【記者黎昕俞台北報導】牆上懸掛著一系列宛如複製品的畫作，其中卻隱藏著許多微妙差異。國立臺北藝術大學美術學系胡馨方，於9日在北藝大南北畫廊舉辦個展《SAMPLE》，他藉由大小型態不同，但卻相似度高的作品，表達現代人拍照時常使用濾鏡，導致社群媒體上流竄著相似影音的現象。 胡馨方個展《SAMPLE》探討當今網路世代愛用濾鏡拍照的現象。展覽於9日在北藝大南北藝廊展出。　圖／黎昕俞攝走進展場，映入眼簾的是一整面以桃紅愛心為底，人物在前擺拍的畫作。本次個展中，胡馨方將所有畫作統稱為〈SAMPLE〉，他表示在瀏覽社群媒體時，自己時常被演算法推薦高相似度的影片，讓他審思模仿與複製的定義，「雖然都是不同的人，但在看完影片後卻覺得他們都是相同的人。」他刻意避開以版畫刻印出相同作品，反而利用噴槍徒手畫出相似的圖案，並讓人物的姿態有所不同，將複製與模仿的差異體現在作品中，他說：「我想強調每個人的外型雖然不同，但是本質和行為上其實都是一樣。」當以噴槍完成作品以後，胡馨方便用白膠製作出花紋，黏著在畫上，以回應個展主題，藉此模擬現代大眾愛好使用濾鏡的現象。同時，他在作品中繪出由下而上的打光方式， 讓它們具有光澤感，並將畫作置於同面牆，他說：「我想表現傳統舞台劇的視覺效果，彷彿觀眾在看畫中角色表演的狀態。」 為回應個展中的「複製性」，胡馨方在每件作品中上，黏著以樹脂製成的圖騰，模擬出「濾鏡」的感覺。　圖／黎昕俞攝談及將作品取名為〈SAMPLE〉的原因，胡馨方注意到現代人們喜歡在拍照時使用濾鏡，或是依照模板拍攝影片，導致大量如同樣本般的影音漫佈在網路上，他補充說：「它們只是恰好被大眾挑選、仿製而成，而我的作品就是其中一組數據樣本。」因此，胡馨方並未將作品個別取名，除了抹去每件作品的獨特性之外，同時也希望讓觀眾藉此反思自己的行為是否也是一種模仿。觀眾Hank（化名）表示認同藝術家的看法，「這些畫彷彿中古世紀的肖像家族畫，讓我覺得莫名的恐怖卻華麗。」 胡馨方特意不為作品人物畫上肌膚紋理等細節，藉此回應個展主題中的「複製性」。　圖／黎昕俞攝為呈現畫作中的複製性，胡馨方讓所有畫作以桃紅色的愛心為底，畫上不同姿勢的AI建模人像，「我刻意忽略人物的肌肉線條或是細微皮膚紋路，讓它看起來較平滑且具有膠感。」觀眾咪咪（化名）則認為藝術家使用的色彩，讓作品有種詭異的空洞感，當他代入自身感受時卻又會有隔閡的感覺。此外，胡馨方也特意讓人物去性別化，更不替它們畫上頭髮，「我想表達大眾愛用濾鏡的社會現象，純粹是我們這世代的產物，無優劣之分。」他補充道。

【記者黎昕俞台北報導】小女孩將粉嫩的色彩注入作品，童趣之中試圖重整過往感受。國立臺北藝術大學美術學系張瑄祐，12日起在天鵝座芝藝術展覽空間舉辦個展《天使注視》，張瑄祐利用平面創作或布織品，以第三人稱視角觀看過往自身經驗。談及選擇以《天使注視》作為個展主題的動機，張瑄祐說：「有時候我會用第三視角去看我以前經歷過的事。」他表示在這個狀態下進行創作，如同神話中記載的天使般，帶著純潔的眼光，溫柔呵護凡間的萬物。因此，在創作本次個展作品時，張瑄祐皆嘗試跳脫自我，試著用第三者的角度重新看待自身過往經驗。觀眾王同學（化名）認為個展彷彿張瑄祐的內心世界，夢幻卻黑暗。觀眾Luke（化名）則表示使用柔軟的布料、便條紙日常的塗鴉作為媒材，「像是把自己幻想的房間搬到展場玩扮家家酒，日常又不日常。」模擬中世紀宗教畫構圖的作品〈無題〉，張瑄祐抹去宗教的意涵，將其轉現成他在犯錯後，罪惡感作祟卻又希望能被救贖的心境變化。畫中白色頭髮的女孩象徵無道德瑕疵的個體，其他圍繞在他身旁的女孩，則代表犯錯者自責懊悔的複雜情緒。張瑄祐表示，這些女孩其實都是他自己，「如果我犯錯，會很在乎他人怎麼想，但其實對其他人而言或許並不代表什麼。」 作品〈無題〉中，張瑄祐取材自中世紀宗教畫的構圖，探討人犯錯後的心路變化。　圖／黎昕俞攝在系列作品《布拎布拎》中，張瑄祐以「布」織出不同造型的建築物，表達他對安全感的想像。談及使用布作為媒材的原因，張瑄祐表示比起繪畫，觀者可以直接透過布料的材質，對創作者的作品有初步的想法。因此，在作品〈小屋〉中，張瑄祐將粉色系蕾絲內褲拼接成屋頂，並將乾淨的保險套裝入亮粉，再拼貼成拱門的造型。他試圖描述青少女對性的想像，並利用材料的質感，讓觀眾能直接明白主題。「這些全新的材料都不具有生活痕跡，代表少女對性沒有過多遐想的純真。」他補充道。 〈小屋〉是張瑄祐以活潑童趣的方式，想像青少女對性的幻想後縫紉而成的布製品。　圖／黎昕俞攝同為系列作品之一的〈燈塔〉，則是作者在閱讀完維吉尼亞．吳爾芙（Virginia Woolf）的《燈塔行》（To the Lighthouse）後，將文章中給予作者及當地居民安全感的燈塔，以布料縫製而成，藉此比喻為上大學後的家鄉，並投射自己在外讀書時對家的感受。他刻意選用涼被材質的布料，讓觀眾聯想到在家蓋棉被的兒時回憶。此外，他也在作品中縫製絲綢等較可愛的元素，除了以輕鬆有趣的方式表達鄉愁，也希望用隱晦的手法去講述思鄉的憂愁情緒。 作品〈燈塔〉以兒童常蓋的涼被材質製成，象徵張瑄祐上大學後對家的投射。　圖／黎昕俞攝

【記者張雅媜綜合報導】「真的、假的只取決於你用什麼角度去觀看。」國立臺北藝術大學美術學系鄭尹真於3日在北藝大南北藝廊舉辦個展《說個笑話，真的！假的？》。此次影像創作中，他利用拍攝角度與道具製造出幻視效果，引領觀眾改變觀看方式，並重新審視所見事物的真實性。 鄭尹真舉辦個展《說個笑話，真的！假的？》，3日於北藝大南北藝廊開展。　圖／鄭尹真提供走入展場，木製的紅色房屋模型映入眼簾，如同視力檢查時，驗光儀中常見的房屋圖像。鄭尹真在模型門上鑽孔，將影像作品在孔洞中放映，讓觀眾以窺看貓眼的方式觀看作品〈真的假的〉。當觀者眼睛靠近視窗，會先看見房屋座落於稻田間的遠景，再隨著鏡頭逐漸拉近，便能看見鄭尹真在房屋內擦拭窗戶玻璃的身影。 在作品〈真的假的〉中，鄭尹真於觀看視窗前打上聚光燈，引導觀眾視線。　圖／鄭尹真提供當作品〈真的假的〉影像畫面放大至窗框與貓眼視窗吻合時，則會產生鄭尹真正站在對面，擦拭著觀者眼前視窗的錯覺。他說：「希望透過不斷變化的視角，讓觀眾體會到，從不同角度觀看事物會有不同的解讀與感受。」觀眾Tammy（化名）表示此作品引起他與自身經驗相關的想像，「觀看時有正在檢查視力的既視感。」 鄭尹真將影像嵌在手掌大小的孔洞中，讓觀者以使用驗光儀測試視力的姿勢觀看作品〈真的假的〉。　圖／鄭尹真提供除了將虛擬圖像實體化，鄭尹真在展覽中更嘗試偽造實物，創造真假難辨的視覺效果。在作品〈等待的過程 — 美得像假的景象〉中，他以沐浴乳、壓克力顏料混合些許雜草偽造出鳥屎，並從汽車內部拍攝影像，呈現鳥屎一再滴落於擋風玻璃，再被雨刷抹開、拭淨的畫面。鄭尹真提到，鳥屎砸在擋風玻璃上對許多人而言是倒楣的事，但他卻覺得，凝視汙垢被反覆刷掉的過程相當浪漫，他說：「觀眾重新觀看這個畫面時，或許也能體會到我所感知的療癒感。」 鄭尹真將作品〈等待的過程 — 美得像假的景象〉直接投影在樓梯上，並擺放沙發，讓觀者以不同觀看角度欣賞作品。　圖／鄭尹真提供鄭尹真也在作品〈許願池〉中，展現出自身對日常現象的不同解讀。他將人們許願時映在水面上的倒影，幻化為困在水池中的魚，鄭尹真說：「就像人們被困於自身願望，在無盡的希冀中自溺的狀態。」因此，他指導演員模仿魚向上吸吮的動作，並在水面上架起一層透明玻璃，拍攝出擬魚化的人類被阻隔於水中，無法探頭呼吸的窘境。展出時，鄭尹真更將作品投影在自製水池中，讓觀者有親臨實境的感覺。 鄭尹真選擇將影像直接投射在水面上，營造演員在水中掙扎的實境感。　圖／鄭尹真提供鄭尹真試圖讓觀眾看見不同角度可能產生的視覺差異，進而引發觀者思考真實的意義，他說：「我製造虛假，想讓大家意識到，許多我們以為的真實其實都是虛假，重要的是你決定怎麼觀看。」觀眾水母王（化名）也認為，鄭尹真以影像或物件重設觀看視角的手法，讓他在觀展時不禁思考，「是否有鏡頭以外的力量，正影響我們對所見之物的認知。」

【記者張雅媜綜合報導】「當你完成一件事後，再回望，會發現那些看似徒勞的努力都充滿詩意。」國立臺北藝術大學美術學系碩士生陳欣孟於11日在S7美術館舉辦個展《Home Run》，以水管、不銹鋼、燈管等媒材結合機動裝置，探討自身觀察到的社會現象，以及生活中徒勞行為所蘊含的意義。 陳欣孟舉辦個展《Home Run》，11日於S7美術館開幕，作品皆融入機械裝置進行設計。　圖／張雅媜攝陳欣孟常因應展場空間而改變作品規模與內容，與展覽主題同名作品〈Home Run〉即是為此展場特製的新作。主題「Home Run」是棒球術語中全壘打的意思，打者奮力擊球後繞壘一圈回到原點得分，讓陳欣孟聯想到，創作有時也是奮力拚搏後仍無進展，過程看似徒勞卻實有收穫。 與展覽主題同名作品〈Home Run〉，以水管模擬日光燈安裝在展場周圍，其中游動的小魚品種也稱作「日光燈」。　圖／張雅媜攝以水管裝水，放入小魚並打上藍光，安裝在展場周圍。作品〈Home Run〉看似照明用的日光燈，但觀者仔細觀察，則可見魚鱗反射的微小光點在其中悠游。陳欣孟說：「這種小魚怕生，人若靠近便會游走，因此觀眾若想看清光點，就會跟著小魚一起環繞展場。」透過觀眾在展場兜圈的行為，除了能呼應展覽概念，更讓觀者思考徒勞中蘊含的意義。觀眾北藝大美術學系碩士歐鈞淞說：「魚作為展覽作品中唯一的生命體，在水中游的姿態讓我感受到豐富的生命力而不覺得徒勞。」 作品〈00：00〉使用齒輪結合鍊條組成動力裝置，其中四個齒輪即代表午夜12時的四個數字0。　圖／張雅媜攝而日常觀察也提供陳欣孟許多創作靈感，作品〈00：00〉即發想自孩童玩小汽車的過程。「原地轉動的齒輪看似無趣、徒勞，卻是使小汽車前進的動力系統中不可或缺的一部分。」他解釋，不斷滾動的齒輪帶動鏈條上的小汽車，緩慢的前進又返回起點，這樣周而復始的移動，就像人們日復一日地度過午夜12時的經驗。陳欣孟也以此作品比喻重複且瑣碎的工作，其實都是讓成果順利產出的重要關鍵，別具意義。 陳欣孟將小汽車結合動力裝置，在其移動時的動能轉換過程，探討徒勞可能的意義。　圖／張雅媜攝而作品〈掉幀〉則是描述現代人長時間觀看電子螢幕的現象。他將細長的日光燈垂直於地面，成排設置在牆面上，使其依序亮起，同時發出似敲擊鍵盤的聲音，以模仿打字時的閃爍游標。整排燈管皆亮起後，則開始以不同頻率閃爍，當速度變慢時，觀眾便能感受到類似「掉幀」的視覺效果，如同螢幕發生卡頓的瞬間。陳欣孟說：「人們在依賴科技的習慣下，對閃光的感知已疲乏。」於是他將掉幀現象重現於展場，讓觀者反思自身與科技的依賴關係。「我創作並沒有想傳達什麼特定的觀點，而是希望引起他人的反思與討論，就像在池塘丟入石頭而能泛起漣漪。」陳欣孟說。觀眾北藝大美術學系碩士林君達認為此展作品讓其有種與作品相互觀看、對話的感受，他說：「就像找魚的行為其實意義不明，但在虛無的互動中提供了開放、多義的解讀，讓我思考藝術的本質到底是什麼。」

〈偏軸華爾滋〉垂掛的炭筆隨旋轉軌跡在純白牆面劃下一道道黑色弧線，牆面如同一幅繪畫作品。　圖／何予攝【記者何予綜合報導】「在我的作品中，隨機性一直都蠻重要的，我希望它是浮動的，甚至是會壞掉的。」就讀國立臺北藝術大學美術創作研究所的鄭文豪創作《震盪之前》，在2022臺北美術獎獲得入選獎。作品自12月10日至2月19日於臺北市立美術館展覽室3A、3B展出。鄭文豪重新組裝拾得廢棄物並結合動力裝置，重現過去家中工廠機台的身影與聲響，藉以緬懷隨時代淘汰的家庭記憶。麥克風架裝設著規律旋轉的馬達，上方以銅條綁著炭筆，隨著旋轉軌跡在純白的牆面上劃下一道又一道黑色弧線。展期間，鄭文豪會不定期更換動力裝置〈偏軸華爾滋〉炭筆並微調麥克風架擺放位置，讓痕跡慢慢佈滿純白的牆面。「重點是在空間中留下一些痕跡。」鄭文豪重視廢棄物隨時間消耗殆盡的過程，因此在作品中使用炭筆、陶土塊、泡泡水等物件，藉此讓物件隨時間與過程消耗的特性被呈現在展場中。 鄭文豪重視廢棄物隨時間消耗殆盡的過程，因此使用陶製指頭。陶土塊在敲擊琴鍵時會產生碎裂，每次敲擊的位置、精準度和重量都會隨時間發生變化。　圖／何予攝鄭文豪將馬達、中古鋼琴、大型機具拆卸下的風管組合成複雜的大型拼裝物〈暗渠迴旋〉，透過凸輪裝置（註）和陶土製手指在琴鍵上敲擊，不和諧的音符與馬達敲擊響鈸的聲響貫徹展間。他透過拼裝動力機械和樂器，呈現工廠消失前吵雜、混沌的環境聲。「一開始以為他要彈奏什麼曲子，仔細聽又沒有，可是會意識到他在高音和低音的安排上還是有一點順序。」現場觀眾劉書妤表示，樂器聲響以及運轉中的機械讓他聯想到規律運行的宇宙。註：凸輪透過設計的不規則輪廓曲線，可使從動件產生預期的運動規律或傳送動力，被廣泛運用於各種自動化機械裝置中。鄭文豪家中曾經營傳統產業工廠，後因產業轉型被迫淘汰，轉為經營中古鋼琴買賣。「工廠一樓大型機具在運轉的同時，二樓會有工整的音律在彈奏，聲響是非常混雜的。」鄭文豪透過此展將記憶與過往的感官經驗融入創作，將其轉化為作品〈暗渠迴旋〉，他表示，記憶中混雜的身體感受，遠大於拼裝藝術作品的複雜程度，「那個吵雜、混沌環境的消失，確實對我有影響。像是有個身體記憶消失了。」他說。 〈暗渠迴旋〉中撿拾來的物件雖被丟棄，卻仍留有部分功能。鄭文豪保留其剩餘功能性並重新組織其用途，例如兩側的拐杖和斷掉的木製椅腳仍作為支撐功能被使用。　圖／何予攝「我不是要把它重現出來，而是用我會的語言去表達消逝的部分。」鄭文豪以自己的成長背景作為材料，希望透過作品呈現出物件隨時間變得無用的過程，來回應自家工廠隨時代淘汰的過往。他也認為，即便廢棄物重新組裝後無法產生實用價值和意義，但當觀眾思考作品帶給自身的感受，這個存在狀態就是有意義的，「雖然它們被丟棄了，可是在這刻又被我拉回來。」他說。 炭筆留下的黑色線段如同五線譜，與空間中的聲音相互呼應。展期間，鄭文豪會不定期更換炭筆並微調麥克風架擺放位置，讓痕跡慢慢佈滿純白牆面。　圖／何予攝

國立臺北藝術大學美術學系碩士在職生李昕於開幕當天與策展人蔡詩萍、藝評家鄭治桂、蔡志榮與北藝大教授郭弘坤進行展覽座談會。　圖／林玟君攝【記者林玟君綜合報導】「人年紀大時應該真實地面對自己，而不是變成社會要求你做的樣子。 」國立臺北藝術大學美術學系碩士在職生李昕於17日到27日，在國立中正紀念堂四展廳舉辦個人展覽《網。魍…暮之慾》，該展結合油畫、錄像、裝置與舞蹈，呈現《記憶。拼貼》和《暮之慾》兩系列作品，表達人到暮年時對慾望的盼求以及面對社會束縛的心理狀態。 國立臺北藝術大學美術學系碩士在職生李昕將舞蹈表演融入展覽當中，他在交錯的金屬網中舞蹈，表現內心的束縛與掙扎。　圖／李昕提供李昕將自己編織的金屬網懸掛在展場，使網子好像飄浮在他的油畫作品前。他將金屬網比喻為人生外部的束縛與掙扎，他說：「像是學校、家庭、社會工作等，都給我們很多的限制。」李昕同時以「網」字的諧音「魍」，隱喻人在追尋慾望時內心受到的束縛，他補充，「我們渴望愛與被愛，想要有名、有權利、有錢，但這些慾望會讓你不自由。」李昕結合兩字，表現出他追求慾望時，受到外在「網」和內在「魍」限制的心理狀態，因此他將展名命名為《網。魍…暮之慾》。 國立臺北藝術大學美術學系碩士在職生李昕將自身編織的金屬網從平面的油畫世界裡延伸出，並使其交錯飄浮於展場中。　圖／林玟君攝系列作品《記憶。拼貼》中，李昕在〈花漾年華〉裡將他20歲時的舊照片輸出在畫布上，留下照片人物的眼神和臉部輪廓，保留他年輕時的風采，他解釋，「只有攝影做得到一瞬間的停格，而繪畫它只能慢慢堆疊而成。」隨後他再用油彩顏料完成整幅作品，並在畫中畫下許多玫瑰花，緬懷他逝去的青春。「我用現在的我來看我20歲的自己。」李昕認為，年長者多少有想回到過去的慾望，但青春已無法回溯，他以繪畫融合舊照片的方式，將過去與現在的自己跨時空地結合，以滿足重返青春的渴望。 〈花漾年華〉裡的人物為國立臺北藝術大學美術學系碩士在職生李昕20歲時的自己，他將過往拍攝的照片輸出於畫布，保留眼神、臉的部分線條，再用油彩顏料填充完成整幅畫作。　圖／林玟君攝在系列作品《暮之慾》中，李昕展現人到暮年時對於愛與慾的追求，他在〈天堂之慾〉裡畫出男女身體相互糾纏的畫面，觀眾林先生說：「李昕的作品是相當赤裸的，他表達出那種對性、情愛和在這些慾望下的痛苦。」李昕認為，隨著年紀的增長，年長者的情慾被認為是羞於啟齒的，「你要有長者的風範，可能要打太極拳、散步或者說養養貓，就是符合社會的期待。」透過繪畫作品，李昕勇敢表達出在他所處的保守時代裡難以被討論的情慾議題。 國立臺北藝術大學美術學系碩士在職生李昕在〈天堂之慾〉裡畫出男女身體相互糾纏的畫面，探討女性到暮年之時的愛與慾。　圖／林玟君攝觀眾林先生說：「這些金屬網雖然阻隔，但又可以穿透，我看見他（李昕）想破網而出。」策展人蔡詩萍認為，展覽中的金屬網像是現實對生命的牽制，同時也是對李昕創作的試煉，「知道自己從網裡看世界，不怕別人怎麼從網眼看自己，這是從容自在的的自由。」他說。

【記者詹和臻綜合報導】絢麗迷幻的荼蘼，介於虛實間綻放。國立臺灣師範大學美術學系水墨畫組學生林酉融於10月31日起，在「2020第四屆微藝博」展出系列作品《城事、宇宙、花語》，透過現代的迷幻色彩融合古典意象，描繪都市人在經歷城市洗禮後的感悟。 創作者林酉融的創作是離鄉背井讀書後藉由畫面抒發自己些許感觸，本次展出《城事、宇宙、花語》系列中，因為宇宙過去已經展示過，所以沒有放在這次展覽。　圖／詹和臻攝展覽僅展出林酉融系列作品中「城事」、「花語」的部分作品。林酉融解釋，「城人」意指在城市中汲汲營營生活、追求理想的人們，「城事」體現城市人在喧囂環境的樣貌。而荼蘼則源自宋朝詞人蘇軾詩作《荼蘼花菩薩泉》的節選「荼蘼不爭春，寂寞開最晚。」，雖暗喻愛情，但林酉融在畫作除欲呈現愛情與緣分的連帶關係外，也想展現城市中人與人的因緣際會。 創作者林酉融平時有接觸書法以及刻章，使他在古典詩詞中找到以物入詩的浪漫。　圖／詹和臻攝林酉融的作品名稱及創作理念多取自中國古典文學，「在古典詩裡面可以看到以物入詩，我覺得很浪漫。」林酉融述說，此次作品繼承傳統水墨畫皴擦點染的筆墨，再以青墨、藍綠色等礦物顏料作為創作媒材，透過現代色彩紀錄都市人的心境。他也在作品穿插石磚及太湖石紋路，兩者的紋理虛實塊面更反映高樓大廈等摩登建築。觀展民眾陳星而說：「整個作品都飽含墨韻及水氣，善用冷色中能保有一點暖色提畫面，作品的個人特色強烈。」 〈浮生若夢〉為實驗性的作品，因此沒有選用水墨的最大尺幅。作品以墨為底，改以白色凸顯主視覺。　圖／林酉融提供扮演主視覺的捲軸作品〈浮生若夢〉理念源於唐朝詩人李白駢文《春夜宴從弟桃花園序》，藍墨的畫作刻畫若隱若現、頭披薄紗的人影。林酉融以薄紗輕柔、虛渺的特質，呈現浮生的意象，暗喻在城市迷惘，找不到立身之處、人生目標的都市人。「可以理解人在都市中不斷游移的狀態所見的碎片式空間與記憶，將都市的繁華感與人內心中的惆悵憂離感作出深刻的表現。」藝術家陳昀翊評論道。 作品〈冰雪薰夢〉，「荼蘼不爭春，寂寞開最晚。」語出蘇軾，意蘊生命中燦爛而繁華的愛，刻骨銘心之雋永。　圖／林酉融提供四件裱框的小品以荼蘼為意蘊，林酉融期望表現都市人感情的不同層面。作品〈冰雪薰夢〉，閃爍的雲母粉點綴綻放的荼蘼花，打造華麗、夢幻感，散發春天的氣息，讓人聯想情竇初開的時刻。大面積暗色的刷染帶出寂寞感，作品〈舞白霓裳〉再以西式金框襯托水墨畫作，表示經歷許多「城事」後沈澱心情，呈現結束的意境。雖然畫作敘述人在每座城市生活的酸甜苦辣，「荼蘼花都會畫成（它們）綻放最盛的時候，是希望表現這是值得被紀念的時刻。」林酉融說明。 以荼蘼在古典詩詞中的意象延伸，結合現代色彩呈現當代，並加入西方元素的金框、銀框，使作品亦古亦今、亦中亦西。　圖／詹和臻攝創作基於林酉融自身離鄉求學的經驗，因此他將城人作為描繪的主體，但是他更將生活感觸轉繹為畫作，紀錄城人們共同的人生風景。「我非常重視作品能不能紀錄這個時代及時代語言。」林酉融強調，繪畫的熱忱支撐他創作，也展現他記載世代集體經歷的使命感。

【記者崔兆慧台中報導】衣物、醫療手套、管線等物品，雜亂地散落在畫布上，再被色彩覆蓋。東海大學美術系進修學士班的張少鈞於19日起，舉辦畢業預展《衝擊》在東海美術系館A+藝術空間展出，透過顏料噴灑作品，展露社會動盪下對自身造成的衝擊。許多金屬樂團以社會議題為創作來源，再用作品唱出對社會的觀察及不滿的情緒。張少鈞仿照此形式，將他目前觀看到的社會現象如輿論暴力、香港反送中事件等公共議題為創作發想，化為作品，「我想用藝術來記錄我生在的時代。」他認為，社會的大小事件皆與我們息息相關，因此他將看似沒有關係的素材擺放在畫布上，讓觀者感到意外，也藉此製造突兀感打破觀者原有的框架，暗喻社會發生的事件總是不可預測。 〈Violence〉以紅、黃、藍三色作出強烈對比，最上方以石膏製成的人頭，以及下方殘缺的腿，象徵著人在輿論暴力下變得殘破不堪。　圖／崔兆慧攝張少鈞觀察，現今人們經常在確認事實前，便開始自以為是地批評他人。而未了解狀況便攻擊他人的輿論，卻為當事者帶來額外的傷害。他以石膏製成人頭及腿，再將兩者與手套、廢棄物、相片隨意擺放在畫布上，噴灑紅、黃、藍三色顏料，創作〈Violence〉。他解釋，相片中的人就如發表輿論的群眾，殘破不堪的石膏則呈現人在輿論暴力下受傷的狀態。觀展者李季寧說：「作品以大量鮮紅色血染，像是對暴力的想像。」作品〈Black〉上放著照片、防毒面具及紗布等物件，再以墨汁染黑所有素材，描繪張少鈞眼中的香港反送中事件。張少鈞說明，黑色將其他色彩掩蓋起來，如專制政權輕易地摧毀民主。而畫布上被倒置的石膏人頭、X光片象徵在抗議中受傷的香港民眾，防毒面具則道出港人受到警方毒氣攻擊的抗爭狀況。他也使用餐桌上常見的止滑墊遮蓋照片，代表國家企圖掩蓋警察肆意傷害人民的事實。 〈Black〉描繪香港反送中事件的黑暗。被倒置的石膏人頭象徵在事件中受傷的人們，防毒面具則直觀地道出警方的毒氣攻擊。　圖／崔兆慧攝「日常生活中充斥著無數衝突。」張少鈞用作品〈War〉將人之間的爭吵、國家之間的矛盾等可小可大的衝突比喻為戰爭，深紅色大面積覆蓋作品，彷彿戰爭下的腥風血雨。而畫布上的炸彈線路被拆解，凌亂地交纏在一起，他提到，愈是想去理清的問題，卻愈容易交織，導致我們看不到問題本質。正如中國和台灣的關係，「那些歷史問題是非常複雜的，沒辦法一時半刻解決，卻總使人民受傷。」作品中也放上電路板、CD片等現代素材，呈現科技或資訊形成的現代衝突。 〈War〉將日常衝突比喻為戰爭。圖為張少鈞親自介紹作品意涵及材料使用。　圖／崔兆慧攝畫布上的器具如紗布、X光片等來自張少鈞受傷的經驗，他補充，展品原先想使用更多元素呈現理念，但他後來發現以簡單元素去闡述想法，反而能為觀者帶來更多的想像空間。指導老師、東海美術系兼任講師劉孟晉說：「張少鈞以畫布作為反映現實騷亂的場域。」張少鈞也透露，未來想用更精緻的材料、出乎意料的方式來創作複合媒材作品，製造更多衝擊。

【記者蕭淳云台北報導】影像中的舞者身穿白衣，敷著黏稠面膜在青青草原上舞動身體。國立臺北藝術大學團隊「畢竟深愛過」參與「2020北藝大妖山混血盃」，於17日起在竹圍工作室展出作品《三萬塊》。透過將影像與聲音環環相扣，質疑現今美容產品的有效性，探尋人類追求「好」的緣由。 影像中的舞者們敷著面膜，輪流擔任領舞者，在草原上盡情舞動，創作者邱霈恩也是其中的表演者。　圖 ／蕭淳云攝作品以團隊成員陳幸妤的行為藝術〈第n顆鏡頭〉拉開序幕，影片紀錄草原上敷面膜的模特兒與攝影師相互舞動的奇景。成員劉子寧再接力將舞者影像剪輯成迷因影片〈I tried〉。另外，成員許國玢則採訪敷面膜的舞者，詢問他們追求美好的理由，並將舞者求好的原因串流成音樂作品〈積極正向〉。這幾部作品看似各自獨立，卻因接力的創作方式而緊密連結，陳幸妤強調，他們試圖顛覆大眾對「合作」的既定印象，他說：「我們期待達成新的合作可能，每位創作者似乎各自表述，但卻相互交融。」 木箱上的手機，是許國玢的作品〈積極正向〉，集結〈第n顆鏡頭〉舞者的口述音檔，探討人求「好」的原因。　圖 ／蕭淳云攝團隊欲透過合作模式的突破進一步探討「好」，他們認為，敷面膜是人類追求美好的表現，但過程卻與美好的感受產生衝突。因此，團隊將面膜作為展場的重要元素，並以此展開天馬行空的想像。成員們笑著說道：「看到朋友在敷面膜，但是他們拿下來之後說很痛（不是很舒服）。」這樣的矛盾讓他們產生疑惑，劉子寧表示說：「我們想知道什麼是好，這個好又是誰定義的。」 團隊透過電視、投影機、手機等媒介於現場呈現作品，提供觀眾欣賞創作的不同視角。　圖 ／國立臺北藝術大學提供《三萬塊》跳脫傳統藝術框架，用新世代的創作方式切入主題。劉子寧以鮮豔、奇幻的手法剪接迷因作品，畫面中的巨大面皰不時絆倒溜滑板的少年，搭配面膜廣告字幕「煥發水潤光采，晶瑩剔透」，呈現衝突、詼諧的視覺效果。觀展民眾張大仁認為，作品談論美容產業的手法十分特殊，團隊並非直接批判產品帶來的影響，而是用幽默的手法模擬美容產品廣告。他說：「（作品）重現美容產業的運作模式，留給我們更多的想像。」 劉子寧的作品〈I tried〉，將舞者表演的影像重新剪接組合，搭配鮮明的色彩與逗趣的梗圖，探討何為「好」。　圖 ／蕭淳云攝除了三部接力的創作作品，展場展出另一件影像作品〈天氣預報〉，由邱霈恩揣摩氣象員的播報方式，機械地唸出面膜廣告台詞。他提到，不同於其他相互影響的接力作品，〈天氣預報〉以揣摩美妝YouTuber的表演形式扣緊主題。他解釋，因保養品僅透過儀器測試，且只是業者提出的主觀假說，他試圖提出對美容產品的質疑，「不一定有效，就像天氣預報偶爾會不準一樣。」展覽期間，邱霈恩也會每日更換影片的播報內容，如同天氣預報的內容每天皆不一樣。「2020北藝大妖山混血盃」總監趙瞬文表示，過去的妖山盃強調個人創作，近幾年希望學生走出舒適圈跨領域合作。團隊「畢竟深愛過」由美術學系、電影創作學系學生共同組成，美術學系的陳幸妤認為，創作觀點的差異可以讓雙方在討論期間激盪出精彩的火花，「對我來說是很特殊的經驗。」邱霈恩也透露，此次展出後，團隊也希望未來以藝術突擊行動的展演方式，將敷面膜的舞者們帶到更多場域進行演出。

【記者崔兆慧綜合報導】擬人化的唐老鴨笑著墜入深淵，伸手想抓住光明卻一無所獲。東海大學美術系學生楊鈺晨舉辦畢業預展《人造生物劇場》，於9月28日起在東海美術系館A＋展覽空間展出。透過油彩繪畫人造玩具，諷刺人類的刻意、虛偽及社會的疏離。 東華大學美術系楊鈺晨舉辦畢業預展《人造生物劇場》，以油畫描繪玩具，建構他眼中的人性。　圖／楊鈺晨提供楊鈺晨認為，玩具和繪畫是他自身的一部分，每當他感到寂寞時，便會藉由對玩具的幻想來逃避現實，漸漸對玩具產生依賴。他說明，玩具給人天真可愛的印象，但它卻是人類為滿足私慾的造物。因此，他希望以玩具為繪畫主體，描繪出他眼中的人性。主要作品〈無聲的彼岸〉以唐老鴨擬人呈現，它雖微笑著，卻感受不到它的歡樂，取而代之的是下墜所帶來的絕望感受。楊鈺晨補充，畫中唐老鴨就像小丑一樣，開懷的笑容底下藏著無盡的傷痛。他說：「就如被人類擺放出來的玩具，它們正在演戲。」觀展者許書瑄說：「〈無聲的彼岸〉給人感覺很無助，像墜落後失去自我。」 〈鼠與妳〉運用藍、白、黑色模仿褪色後的照片，以快樂的表情對比冷暗的色調，希望人們可以珍惜當下。　圖／楊鈺晨提供人類購買玩具後，便隨意地擺放它們，楊鈺晨認為，這些玩具都身不由己且孤單。作品《鼠與妳》模仿褪色的照片，採用藍、白、黑三色，以冷色調繪製正在笑著的玩具，即使畫面中的玩具在笑，觀眾也不會認為它是快樂的。他補充，他想藉此營造玩具處於孤單的氛圍，而冰冷色調與保持笑容的玩具，更能製造感官的衝突，並讓空曠的背景強調它的孤寂，凸顯現代人們在社會中的疏離。當代卡漫藝術家透過卡通角色的設定去傳遞訊息，例如辛普森反諷美國文化。楊鈺晨提到，畫唐老鴨並不是在畫這個角色，而是藉由玩具的外型、表情去反襯他的創作理念。指導教授、東海美術系兼任講師廖敏君提及，楊鈺晨透過作品，擬態出他對社會、信仰、人際關係的看法。 作品〈無聲的彼岸〉，楊鈺晨運用邊界色光模擬電腦螢幕成像，強調「人造感」。　圖／楊鈺晨提供繪製油畫時，楊鈺晨會臨摹螢幕成像邊緣的色光來強調人造感，讓觀眾欣賞油畫時彷彿在觀看電腦螢幕。他說：「我想更深刻去探討『科技』，因為它和人類是密不可分的。」他透露，他未來想延續同樣的繪畫手法，再以玩具為主體，描繪科技、玩具和人性三者之間的連結。