田野調查，協助媒合場地資源，並由導演李慈湄帶領藝術團隊執行創作。 波動的光影，映照在老舊的防空洞牆面，寓意著海平面若持續上升，在未來，海洋可能成為人們避難的原因，而基隆將會是全台首當其衝面臨海水入侵的地區。　圖／林育全提供2017年開始，台大城鄉所團隊「化被洞為主洞」於基隆展開防空洞的田野調查，透過臉書粉絲專頁與民眾分享調查成果，並首創在當地防空洞內舉辦闖關與展覽活動。團隊成員林佩儀解釋說：「希望引起關注與討論，讓居民更加認識家鄉的環境，藉此推動防空洞空間活化。」近年來，此想法逐漸獲得地方政府與民間的響應，本次活動即是由基隆市政府主動發起籌辦。 出身基隆的導演李慈湄表示，自己對防空洞早就習以為常，開始籌辦此劇場後，才意識到家附近處處可見防空洞遺跡，是件特別的事。　圖／林育全提供「防空洞是地方長輩們津津樂道的童年回憶，小孩子會自製粉筆火把，在洞裡探險玩耍。」林佩儀說明。但自從洞口被柵欄封閉，防空洞與居民的生活脫節，甚至成為治安死角。基隆過去是重要軍港，時常成為空襲目標，防空洞因而遍布街頭巷尾，再加上地形不利於戰後填平、掩埋等大工程進行，造就基隆現存防空洞數量高居全台之冠，約600多個。團隊期望這個承載歷史記憶的空間，能重新被認識與利用，成為展現城市新風貌的另類舞台。 演員馬妞使用粉筆在牆面上塗鴉，搭配五彩迷幻的燈光，象徵防空洞在過去，是孩童探險玩樂的場所，而這個獨特的兒時記趣，如今成為地方長輩們津津樂道的話題。　圖／林育全提供而劇本的創作理念則來自導演李慈湄，他在思索老舊防空洞與當今社會的關聯性時，想到將作品結合「氣候難民」的議題，使觀眾更有感。他提到，基隆附近海域是台灣海平面上升最嚴重的地區，但多數居民並不知情。透過「戰爭難民」與「氣候難民」的對比，李慈湄想提醒觀眾，「過去的災難（空襲）仍未遠，未來的浩劫（全球暖化）也許就在眼前，只是我們沒有察覺。」 團隊透過獨特手法，製造各種聲光效果，藉此打破時間的線性，讓觀眾在防空洞裡感受不同時空的縱橫交錯。聲音的部分主要利用重低音製造壓迫與窒息感，營造「避難所」的氛圍。而為與「未來」的主題相呼應，團隊發揮巧思，在拇指琴（註1）和小提琴中，加入硬幣或紅豆，創造未知的聲音元素。以冰塊敲擊水缸，則是能製造冰川融化破裂的聲響。演出的最後，樂手廖于萱在洞口吹奏單簧管，模擬基隆港灣響起的船笛聲，象徵災難過後的希望。 燈光的部分，李慈湄邀請來自新加坡的藝術家黑米（Helmi Fita）負責設計。他利用特殊燈具，製造波動的藍光，建構海水晃動的感覺與意境。觀眾涂千曼分享觀劇感想，他說：「演員用粉筆在牆面上塗鴉，搭配五彩迷幻的燈光，彷彿重回防空洞過往作為孩童遊樂場所的美好時光。」 藝術團隊就地取材，利用樹枝製造幾何形狀的光影，導演李慈湄解釋，幾何圖形是充滿未來感的素材，小至水分子的結構，大至宇宙觀，能夠給予觀眾無限的想像空間。　圖／林育全提供註1：拇指琴又稱手指琴或卡林巴（Kalimba），是一種非洲的傳統樂器，利用椰子殼或木盒再加上鐵片震動發聲，一般以拇指撥動鐵片來彈奏。

【記者徐卉馨綜合報導】公園中的鞦韆、溜滑梯和搖搖馬，是常見且重複的兒童遊樂設施，使小朋友的遊玩體驗受限，家長也擔憂單調的遊具，無法滿足兒童發展所需的感官刺激。由大同大學工業設計學系學生施燕双、莊宛純和張芷瑄設計的「咚咚公園遊具」，利用不規則形狀的遊具硬體設計，配合彈球、攀爬等多樣遊戲方法，可以使小朋友探索出自己獨特的玩法。「咚咚公園遊具」的外型如同草帽，遊具整體色彩呈現藍綠色漸層。在遊具底盤下垂吊著高低不同的彈力繩，小朋友可透過彈力繩將多種顏色的的小球彈射到遊具內部。另外，不同時間點的陽光照射與繽紛球體分布的改變，會使遊具內部呈現出不同的光影變化。施燕双說：「（小朋友）一邊玩一邊參與遊具在環境裡面的改變。」透過環境光影變化與多樣的色彩，遊具可以為小朋友帶來視覺刺激，而球體碰撞發出的聲音也能刺激其聽覺感官。 咚咚公園遊具的孔洞讓光線灑落創造視覺變化，彈力繩可發射出繽紛的球體。　圖／施燕双提供根據還我特色公園聯盟（後簡稱特公盟）表示，感官刺激有助於兒童大腦整合，遊戲過程則利於肢體協調，遊具與遊戲對兒童發展過程相當重要。施燕双也進一步說明，團隊藉由觀察公園小朋友的實際遊玩狀況，設計出一套小朋友依個性探索自己的遊戲過程，讓小孩可以發展合作、競爭形式的互動關係，「希望小朋友一邊玩一邊創造遊戲體驗，跟不同小孩玩有不同效果。」「咚咚公園遊具」在10月23日獲頒台北設計獎首次設立的「共融設計獎」，共融設計強調產品全年齡、不同身體狀況皆可使用，應用於遊具則可營造出更友善的公園空間。如團隊成員的設計初衷「一個人玩好玩，更多人玩會更好玩」，讓遊具設計能因應不同使用者。 咚咚公園遊具設計圖，草帽形狀與藍綠色外型，小朋友可以藉由彈力繩將小球談到內部，攀爬在遊具上。　圖／施燕双提供內部設施的彈力繩，有高低錯落的設置，可使不同身高孩子參與遊戲，且因遊戲過程的複雜性，可讓使用者擴大到不同年齡、心理成熟度的孩子。同時團隊在出入口做開放性設計，使遊具也便於坐輪椅的小朋友參與，在遊具供攀爬之處也有止滑花紋。施燕双表示，甚至陪伴者也可以彎腰，進入遊具一同遊玩。 在城市中兒童可玩耍的空間不多，透過公園遊具提供的攀爬、平衡的遊戲過程可訓練兒童肢體協調。　圖／徐卉馨攝對於公園遊樂場現況，特公盟2017年公布的自發性調查指出，一成不變的罐頭遊具過多，無法滿足兒童透過遊玩促進大腦發展的需求，也沒有在地特色。由於共融式遊具可提供多元遊戲體驗，因此可以改善單調、低刺激的公園環境，也使空間更友善。施燕双指出，目前較複雜的遊具建置還須建材與公園空間配合，甚至現行的《兒童遊戲場設施安全管理規範》對遊具的檢核，還尚未納入此類創新遊具，若要推動兒童遊具多樣化，尚須政府與民間的共同重視。

【記者謝宜臻台北報導】由財團法人擊樂文教基金會及朱宗慶打擊樂團所主辦的「JPG實驗室」計畫，7至9日在松山文創園區LAB創意實驗室，將《森槮－擊出自然的記憶》、《聲波圖物語》以及《As One》，三組擊樂演出搬上舞台。《聲波圖物語》由國立台北藝術大學音樂系四年級學生演出，表演方式引用「一人一故事劇場（Playback Theatre）」，讓觀眾分享自身故事，再由演奏家即興詮釋樂曲。演出共四場。每場演奏因故事內容而截然不同，有關於親人的沉重記憶，也有對愛情的體悟；表演者一一將故事化為演出靈感，無論是黑夜後的黎明，或對愛情無怨無悔的付出，隨即在琴槌下化為輕敲木魚或急奏木琴的節奏與旋律。表演者史孟航說明，通常人們是先看見樂譜，再去想畫面，但這次則先有畫面、再有音樂。表演者陳妍臻指出，演奏必須捕捉到故事當中的情緒、畫面，「用音樂去模仿、呈現、表達。」 《聲波圖物語》結合「一人一故事劇場」，讓觀眾分享的故事成為演奏家即興創作，使演奏家與觀眾共同成為演出的創作者。　圖／謝宜臻攝《聲波圖物語》讓表演者和觀眾不再只是面對面，「我們的作品也是他們的作品。」陳妍臻說道，這次也邀請觀眾一邊聆聽演出，一邊在畫布上描繪感受，「希望觀眾能聽到音樂，並勾勒自己內心的線條、聲波圖。」觀眾蔡詩禮表示，演出確實在他腦海中產生畫面，使他自由揮灑出水流線條。 《聲波圖物語》演出第二部分的互動模式，是讓參與的觀眾至座位席後方的畫布自由創作，使內心感受之聲波藉由繪畫抒發。　圖／謝宜臻攝《森槮－擊出自然的記憶》則重視互動體驗，觀眾上台觸碰紅蘿蔔、蘋果等實體蔬果，藉由蔬果導電產生音效；又透過行動裝置連結活動網站，點擊「樹」、「陽光」等森林元素的圖案，使數位音效結合現場擊樂聲，模擬森林氛圍，呈現跨領域藝術體驗。觀眾劉立媺給予演出正面評價，她認為用蔬果做出不同音效，既有互動感，整體聽覺效果也很好。 《森槮－擊出自然的記憶》以導電裝置與觀眾進行互動，使擊樂演出與音效巧妙融合。　圖／謝宜臻攝《森槮－擊出自然的記憶》以森林作為聽覺與視覺的主題元素，表演分成「矇」、「眼」、「生」、「展」四個部分，利用大自然隨著時間推移而消長，象徵人類的初衷被消磨與尋回。演出尾聲，擊樂家共同演奏木琴，敲擊激昂舒展的旋律，盼給予觀眾不同層次的體會。 《森槮－擊出自然的記憶》以自然為主題，開場第一部分「矇」展現自然的純淨。　圖／謝宜臻攝第三組演出是由北藝大博士生戴含芝與黃晉韋及聲響藝術家團體「HH」共同完成的《As One》，以即時影像、電子音樂與不同擊樂曲風的碰撞，詮釋音像（Audio-Visual）相互交織的獨特風格。「電子音樂有重低音的節奏，而打擊樂又有豐富的音色變化。」戴含芝與黃晉韋認為他們與「HH」即使來自不同背景，卻十分互補。「希望讓大家覺得我們跨域的演出，有融合為一的感覺。」戴含芝說，這便是《As One》想傳達的理念。這三場演出皆利用打擊樂結合多元領域的實驗與創作，呼應主辦單位鼓勵擊樂跨領域發展的期許，也為觀眾帶來一場音樂能量豐沛的饗宴。 《As One》視覺與聽覺皆與音訊緊密扣合，以即時影像、電子音樂，與擊樂多元音色碰撞出獨特風格。　圖／謝宜臻攝

【記者劉俊華高雄報導】高超的刀法、出眾的廚藝，並不足以成就一個好廚師，透徹了解食材，才是煮好料理的基本功。「第三屆義大盃食材辨識大賽」11月26日在義守大學舉行，學生挑戰分別運用五感辨識百種乾貨，考驗學生的食材知識。比賽以乾貨為主題，學生需要挑戰重重關卡，以感官準確辨認出各種食材的特質。首先快問快答，再以視覺於近百種食材中找出指定答案；聞十種不同食材的氣味；用雙手感受食材的觸感；最後品嚐飲料和湯品，找出當中蘊含哪種乾貨。義守大學廚藝學系助理教授林琳希望，學生透過比賽培養廚藝以外的專長，她表示，了解食材的性質，以及訓練對食材的敏銳感官，有助判別食材的狀態是否良好新鮮及掌控餐點品質，品評別人的料理時，也能一嘗便能感受箇中奧妙，「了解食材才可做出多樣的料理。」 參賽者挑戰視覺考驗，在近百種乾貨食材由找出指定食材。 圖／劉俊華攝 參賽者連續聞十樣食材，他們只能以能憑嗅覺記憶，辨認出乾貨食材。圖／劉俊華攝林琳表示，有別於常見的烹飪比賽，參賽者可以看、聞、摸、吃不同乾貨，是「有趣味性的知識比賽」。眾多關卡中，她認為嗅覺最能考驗學生實力，只要食材不新鮮、擺放時間長，味道都會有微妙的變化，而有些食材的氣味十分相似，譬如海鮮類的乾貨，「蝦米與柴魚聞起來會混淆。」國立高雄餐旅大學飲食文化暨餐飲創新研究生黃啟恩說，檸檬乾與梅子聞起來很相似，因此在嗅覺考驗小小失手。他認為辨識食材是料理的基本，平時只要多接觸食材，便能培養出準確的感官。義大廚藝系江怡珊雖然沒有得獎，仍滿意自己表現，為了比賽，她特地到高雄最大的南北貨集散地三鳳中街，直接了解乾貨的特質，「吃東西的時候會用到所有感官，但將它分開難度就很大。」「味覺考驗中有以昆布、柴魚、香菇搭配高湯熬煮的火鍋湯頭，混合起來很難說出它用什麼食材煮，還有菊花、桂花的花茶，雖有花茶的香氣，卻未必嘗得出加入哪種花。」題目設計者之一、義大廚藝系學生蔡宗廷表示，他們找了近百種乾貨，在準備過程中用到不少高價和少見的乾貨，因此增長知識。他認為單憑聞或摸來辨認食材有難度，但卻十分重要，「廚師對食材有充分認知，在廚房才能得心應手，因此辨認食材是廚師必學的知識。」 參賽者品嘗十種飲料或湯品，找出當中蘊含哪種乾貨食材，為增加難度，當中更有用兩三種食材熬煮。圖／劉俊華攝 

　【記者何謙綜合報導】誰說聽障者一定只能戴助聽器？9日美國萊斯大學（Rice University, RU）和貝勒醫學院（Baylor College of Medicine, BCM）發表了一款震動背心，根據接收到對話者的話語，以不同模式振動讓聽障者辨別對方所言，用感覺來「聽到」聲音，最大的優點在於其花費僅傳統植入式助聽器的1／40。背心在接收到聲音後會先通過手機或平版電腦中的行動應用程式（mobile application, APP），過濾掉背景音和環境雜音，以確保接收到的是對話者的聲音。萊大教授蓋瑞·伍茲（Gary Woods）解釋：「背心共安裝有40個致動器（actuator），會因為音頻差異產生不同的震動，並需配合智慧型手機同時使用。」聽障者要先經過訓練，學會振動模式和聲音意思的關係，再練習於白板寫下「聽」到的字句，一日的練習能讓聽障者記住單詞，月餘的持續訓練則能達到日常溝通。貝勒醫教授大衛·伊格曼（David Eaglaman）說：「經過培訓，聽障者能將感覺『翻譯』成聽覺。」伊格曼本身為神經科普書暢銷作家，致力於「感官替代（sensory substitution）」研究，他分析：對於治療感官功能缺陷，有人開發輔具，例如導盲杖幫助視障者平安行走；也有以恢復感官為主，好比植入式助聽器替聽障者收音；最新的做法則是將感官轉化，用健全的官能取代受損的部分。伊格曼補充：「大腦不會管資訊是怎麼被接收的，它只管能獲取到就好。」學生史考特·諾維奇（Scott Novich）說，研究最困難的部分，在於聲音是種處在1D空間而且快速直進的訊號，「我們讓致動器平均貼合整個背，等於是將聲音從1D轉成2D，聽障者就不會因為聲音速度太快來不及感覺。」諾維奇還提到，設計之初團隊讓聽力健全的人也參與測試，「他們覺得能用背『聽』到別人說話是一項全新的體驗。」傳統治療聽障的耳蝸植入式助聽器價錢約為10萬美元（約新台幣312萬元），購買一件震動背心卻只要1000美元（約新台幣30萬元），同時不需經過侵入式手術，伊格曼認為這項產品是貧窮地區的聽障者能負擔的價錢。學生阿布赫普雷·薩乎（Abhipray Sahoo）說：「震動背心的未來性不僅侷限在代替聽力，甚至其他受損感官都能透過觸覺神經傳導來取代。」