【記者林沂葳台北報導】蟲鳴鳥叫環繞耳邊，伴隨著緩緩流動的音樂，彷彿身處於遺世的山林中。國立臺北藝術大學新媒體藝術學系碩士生蔡昱廷舉辦個展《不眠山》，以台灣深山遺址為主軸，透過裝置、錄像、地圖等複合媒材，呈現山林背後蘊藏的歷史底蘊。展覽於8日起在關渡美術館展出。 蔡昱廷身為擁有七年豐富經驗的登山嚮導，十分熟悉台灣山林環境。某次縱走山脈時，他偶然發現日治時期煉製樟腦為業的水山聚落，發現因樟腦產業沒落，當地住戶逐漸移居，該地也漸漸在地圖上被淡忘。為重現消逝的水山聚落歷史，蔡昱廷在《離水山系列》的〈離水山—聲源〉中，取水山聚落的山獸遺骨作為介質傳遞聲波，製成類似喇叭的裝置。這件作品裝置包含六軌音軌，其中五軌音源使用營火、鳥鳴、河流等自然聲音，剩餘一軌則為現今台灣仍存在的製樟部落製作樟腦的聲響。「我去山神廟慰祭這些遺骨，希望帶著他們的靈魂完成作品。」蔡昱廷補充，這些聲音如同重新賦予山獸生命來講述這段歷史。 《不眠山系列》中的〈深山公路〉位於展場門外，蔡昱廷使用滾輪、木材、吊燈、纜線、馬達等媒材製成拱門形狀，並每隔十分鐘就使纜線捲動提燈，讓其緩慢上下移動，「如同一個守夜人提著燈，帶領觀眾進入深山世界。」他補充道。此外，為了傳達歷史產物遺留在山中，卻無人發現其存在的狀態，蔡昱廷將兩側的木頭組成電線桿，「木製電線桿是只存在於山林裡面的記憶，我提取出這個記憶並結合燈光裝置。」 進入展場後，是《不眠山系列》中的作品〈山林指南〉，蔡昱廷將他創作思考的脈絡以地圖形式繪出。他表示展覽的核心是中介地帶，舉例像是登山時低氧環境跟高強度身體運動導致身體與意識的解離狀態，「中介地帶同時也是一種失蹤的存在狀態。」，例如水山聚落在一般人難以到達的位置，並以此概念出發，思考延伸到日治時期的樟腦業及樹靈塔。 關於樹靈塔的設立，是日本政府倡導愛護森林的植樹活動所建，但到了國民政府時期，歷史真相卻變成日本建造樹靈塔來慰祭被惹怒的樹靈。由政權轉移而產生的歷史重塑，蔡昱廷以充滿神秘色彩的日本能劇為基礎創作影像作品〈不眠山〉，以水山聚落為開頭，穿插日治時期伐木工人的身影，重疊過去與現在的畫面，並邀請日本能劇表演者口述樹靈塔的靈異故事，讓作品充滿詭譎氛圍。此外，蔡昱廷也使用AI創作報紙〈Lost Shades〉，製造登山者失蹤的假象，他說：「沒有東西能證明樹靈塔的靈異故事，於是我創造了一個證據。」蔡昱廷認為，真實與虛構是一體兩面，「主要還是取決於人們怎麼相信它的存在。」他補充道。觀眾磨（化名）說：「觀看展覽時就像親身站在失蹤的座標上，在歷史與記憶之間游移。」 蔡昱廷說：「我希望創造的是一種感官式的幻境。」除了單純享受展覽的氛圍，還可以深究創作背後的歷史故事，給觀眾進入作品的不同途徑，建立多層次的體驗。觀眾宋東諺也認為，即使山林中流傳著各種奇異的故事，卻仍吸引無數探險者，「也許這正是山林無法抗拒的魅力。」

【記者蔣若暄報導】縱橫交錯的紅線纏繞在木板上，象徵生命複雜的糾結樣貌。國立高雄師範大學美術學系碩士生莊佳玲，1日起在安城藝術中心舉辦個展《回歸》。他藉紅線、麻布等多樣媒材在創作過程中安頓心理，盼望觀眾能傾聽自己內心聲音、把握當下。 莊佳玲回顧成為母親的經歷，在自我與母親的角色衝突中，逐漸將別人的期待變成要求自己的標準，心靈的巨大轉變讓他重新審視自己的角色。「回是回去、返回的意思，歸是歸宿、有目的性地朝某個方向前進。」莊佳玲將《回歸》定義為尋找、認同自我的開端，嘗試擺脫外在聲音的干擾，了解自己內心狀態。作為主視覺的作品〈點〉中沒有豐富的對比顏色與構圖，莊佳玲以色鉛筆和兔皮膠層層堆疊，象徵內心需要被呵護的淨土，「我把它視為一個開始，提醒自己不要忘記很純粹、真實的樣子。」他補充道。 對應到母職議題，莊佳玲解釋為扮演社會上認可的「好母親」角色，背後的犧牲和衝突仿若隱藏的線條，在沒有挖開的情況下旁人無法看見。因此，在系列作品《形式》中，他將紅線拉直、不規則地交替纏繞在木板上，呈現出他思索問題時錯綜複雜的思緒，並以畫面中由小到大的圓形，表達問題隨著思考層面的加深、加廣逐漸擴大。然而，莊佳玲也在作品〈形式-2〉和〈形式-4〉中把木板挖洞，將背後雜亂的線條交錯展示給觀眾，「我呈現很正向的一面，但其實內心的結還沒有打開。」他補充道。 雖然莊佳玲鼓勵觀眾傾聽內心的聲音，卻也不否認建構社會時集體思想存在的必要性，「這些思想也是造就我人格特質的一部份，我不再排斥或否定它。」期望自己能選擇喜歡的步調和方式調整步伐即可。在系列作品《麻布》中，莊佳玲以黃麻布象徵人們的外在形象，在表面縫上紅線作為社會上的普遍價值與他人的期待，同時讓每件作品的顏料從麻布孔隙滲出的樣貌不一，代表每個人迥異的內在特質。他藉由顏料和紅線分佈不盡相同的四件系列作品，展現在先天性格與後天影響交織下的生命樣貌。 作品〈未顯〉和〈顯現〉紀錄著莊佳玲從執著於問題的解方，到能夠珍惜當下的人事物。在作品〈未顯〉中，他在紙張上製造出刻意破壞的刮痕，並使用大量的白色顏料留下明顯的肌理，藉此表達在發洩情緒後，內心的問題仍未被解決。在作品〈顯現〉中，他鼓勵觀眾把握並享受當下，因此將日曆裱貼在紙張上，利用白色碳酸鈣顏料半透明的性質創作出等距的方格，讓觀眾隱約看見透出的藍色與紅色。「我們一直把自己困在問題裡，時間就這樣過了。」他藉著日曆隱藏在方格內，表達時間被侷限、浪費的意象。 觀眾PJR（化名）分享觀展心得，「似乎可以看出創作風格的改變是根據不同時期的心境所呈現。」表示深受莊佳玲的作品觸動，作品〈點〉也說出他的心聲，每個人都應該學會接受不完美的自己。觀眾黃暄軒同樣表示作品〈點〉令他印象深刻，「帶來一種微妙的拉扯感，在存在與缺席之間不斷掙扎。」認為作品中試圖向前邁進卻受限於無形阻礙的畫面，讓他反思自己的內心掙扎與追尋。

【記者邱雅郁台北報導】 「對我而言，『家』承載著表達自我、保存記憶及提供庇護的功能。」出生於馬來西亞的謝志康，今年畢業於國立彰化師範大學美術系碩士班。9月28日起於金車文藝中心台灣南京館舉辦個展《家－物》。謝志康過往以社會寫實風格為主題，疫情後使他開始思考「家」的意義，藉由展現自己、空間與物件三者的關係，勾勒出他的生活碎片。 謝志康兒時家人工作忙碌，與他們相處的時間很少，而在離開家後，獨自居住的生活，讓他感覺更像是自己與空間相處。因此他的作品多以對「空間」的描繪作為創作主題。與展覽同名的作品〈家－物〉是謝志康首次採用現成物創作，以母親從馬來西亞寄來台灣的感冒藥為媒材，在等比例放大的藥盒平面圖上繪出印象中馬來西亞的家中格局。疫情至今，未曾回家的謝志康以象徵母親關愛的藥盒，呈現他與家人之間的聯繫。 身為留學生，在外租屋使謝志康經常需要搬家，「遊牧式生活」是他在台灣留學的寫照。疫情這段時期凸顯空間與他的連結，促使他重新思考「家」的定義。他說：「只要有我存在的地方，那裡就是家。」在作品〈家與家〉中，畫面左右兩方分別代表馬來西亞的家與台灣的家，左方拼貼畫布，將地板延伸出畫框外凸顯家的碩大，缺少生活物件的空間代表在家中的壓抑。位於中間、佈滿各式家具的窄小房間則是謝志康在台灣的家。他回憶起小時候，父母親很嚴格也相當忙碌，家人希望他讀書而他卻只想要畫畫，使他感受到在馬來西亞無法創作的不自由。作品利用空間大小、陳設多寡的對比，傳達出儘管馬來西亞的家再大，他卻是受約束的，而台灣的家雖小，他卻在其中感到自由與愉悅。同樣在外租屋的觀眾綠豆（化名）說：「遊牧式生活讓我產生強烈的共鳴。」 對謝志康而言，所有物件都是富生命力的，超現實的強烈色彩是他表現鮮活物件的方式。雖然謝志康的畫作缺乏人物，但他認為透過物件便足以描述所有者的特質與生活痕跡，使觀者能感受到人的存在。作品〈那時候〉便以12張圖代表一年12個月，重覆著同樣的空間，卻包裹上不同鮮豔色彩。謝志康回憶起，畫中吧台是小時候因成績不好被爸爸訓斥的地方，吧台上頭的書籍，則象徵爸爸與學業。右下角不同顏色的色鉛筆隱喻著想畫畫的他。他試著透過繽紛的色彩將回憶包裹起來，以保鮮膜拓印降低深色吧台在畫中的存在度，卻沒想到在完成後代表著童年陰影的吧台卻仍突出，彷彿回憶永遠是他的一部分。 從學生時期到進社會工作，隨著心境的轉變，謝志康表示，未來將會繼續以「家」為主題，「前期作品較注重感性，現在的我會先揉合理性去構圖後才創作。」金車文藝中心策展企劃李思廷說：「謝志康的觀察敏銳、心思細膩，透過不同階段的融合與轉換，期待看到他以後的作品。」謝志康更提到未來將嘗試申請駐村計畫，體驗不同形式的「家」。

第25屆應用藝術所陶瓷組年度展覽《大崎六六 DACHI 66》，從3日至22日於The Room一間文創展出。學生展出自己的陶藝創作，探索陶藝多元的可能性。　圖／江昇攝【記者何予綜合報導】第25屆應用藝術所陶瓷組年度展覽《大崎六六 DACHI 66》，從3日至22日於The Room一間文創展出。除受邀藝術家外，國立臺南藝術大學應用藝術所陶瓷組的研究生皆展出自己的陶藝創作，其中包含具實用性的陶瓷器皿以及非實用目的藝術創作，探索陶藝媒材的可能性。南藝大應藝所陶瓷組研究生趙宥筑展出系列作《生之紀念》，趙宥筑長期創作陶藝品，產出作品的同時也在思考「土」的意義為何，形成此系列作品的發想。「外面那種富有生機的土，是植物可以生長的土。」趙宥筑認為土有很大的生命力，陶藝雖以土為材料，陶土卻因黏度太高而無法讓植物生長其中。因此，趙宥筑希望藉此系列創作把土壤的生命力帶回陶藝。 作品〈覆〉在燒成前被製作成錐形的土塊，上方有植物生長，但燒成過後植物變成灰。趙宥筑使用仿金箔材料點綴燒製後崩解的裂痕，賦予其重生的意象。　圖／江昇攝作品〈覆〉在燒成前被製作成錐形的土塊，上方有植物生長，但燒成過後植物變成灰。趙宥筑使用仿金箔材料點綴燒製後崩解的裂痕，賦予其重生的意象。　圖／江昇攝《生之紀念》系列中的〈覆〉原先是倒錐形的土堆，由趙宥筑以陶藝用土及富含有機質的培養土混合製成，並在表面種入菜苗，像是剛從土地中挖起的土塊。經過高溫窯燒，觀眾在展覽現場已看不見植物，而培養土的加入也導致結構不穩定，燒製後土堆坍成不規則的形狀。趙宥筑於表面崩裂處使用類似金繼（註一）手法，賦予其重生的意象。他認為，即便事物不再是完整形狀，甚至破損、衰頹，也有屬於該物件的美。「燒成對我來說是記錄下土的某一個狀態，讓他凝結的一個手法。」他說。註一：金繼（金継ぎ）也稱為金繕（金繕い），是日本的一種傳統工藝，將破損的陶瓷器皿重新黏合修復後，不去隱藏裂痕，反而是用金子讓裂痕更加凸顯。 藝術家趙宥筑展出系列作《生之紀念》中的〈覆〉，混合台灣黑土、培養土及有機質等材料，希望將土壤富有生機的特性帶回陶藝創作中。　圖／江昇攝南藝大應藝所陶瓷組研究生詹宗哲的〈與時間的關係〉，試圖表現主觀感知到的時間流逝，而非時鐘、月曆等提供的客觀時間。他提取兒時生長環境中的素材製作〈與時間的關係〉，將花蓮溪流中的砂石一層一層與瓷漿（註二）一同灌入模具，堆疊成柱狀造型。詹宗哲解釋，花蓮的礦土含有石灰石（註三），陶瓷結構之間含有鈣會導致陶瓷在燒製時慢慢崩解成碎片。也因溪流上、下游的砂石成分不同，成品的崩解速度、方式無法預先計畫。註二：瓷漿可用於注漿成型，調整泥漿適當濃度後澆注到模型中，便能按模型成形坯體。常用於製造形狀複雜，精度要求不高的日用陶瓷和建築陶瓷。註三：石灰石（CaCO3）簡稱灰岩，是以方解石為主要成分的碳酸鈣岩，常應用於混凝土、鋪路基石、水泥等。「比如我小時候生長的環境，跟去年回去看到的不一樣，這個對立，就是時間的狀態。」詹宗哲說明，〈與時間的關係〉並不光滑也不漂亮，跟一般陶瓷作品比起來只是粗糙的石塊，但他希望觀者從逐步崩解的碎片中，能單就眼前感受到的事物差異，感受時間的流動。「時間是一直在變化的，就像滄海桑田的感覺，我想把他強化到最極致的狀態。」他說。 砂石材料來自詹宗哲兒時最常去的秀姑巒溪、木瓜溪和花蓮溪。河流上中下游都是不同狀態，若有颱風經過也會改變成分，因此作品會呈現分段式的崩解過程。　圖／江昇攝南藝大應藝所教授張清淵說明，不同陶瓷材料會形成其特有的質感和顏色，「從藝術的本質去思考，這個材料有什麼樣的面貌，剛好是可以表達適當的藝術語彙或觀念？」他認為，藝術家可以跳脫傳統陶瓷工藝對於美的想像，找到方式詮釋其與生俱來的獨特美感，讓觀眾認識這項材料被使用的多元可能性，是不錯的結果。

《事件是一所學校：轉型中的藝術教育》，是國立臺北藝術大學從歷史事件出發舉辦的一場回顧展覽。　圖／林玟君攝【記者林玟君綜合報導】國立臺北藝術大學美術學院於9月23日在關渡美術館舉辦《事件是一所學校：轉型中的藝術教育》回顧展覽。其中，由三位北藝大美術學系學生林峻銳、張大仁、劉妍蓁組成的「素描事件臨摹小組」，從1985年的「素描事件」（註一）出發，假想在事件當下的自己會有什麼樣的創作，促使大眾反思當年的藝術教育與歷史。註一：1985年的「素描事件」是北藝大於1985年舉辦名為《drawing show’ 85》的素描展覽，引發廣泛討論與迴響。在仍處戒嚴時期的1985年，藝術創作的空間相較於現在侷限，北藝大美術學系講師謝牧岐說明：「當時想要學藝術的學生們其實選擇不多，師院體系都是說要培養老師，沒有一所學校專門說我要來培養藝術家。」《drawing show’ 85》這場展覽打破大眾對素描的既定印象，學生不再使用單一的繪畫工具，而是混合多種材料進行創作，繪製的對象也跳脫傳統石膏雕像、水果等靜態物品，嘗試結合不同的動態元素。非典型的藝術創作，讓大眾開始思考「素描為何」，開闊當時台灣藝術教育的前景，重新建立對素描的定義。在展區二樓，「素描事件臨摹小組」展出一系列的實驗性創作，他們以1985年的「素描事件」為核心，研究1985年前後的七位教師、八位學生的訪談影片，並閱覽相關書籍後，讓學生以實際參與的方式，跨時空重訪當年的時代背景，想像自己是置身當時的學生，會有什麼樣的藝術創作。劉妍蓁以「米糠油中毒事件」（註二）為背景，創作〈劉文繡結束不了的1980〉，作品由三本獨立刊物和一幅繪畫組合而成。故事與繪畫中的角色因食用米糠油，造成背部潰爛，劉妍蓁在創作過程中思考：「事件到現在40年，患者身體裡其實還是殘留蠻多毒素的，它會遺留到後代，患者臉上都長滿了瘡疤，那些瘡疤是會發臭的。 」他希望以此作品，帶領觀眾反思當時的社會案件帶給受害者的影響。註二：「米糠油中毒事件」又稱為「多氯聯苯中毒事件」，民眾因食用被多氯聯苯污染的米糠油而中毒，為台灣史上最嚴重的食油危機。 劉妍蓁以「米糠油中毒事件」為背景，虛擬出一段故事。圖中的男孩文豪因食用米糠油而造成背部潰爛。　圖／林玟君攝張大仁的作品〈獨處的時刻〉，將畫作結合風和光，並以投影、木材、現成物為媒材，製造出隨機抽動且線條各異的光影，跳脫以往靜態的呈現，加入更多立體、帶有動感的元素。他假設自己若身為1985年的學生：「我也許會使用不同的材料，但不變的是對素描概念的探討，以及思考素描對自身創作的意義。」他也希望透過動靜結合的作品，能帶給觀眾沈靜、引人凝視的空間氛圍。 〈獨處的時刻〉利用室內、室外的物件，配合風和光影，引發觀眾對於場所、空間、動作、情境的想像。　圖／林玟君攝觀眾陳學宏分享：「看似一般的石墨以及紙張，透過描繪的深淺製造出不同的陰影，看似非常真實的紋路，好像賦予白色的畫紙生命。」 策展人郭昭蘭也期望：「觀眾進到這個展場的時候，能夠親臨歷史性的複雜度，能夠理解到歷史的現場有很多不同的力量同時在進行。」 透過展覽中不同層次、時空的作品，能讓觀眾意識到豐富的藝術歷史，並以此為基石，拓展更寬廣的自由創作道路。

【記者許如鎧綜合報導】都市景象在畫布上構築，虛實縱橫的視覺效果散發著強烈的矛盾感。國立臺灣師範大學美術學系碩士生呂宗憲舉辦創作個展《邊界。遊走》，以壓克力顏料、礦物等複合媒材，刻畫畢業生們即將踏入社會的迷惘及不安。展覽於16日起在台北金車文藝中心南京館展出。 展覽《邊界。遊走》中一系列的畫作以城市光景作為框架，在作者賦予的意義下，傳達著自我與社會疏離的迷茫。　圖／許如鎧攝「城市結構與道路符號象徵著外在的影響。」呂宗憲說明，作品以十字路口、城市光景、道路號誌等日常碎片作為創作題材，再利用隨手可得的砂石混和不同材料，搭配陰鬱的色彩，藉此表現他從生活中跳脫並冷眼旁觀的視角。他表示，這些創作發想自騎車通勤的經歷，生活中的街景象徵著外界的框架，而燈號、斑馬線等物件則代表外界的聲音，這些設施為眾人指引前路，卻也約束著他們的行為。觀展民眾胡筠羚慨嘆道：「在作品中可以感受到創作者的迷茫。」 以城市的景象作為畫面架構，搭配上豐富的綜合媒材應用，將創作者的思緒完整傳達給觀眾。　圖／許如鎧攝《邊界。遊走》系列創作源自呂宗憲對未來的徬徨，他提到，外界眼光期待他能有份穩定的工作，但他卻選擇走坎坷的藝術之路，兩者間的矛盾讓他在現實與自我的邊界游移。呂宗憲說：「希望可以在現實與夢想間找到一個平衡點，這是目前給我自己的目標。」觀展民眾楊知芝也共鳴地說：「快畢業了，面臨就業就會有那種現實與理想的拉扯。」呂宗憲過往專注於寫實創作，媒材也只有單一的水彩，他提及，當時他總不停思索「何謂寫實」，後來受到周圍藝術家的薰染，他嘗試加入抽象元素，也嘗試更多性質的媒材，如壓克力顏料，甚至砂石等礦物，並搭配滾筒、刮板等創作工具，藉此呈現更多樣的質感。而在《邊界。遊走》中，加入抽象元素後也更能體現呂宗憲心中的「寫實」，「寫實或是真實這件事不侷限於形象上」，他補充，那些真實可能存在記憶、氣味或是某些感覺之中，因此，追求內心的真實，也是他心中的寫實。 畫作中的影子反映真實的自我，而號誌指引著影子前行，卻也成了無形的枷鎖。　圖／許如鎧攝隨著年歲增長，或許會在經濟壓力下選擇麵包，也或許咬牙堅持夢想，對此呂宗憲表示，他身邊許多朋友被現實所逼而不再創作，但他對自己有著更深刻的期許，「堅持我想要做的一個事情，然後在一生中把它做到最好。」呂宗憲說道。

【記者石學儒台北報導】縷縷輕煙從牆上貌似空調的裝置飄落，咖啡和沐浴乳淡淡的氣味在白色的空間瀰漫。國立臺南藝術大學造形藝術研究所學生陳博軒於7日起，在展覽空間「WUTZ」舉辦個展「在專注的時候呼吸」，將展品融入空間，重現生命經驗的專注狀態。 陳博軒在「WUTZ」舉辦個展，白色的展出空間內，他盼透過藝術的語言傳達自己的體驗給觀展者。　圖／陳博軒提供「在專注的時候呼吸」描述人們專注的狀態，當我們專注於某件事時，會突然意識到自己正在呼吸。陳博軒說明，這時精神彷彿脫離當前的空間，進入另一個世界，他舉例，就跟恍神的狀態一樣。他經常因失眠、混亂的作息或工作室角落的植物等，開始進入另一個世界。他將當時獲得的身體感知融入此次創作，嘗試用藝術的語言敘述自身專注在內心世界的感受。另外，陳博軒在展間刻意擺放作品，降低作品的存在感，讓這些物件像是已存於展間裡就如默默發生的呼吸，為了讓觀者留意到他們呼吸的生理現象，他設計作品會讓觀者產生窒息感。步入展間，巨大且佈滿孔洞的藍色柱狀體映入眼簾。作品「看不見你聽的專注」來自陳博軒的失眠經驗，他用微距攝影拍下睡眠慣用的耳塞，經後製將圖像放大至能看清耳塞的孔洞。碩大的耳塞列印在布條上，垂吊於展間，一般人無法從作品的樣貌判斷圖像中的物品，陳博軒說：「他吸引你，但他同時又拒絕你，這項作品充滿矛盾，雖然你能清晰地看見影像，而你卻沒辦法解釋它是什麼。」 「看不見你聽的專注」是一個放大好幾倍的耳塞，但因為巨大的形象，讓觀展民眾難以與耳塞做出連結。　圖／陳博軒提供熟悉卻無法辨識的氣味在空間飄散，兩個看似空調的裝置釘放在牆上吐著白煙，作品「清醒所以能夠」分別散發咖啡和沐浴乳的味道。陳博軒以咖啡連結早晨，沐浴乳則表示自己在梳洗後準備入睡的夜晚，兩種味道混合起來，他想述說自己混沌的作息。作品周圍沒有文字說明，因此很難發現裝置也是作品，反而更像是空間裡的空調。觀展民眾洪晧珉提到，作品連結他的日常經驗，氣味將他帶往某個故事情境，「而作品無限接近日常，卻不是日常。」 從空調形象吐出的白煙，夾雜著陳博軒所熟悉的氣味，這些氣味被拿來當作是時間的比喻。　圖／石學儒攝在展間的另一側，兩幅畫作「上牆」和「無題」分別掛在牆上，除了畫作上的紋路和淺淡的染料，地上還灑滿細密的灰粉。兩幅作品欲呈現陳博軒正在創作的過程，他擷取過去作畫的經驗，創作這兩幅看似未完成的畫作，「無題」細微的紋路像是畫家還未將鉛筆痕補色抹去，他說：「就好像創作正在發生一樣。」 〈「無題」畫的是外面陽光灑在旁邊兩個杯子的樣子，而兩個杯子是作品「擱置」，觀展民眾難以察覺他們事件展品。　圖／石學儒攝投影在牆面上的影像輪廓邊緣漸漸模糊，而牆前擺放的盆栽被白粉鋪滿。陳博軒解釋，影像記錄白色空間逐漸被落塵填滿的過程，細微的變化如同時間不經意流逝。牆前植物的葉面因被覆蓋而無法進行光合作用，如同在提醒觀展民眾植物也正在呼吸，觀展民眾李沁玹說：「在看作品時我常不自覺的發呆恍神，當我又拉回到我的呼吸上，是很特別的體驗。」 白色的牆上投影的畫面會從模糊的輪廓變成一片白光，像是時間在每個人的身上總是悄悄發生。　圖／石學儒攝

【記者崔兆慧台中報導】衣物、醫療手套、管線等物品，雜亂地散落在畫布上，再被色彩覆蓋。東海大學美術系進修學士班的張少鈞於19日起，舉辦畢業預展《衝擊》在東海美術系館A+藝術空間展出，透過顏料噴灑作品，展露社會動盪下對自身造成的衝擊。許多金屬樂團以社會議題為創作來源，再用作品唱出對社會的觀察及不滿的情緒。張少鈞仿照此形式，將他目前觀看到的社會現象如輿論暴力、香港反送中事件等公共議題為創作發想，化為作品，「我想用藝術來記錄我生在的時代。」他認為，社會的大小事件皆與我們息息相關，因此他將看似沒有關係的素材擺放在畫布上，讓觀者感到意外，也藉此製造突兀感打破觀者原有的框架，暗喻社會發生的事件總是不可預測。 〈Violence〉以紅、黃、藍三色作出強烈對比，最上方以石膏製成的人頭，以及下方殘缺的腿，象徵著人在輿論暴力下變得殘破不堪。　圖／崔兆慧攝張少鈞觀察，現今人們經常在確認事實前，便開始自以為是地批評他人。而未了解狀況便攻擊他人的輿論，卻為當事者帶來額外的傷害。他以石膏製成人頭及腿，再將兩者與手套、廢棄物、相片隨意擺放在畫布上，噴灑紅、黃、藍三色顏料，創作〈Violence〉。他解釋，相片中的人就如發表輿論的群眾，殘破不堪的石膏則呈現人在輿論暴力下受傷的狀態。觀展者李季寧說：「作品以大量鮮紅色血染，像是對暴力的想像。」作品〈Black〉上放著照片、防毒面具及紗布等物件，再以墨汁染黑所有素材，描繪張少鈞眼中的香港反送中事件。張少鈞說明，黑色將其他色彩掩蓋起來，如專制政權輕易地摧毀民主。而畫布上被倒置的石膏人頭、X光片象徵在抗議中受傷的香港民眾，防毒面具則道出港人受到警方毒氣攻擊的抗爭狀況。他也使用餐桌上常見的止滑墊遮蓋照片，代表國家企圖掩蓋警察肆意傷害人民的事實。 〈Black〉描繪香港反送中事件的黑暗。被倒置的石膏人頭象徵在事件中受傷的人們，防毒面具則直觀地道出警方的毒氣攻擊。　圖／崔兆慧攝「日常生活中充斥著無數衝突。」張少鈞用作品〈War〉將人之間的爭吵、國家之間的矛盾等可小可大的衝突比喻為戰爭，深紅色大面積覆蓋作品，彷彿戰爭下的腥風血雨。而畫布上的炸彈線路被拆解，凌亂地交纏在一起，他提到，愈是想去理清的問題，卻愈容易交織，導致我們看不到問題本質。正如中國和台灣的關係，「那些歷史問題是非常複雜的，沒辦法一時半刻解決，卻總使人民受傷。」作品中也放上電路板、CD片等現代素材，呈現科技或資訊形成的現代衝突。 〈War〉將日常衝突比喻為戰爭。圖為張少鈞親自介紹作品意涵及材料使用。　圖／崔兆慧攝畫布上的器具如紗布、X光片等來自張少鈞受傷的經驗，他補充，展品原先想使用更多元素呈現理念，但他後來發現以簡單元素去闡述想法，反而能為觀者帶來更多的想像空間。指導老師、東海美術系兼任講師劉孟晉說：「張少鈞以畫布作為反映現實騷亂的場域。」張少鈞也透露，未來想用更精緻的材料、出乎意料的方式來創作複合媒材作品，製造更多衝擊。

【記者吳曼嘉台北報導】青銅色羽毛的烏鴉緊閉雙眼，脖子被綁著紅色的蝴蝶結，周圍縈繞縷縷烏煙。國立台灣師範大學美術學系碩士班國畫組的劉威成，於9月27日在師大德群藝廊D廳舉辦《青銅囊》個展，以「青銅囊」的概念表現平時改造模型玩具得來的體悟。 《青銅囊》展覽入口擺放了劉威成平時收藏的人偶模型玩具及邀請卡。　圖／吳曼嘉攝青銅囊意為，畫作中的某些元素擁有青銅器顏色的外囊。劉威成以水墨模仿青銅器的效果，卻不具青銅器給人堅硬的印象，「不太想要它就只是一個青銅器穿在身上，這樣其實比較像盔甲。」他的作品包含青銅器質地的毛皮與氣球，只取青銅器中青綠色和鏽蝕的元素，呈現出似氣囊般柔軟的感覺。 展場中間放置了由〈煙霧迷漫〉製成的拼圖，劉威成給予看展民眾拼圖的提示。　圖／吳曼嘉攝現場也展示劉威成的模型收藏，他喜愛改造、塗抹扭蛋中的人偶模型玩具，他並說：「隨便去扭一個扭蛋我都可以改造，但是要分享給別人看的話，至少要是人家認識的角色、比較知名的IP（Intellectual Property）（註）。」他認為，人們如果想把自己推出去讓外界檢視，便無法隨心所欲表現自我，必須跟改造過的模型玩具一樣，根據從環境接收而來的經驗，去調整向外呈現的樣貌。註：IP是Intellectual Property的縮寫，意思是智慧財產權，包含文學、影視、戲劇的原創內容。因此，他選擇以青銅器作為媒材，原本銅褐色的外觀受環境影響產生化學反應，成為大眾印象中青綠色鏽蝕外殼的模樣，猶如人們不斷順應所處的環境，而做出改變的過程。劉威成的作品多以軟木塞片當作媒材，他經由軟木塞材質的圓形鍋墊，聯想到水墨本身具有很多圓形的構圖，於是他試著在軟木塞上作畫，發現軟木塞是可行的素材，軟木塞片此後便成為他的畫布。就讀師大美術創作碩士在職專班國畫組的林郁樹也指出，軟木塞的吸水性強，當表面的水墨滲入，便能描繪出更自然的毛髮紋理。 〈框或架〉是劉威成在二手市場先買到一個鏡子框後，他才決定要畫出一隻擁有兩個不同表情的無尾熊。　圖／吳曼嘉攝除此之外，一般大眾認知的水墨通常墨暈很重，並以黑白色調為主，但劉威成的水墨表現手法卻不太一樣。他解釋，作品色調為彩色，使許多人認為這種畫法比較像水彩，但仔細觀察還是可以發現，他的作品保有水墨的技法。像是在接近畫布邊框處，他不會用顏色塗滿，而是留下一些空白，體現水墨中的「虛實」觀念。顛覆傳統的水墨形式，讓觀展民眾吳昕芮也說：「蠻有特色的，看到這種手法就會知道是他的作品。」

【記者劉蘭辰台北報導】國立台灣藝術大學造形藝術研究所學生許馨文9日在紫藤廬展出《根。記憶蔓延》個展，以23組作品，透過鉛筆、書冊、漂流木、枯枝與細根等媒材，記錄年初到北京交換學習所感，探討自身創作與族群文化的「根源」。許馨文自中央美術學院返台後，對兩岸看待傳統東方和西方當代藝術的差異深有感觸，「有些東西我們努力要拋棄，但它其實在我們血液中是丟不掉的。」他把物件比擬為自己的身體，用物品特性來表達矛盾心境，並思考我們根植於哪些生活經驗成長，又該如何在兩岸甚至東西方間找到自己的座標。 許馨文創作並思考我們根植於哪些生活經驗成長，又該如何在兩岸甚至東西方間找到自己的座標。 　圖／劉蘭辰攝《彼岸》系列於刺繡框填入漂流木、環氧樹脂與特製石膏，對應同是山水畫面的《小景》系列，呈現許馨文想像的兩岸風景，「我也在風景中漫遊，不斷摸索生命與創作根植何處」。觀眾、台藝大書畫藝術學系博士生范墨表示，《小景》利用多媒材跳脫傳統水墨平面結構，令人耳目一新。兩作間有一擺件名為〈座標〉，藝術家用裁成條狀的法文書頁綑綁漂流木，並在上端圓形木框中勾出五芒星，形容藝術家迂迴的藝術學習之路。鉛筆在某角度下觀看會瞄準五芒星尖角，指涉許馨文不斷在創作過程中尋找自身文化定位與焦點。 鉛筆在某角度下觀看會瞄準五芒星尖角，指涉許馨文不斷在創作過程中尋找自身文化定位與焦點。　圖／劉蘭辰攝一旁由繡花框、書頁與樹根組合的〈根的連結 I〉則關注台灣藝術文化除兩岸元素外，還源於哪些範疇。許馨文將法文書《藝術史的偉大日期》（Les Grandes Dates de l’histoire de l’art）裁成微細樹根，對應台灣植物日日春的細根，藉東西方的「根」描述自己吸收養分時的困惑，「我們在學校都學西方藝術理論，但法國藝術史真的可以跟自身文化背景對話嗎？」觀展民眾蕭郁凡認為，此作最能讓他感受外來與在地文化相遇的火花。 由繡花框、書頁與樹根組合的〈根的連結 I〉則關注台灣藝術文化除兩岸元素外，還源於哪些範疇。　圖／劉蘭辰攝台藝大美術學系教授劉永仁指出，此次展覽表現藝術家在兩岸居住後對文化與空間的調適，並具濃厚東方山水畫特色，與紫藤廬古樸氣氛分外相襯。許馨文則表示，本次創作投注許多心力黏合異質素材，並延續過去展品以種子為題，如今發出細根，未來新展可能會冒出嫩芽。