【記者王華琳新北報導】「我不是要跟家庭和解，而是當我了解為什麼痛苦掙扎時，才會明白我為何這麼急迫地想尋求存在感。」國立臺灣藝術大學美術學系當代視覺文化與實踐碩博士班學生劉耀鈞於9日起，在臺藝大北側聚落38.07.08展間舉辦個展《再等我一下，快到家了》。他將自身的口頭禪化為展覽名稱，傳達自己與他人的距離感，並暗示一切的終點依舊是家庭。該展透過影像記錄藝術家的原生家庭，以及與家人之間的相處，探討自己、家人與創作三者間微妙的羈絆。 《直至休耕》的拍攝過程，讓劉耀鈞不僅重新審視與家人的關係，也發現家庭對他創作的影響。　圖／王華琳攝「藉這個契機再回歸家庭後，我重新意識到家人，對我來講其實很重要。」劉耀鈞說明，他年初所拍攝的紀錄片《直至休耕》，講述隨著阿公、阿婆年紀增長，自家農田終將面臨休耕的故事。在過程中，他慢慢意識到家庭對價值觀與行為的影響，再加上家人無法理解自身創作的隔閡，讓劉耀鈞選擇以第三方的「攝影師」身分重新回到家庭，分析並挖掘問題與起因，尋求被家人接受的歸屬感與身分認同。劉耀鈞偶然於老家櫥櫃中，翻出父母過去的結婚影片，發現了這段與自身相關，但他卻不存在於畫面的影像。作品〈關於過去的一場婚禮〉呈現傳統婚禮中，重視「儀式感」的繁複禮儀。「就像是攝影過程中的準備程序一樣，並非是浪費時間。」他認為繁瑣的婚禮儀式讓人更珍惜家庭價值，因此他透過此創作，試著思考家人在他心中的意義。劉耀鈞也保留原始影片中的粗糙與晃動感，「對我來說它的溫度在於複雜與儀式，但是為什麼會有溫度，可能是因為你從這個時代，遙望過去已經追不回來的記憶。」 劉耀鈞透過現今所習慣的觀看規格，呈現過去畫面，藉此探討影像的時代性。　圖／劉耀鈞提供在作品〈打板計畫〉中，劉耀鈞以電影的「打板」動作介入日常生活，從和阿婆看似文不對題的交流，到「擲筊」詢問神明是否該成為藝術家，最終卻獲得三個笑筊的結局。「這體現我與家人的互動，它好笑但是其實是一種無奈。」劉耀鈞說明，作品中看似荒誕奇妙的事情發展，其實暗示著個人與原生家庭之間的缺失感。期盼能獲得家人回應與理解的他，卻只能將渴望轉移至神明上，從中獲得回覆與認同。觀眾國立臺北藝術大學美術學系碩士生陳俊宇認為，創作者通常在面對與自身相關的事件時，都會有所保留，「但他卻很誠實地去面對，以我對他的認識來說，他的誠實有時候也是某種不得已。」 作品〈打板計畫〉旁．地上放置了許多反面的筊，與一個正面的筊，呼應影像中的情景，也象徵不斷祈求的盼望。　圖／王華琳攝在〈Still landscape〉中，劉耀鈞將盲蛾停留在手上疤痕的影像，以模仿舊電影規格的形式呈現在燈箱上。他認為蛾會隨著光的方向前進，「就像我一直在追光，從城市的中心追逐到邊緣，但其實光源就是我對於攝影的迷惘。」雙頻道錄像作品〈A blind moth〉，右側是劉耀鈞在未找到攝影主題核心時所拍下的影像內容，如同日記一般記錄著當下的心態與生活。而左側則是相隔三年後臨摹過去氛圍所拍攝的影像，隨著時間與環境的變化，即便存在許多臨摹過去的部分，依然無法完全還原當下的氛圍與情緒。 劉耀鈞將影像以仿舊的形式作處理，他認為記憶看似模糊且破碎，但實際上卻能拼湊成一件完整的事物。　圖／劉耀鈞提供「原本很擔心變成我一直在談論自己家的事情，但後來發現家人間的溝通問題，其實是每個人都會遇到的狀況。」劉耀鈞提到，他的藝術家朋友都能對家人不理解的情況產生共鳴，但他仍試圖將這份心得轉化成作品，讓更多人思考自身與家人的相處關係。觀眾梁煜培認為，劉耀鈞在製作〈A blind moth〉時不清楚自己的創作，家裡也不理解他的事情，「但你可以感受到內容非常真實，作品都有一個很強烈的特徵，他把自己的煩惱思考直白地揭露給大家。」 劉耀鈞將自身工作室搬入展場中，以塑膠布幕象徵工廠般的生產區域，並在展期間以「無人的展間」為題，拍攝紀錄片。　圖／劉耀鈞提供 劉耀鈞將過去所拍攝的影像，以記憶般瑣碎無序的方式進行播放，同時又以圓型框架聚焦作品，創造獨特的「失焦感」。　圖／王華琳攝 

廢棄廣播電塔影像印在隨處可見的A3紙上，連接成一長條，猶如天梯。作品〈Ladder A3〉沿對角線橫跨整個展場。　圖／何予攝【記者何予台北報導】「希望在被拆除、被遺忘之前，你至少再看它一眼。」國立臺灣藝術大學雕塑學系碩士生丘智偉舉辦個展《1：1》，在10月28日於臺藝大雕塑系實驗展場開幕，共展出兩系列作品，分別是以鄰近臺藝大的台北紙廠為創作對象的《Paper Factory》，以及結合攝影的空間裝置《Ladder》。 作品〈Paper Factory：A4〉以透片與燈管做成裝置，此次利用了空間中的排風口，空氣造成光線與透片的擾動。　圖／何予攝丘智偉以透片與燈管做成攝影裝置作品〈Paper Factory：A4〉，並在印有紙廠影像的透片中央，置入A4大小的空白。丘智偉認為，現實空間不斷在變動，但影像只能捕捉片斷，「留白、留出空缺，就會變成一個可以想像的空間。」放置在地面展出的作品〈Paper Factory〉，以1：1的比例將紙廠轉換為影像，再切分成4800份，從中挑選480張輸出成A4大小疊成一落，再將原先的4800張影像用投影機在紙面上快速輪播，回應持續變動的時空。丘智偉表示，過程中曾嘗試完整疊放4800張紙，但他認為高至大腿的紙堆，不夠符合紙廠即將消逝的狀態，「我想要讓他薄薄的、甚至被忽略。」他說。 放置在地面展出的作品〈Paper Factory〉，在紙堆上投影出紙廠影像，中間則快速輪播4800張照片。　圖／何予攝「我稱之為紀念碑，因為它去功能化了。它現在唯一的功能，就是勾起我小時候的回憶。」丘智偉將廢棄的廣播電塔影像放大至10多層樓高，印在隨處可見的A3紙上，連接成一長條，完成此次展出的新作〈Ladder A3〉。丘智偉談及自己與電塔的關係，是從兒時在父親車上收聽廣播開始，這個經驗養成他在通勤途中的聆聽習慣。然而，當他再次接觸到廣播電塔時，它竟已成為廢棄物，讓他感受到事物隨時間衰敗的衝擊。他選用有別於相紙或底片的影像載體，以隨意、輕薄的紙材傳達這些建築體不再被重視的處境，也呈現記憶容易被消耗、毀損的特性。 有別於一般藝術展場的觀看經驗，觀眾可以選擇繞過展品，也可以直接從作品上方跨越。　圖／何予攝在兩系列作品中，丘智偉玩轉影像呈現的尺度，為觀眾帶來不同的感官經驗。「這次展品給我最大的感受，就是不一樣的身體感。」現場觀眾吳宇軒表示，面對展場裡的巨幅展品和觀看一張照片的感受相當不同。臺藝大雕塑學系助理教授劉千瑋也說明，作品的尺度跟身體的感受是對應的，他說：「身體參與的方式很不一樣，好像真的踩進去某個場景裡。」「我轉化這麼多奇奇怪怪的形式，目的很簡單，希望他們再被看到一次。」丘智偉表示，他的創作對象就是一個即將消失的空間，總有一天，這些事物只能出現在其他地方，以其他的形式呈現。他更進一步說明，物件在遠離現場後，觀者的觀看體驗必然會不同，藝術家只能透過創作盡量還原空間之於個人的記憶與感受。 丘智偉將廣播電塔影像1：1放大，投影在牆面，作品〈Sky Ladder〉影像會不斷向上延伸。透過不同尺寸，塑造不同的身體感。　圖／何予攝

【記者顏婕儒綜合報導】一張張色彩迷幻的照片，交織出台灣美麗的景色。國立臺灣藝術大學圖文傳播藝術學系進修學士、同時也經營部落格「某處．On the Ground」的劉蓁，11月26日起在台北「嘖咖啡」舉辦攝影展《看不見的台灣》，望能透過在地風景影像，提醒大家不要忽略身邊的美好。 展覽將52張景點拼成台灣的主視覺，望能提醒大家不要忘記身邊的美好事物。　圖／劉蓁提供劉蓁將以紅外線攝影拍攝的52張國內景點照片，排列成台灣形狀作為展覽主視覺。其中一張〈集集車站〉以車站作為主體，搭配上後方繁茂的樹木以及壯闊的山景，呈現出歲月靜好的安定感。劉蓁回憶，發生九二一大地震那年，雖然他年紀尚小，但仍印象深刻，「車站算是整個毀掉，車子當然是不可能開了，然後車站基本上也是毀損得非常嚴重。」他形容，重建後的車站就像是事情真的已經過去了，「經過這樣子的災難，最後能夠獲得重生的感覺。」 〈集集車站〉以重建後的車站作為主體，象徵著經過災難後，重獲新生的意涵。　圖／劉蓁提供劉蓁表示，以往許多人一到假期就紛紛往國外跑，機場總是塞滿了人。不過，今年因疫情限制出入境的緣故，讓平時愛出國的遊客開始國內旅行，也因此激發他這次的計畫。他希望透過拍攝台灣的知名景點，讓大家不要總想著出國去玩，「我們身邊其實有很多很美麗的風景也很值得我們去造訪。」他強調。觀展民眾顏君儒則透露，自己過去幾乎每年至少出國一次，因為疫情才開始尋找國內非熱門景點旅遊，「台灣真的一點也不輸國外。」 國立臺灣藝術大學圖文傳播學系進修學士劉蓁，以紅外線攝影拍攝台灣各地的美景。　圖／劉蓁提供為了與一般的風景照做出區別，劉蓁首次嘗試紅外線攝影。紅外線攝影是在鏡頭前加上一個濾鏡擋住可見光、保留紅外線，攝影師會讓部分的可見光進入鏡頭，呈現出半彩的相片。他說：「我們平常看到這些習以為常的東西，在顏色上做一些轉換，就可以帶給大家很大的視覺衝擊。」其中，又以綠色植物的顏色轉變成粉紅色特別明顯，因此他在構圖時會特意讓多一點的樹葉入鏡。觀展民眾張欣恩說：「跟一般眼睛看到的不一樣，我覺得有點夢幻、不真實，像是會在夢中看到的顏色。」劉蓁說明，紅外線攝影不是很普遍的手法，除了希望藉《看不見的台灣》鼓勵大家關注身邊的美好，也期盼讓更多人知道紅外線攝影，「甚至有人開始去從事這樣子的創作，我覺得是非常棒的。」他進一步表示，未來若有合適的主題，也會持續的使用紅外線攝影手法，「我覺得那是一個滿有趣的創作方式。」 展覽將於26日於台北「嘖咖啡」進行分享會，一同交流旅行途中及攝影時的趣事。　圖／劉蓁提供

【記者顏婕儒綜合報導】觀眾隔著螢幕觀看藝術家的表演，畫面中的主播也即時以口述方式現場轉播，並與觀眾進行互動。由國立臺灣藝術大學雕塑學系六位學生組成的團隊「直播皮辣椒」，於18日至24日在臺藝大校園內進行現場展演，並以直播及錄像的形式於網路上放送，試圖探討現今社會中人與人之間的關係。展演由〈Bih - sio - tshe〉、〈三位一體〉、〈信愛的天使之吻 翔翼的純愛呼喚〉、〈宇宙原初無髮霹靂 軒轅一破六根清淨〉四件作品組成。在〈Bih - sio - tshe〉中，表演者站於系館內不同監視器下，各支錄像回傳至九宮格分割的螢幕，串連現實中四散各地的位置，觀眾可以透過螢幕觀測表演者的一舉一動，並且操控他們進行圈圈叉叉遊戲。其中一名表演者陳薇說：「雖然主控權在觀眾身上，不過表演者會自己去找到鏡頭的中心，試圖成為展演的主角。」 〈Bih - sio - tshe〉中觀眾透過螢幕進行圈圈叉叉的遊戲，藉著操控藝術家來決定遊戲的結果。　圖／直播皮辣椒提供而在〈信愛的天使之吻 翔翼的純愛呼喚〉中，藝術家們在校園中擺放白色的帳篷，並在帳篷內把擁抱、聊天、親吻等親密行爲化為付費服務，觀眾可以進到帳篷中購買五分鐘的體驗，不過無論是炙熱的眼神、抑或是大面積的肢體接觸，只要時間一到就會立刻停止，「我就像是一個商品。」表演者王信翔形容。 〈信愛的天使之吻 翔翼的純愛呼喚〉透過兜售人體服務，探討現今社會出現的各種交易，如性交易、一日伴侶。　圖／直播皮辣椒提供參與展演的觀眾如同擁有上帝視角的監控者，看似單方面的控制表演者，不過陳薇解釋，雙方的權力關係其實沒有如此不對等，「並不只是一方操控一方，而是相互進行操控與反操控。」而團隊也期望作品能促使觀眾去思考，情感與行為是否可以單獨抽離。作品座談會與談人陳孝齊形容，在商業性的世界中，人與人的互動變得相對苦悶與冷淡，「這個展覽很像是在苦中作樂、然後再加辣。」團隊說明，疫情爆發後，直播潮在居家防疫期間掀起，因此他們想藉此次展演探討「直播」是如何進入生活，並試著去建構作品。陳薇提及，比起一般直播主，藝術家們更專注於創作背後的含義，「討論某個重要的議題、傳遞一種想法或是概念，所以我才去做這件事情。」他也補充，不同的出發點，處理的手法就會有所差異。雖然網路直播作品能成功將受眾擴大，不過與談人賴沛雋形容，觀眾已不再像是群體、群眾，而像螢幕上方浮動的數量，「接觸到群眾的人數是廣的，但其實說到底他可能只是一個數字。」他補充，觀眾可以輕易地進入，也快速的抽離，為了因應這種情況，藝術呈現的方式必須更快速地吸引觀眾。而陳薇認為，「觀眾與表演者的關係是一直在互相影響、互相改變的。」他也期許未來能不被過去的框架所限制，以新的展演模式開創更多的體驗與可能。 展演中的另一作品〈宇宙原初無髮霹靂 軒轅一破六根清淨〉，透過自己理髮的過程，象徵希望對自己能掌握的事情，再多拿回一點點權力。　圖／直播皮辣椒提供

【記者蕭淳云台北報導】色彩飽和的造型木板在牆上交疊分布，各式各樣的圖案分別象徵不同的情緒。國立臺灣藝術大學美術學系碩士班應屆畢業生劉昕宜舉辦個展「《Sound》以聲音作為一個身體想像」，於16日起在永寧科技園區展出。展覽透過互動體驗、舞蹈藝術與線條繪畫，探討聲音與情緒的相互影響。 展場中沉浸式的音樂體驗，引導觀眾轉動不同樣貌的木板，將感受到的音樂情緒視覺化呈現。　圖／劉昕宜提供劉昕宜延續在學時期的創作，他認為，聲音的頻率能讓聽者產生共感，就如冷暖色帶給觀者不同感受。他說明，音樂會喚起過去聆聽時的身體記憶，「就像有些演員在入戲前會聽一段音樂一樣，它（聲音）會快速的營造一個情境讓我感受身體狀態而開始創作。」 對他而言，聲音是激發情感最快速的方式。 此次創作者劉昕宜的創作延續過去的身體感知作品，擷取其中象徵情緒的圖像，在此次作品中聚焦情緒與聲音的交互影響。　圖／劉昕宜提供立體音響在展間播放各式各樣的音樂，從現代流行樂曲、教堂聖歌，到鄧麗君懷舊歌曲，聲音變化牽動觀眾的情緒。流動的情緒使聽眾直覺地轉動《Sound body》牆上的幾何圖案，呈現聆聽當下的身體感受。劉昕宜表示，牆面上的木板圖案各代表不同的情緒，「這些圖案是在聽音樂的時候創作的，（音樂）喚起過去情緒記憶，並將當下的感受直覺地畫出來。」他補充，當他沉浸在古典聲樂，繪製的圖形多柔和、圓滑，聽到急促高漲的聲音時，創作的圖像多呈現剛硬、尖銳的狀態。 每個圖案各代表不同的情緒單位，創作者劉昕宜以壓克力顏料為木板上色，並設計成可轉動的互動性裝置。　圖／劉昕宜提供劉昕宜延伸《Sound body》的創作，將情緒幾何圖案投射在地板上，構成他與舞蹈藝術家賴有豐合力創作的作品《Sound line》。配有感應裝置的音響設備，在舞者現身時同步播放音樂，與藝術家相互連結。賴有豐以肢體詮釋幾何圖案隱含的情緒，表現聲音、情緒、肢體之間的影響與生命性。他選用作曲家坂本龍一的作品，希望透過如佛堂鐘聲般綿遠流長的音效，營造舞蹈表演的空間感，賴有豐補充說明：「觀眾在離開展間後，這個概念仍然可以存在，不會說跳完就結束了。」 展覽的另一側，畫作《Sound mood》以迂迴婉轉的鉛筆線條呈現流動狀態，是劉昕宜沉浸在音樂氛圍中，使用鉛筆與壓克力顏料繪製而成的作品。他闡述，因為自己對於外在變化十分敏銳，當內在情緒積累到臨界點時，便會繪畫線條抒發心情。粗細的線條、深淺的筆觸、明暗的色彩，正呈現他內心世界的低語呢喃。他提到，過去他也以類似手法創作作品「呢喃系列」，但《Sound mood》增加線條的粗細變化，使整體更具層次，他笑著說：「很像神經細胞或血管發散出去的連結。」 創作者劉昕宜首次嘗試以木板創作線條系列作品，希望搭配展間裝潢，呈現更加和諧視覺效果。　圖／劉昕宜提供展覽開幕的同時，劉昕宜仍持續創作，甫完成的兩幅線條畫作，採用炭筆為媒材，打破以雙手繪畫的既定印象，運用四肢在大面積畫紙上揮灑情緒意識。此次展覽合作的音響公司「Ogeeg」創辦人范志高形容，劉昕宜畫作中的線條無止盡地擴充，彷彿試圖掙脫畫布，極具延展性與想像空間，他認為：「就像聲音之於人類，可以提供無限的想像。」

【記者崔兆慧台北報導】一手拿著講稿，他隻身站在黑木箱上，宏亮地誦讀觀賞行動藝術作品後的感想。國立臺北藝術大學美術學系碩士班創作組研究生陳俊宇與「台灣行動藝術研究社」的九名藝術家共同創作〈PER．FORMANCE ART〉，透過一連串的行動藝術，思考藝術產製過程每個角色的界線及身分轉變。 藝術家陳俊宇在街頭口述他曾觀看的八件行為藝術作品，以生動的語調帶領觀眾想像作品內容。　 圖／崔兆慧攝展演名稱將英文單字PERFOMANCE拆解成「PER．FORMANCE」，意指每一次、每一種形式的創作表現。在此次表演，藝術家們分別創作八件行為藝術作品，僅對陳俊宇公開作品，並讓他紀錄作品的內容及他對作品的回饋。之後，唯一掌握作品資訊的陳俊宇再挑選適宜的場所，口述他先前紀錄的內容，聽眾只能從他口語中想像八件作品原有的樣貌。策展人姚瑞中說：「陳俊宇在街頭講述，黑色的木箱就是他的演講台，像古希臘時期蘇格拉底在街上和民眾討論、交流。」陳俊宇闡述，此創作形式的靈感來自英裔德國藝術家提諾．塞格爾（Tino Sehgal），塞格爾的禁忌便是不讓人紀錄他的作品，即便如此，仍有人用錄音筆偷偷紀錄塞格爾某次表演的情境。陳俊宇將故事延伸至此次創作，他觀看九位藝術家的作品後，僅以說故事的方式傳遞，卻不發表文字檔案，讓八件作品內容因無文字記載，成為口耳相傳的都市傳說。 藝術家陳俊宇在街頭口述他曾參與的八件行為藝術作品，觀眾錄下他的表演過程。　圖／崔兆慧攝「經過多層轉印後，藝術品產製過程中，每個人扮演的角色還是固定的嗎？」陳俊宇提問。他原是藝術家，而在〈PER．FORMANCE ART〉中因要規劃展演成為策展人，接著他在觀看藝術家們的作品後撰寫心得，身分又再轉換為藝評人。之後，陳俊宇走上街頭口述作品內容時，創作作品的九位藝術家聆聽他的講述後，他們的藝術家身份似乎消失，成為觀眾。參展藝術家、國立臺灣藝術大學雕塑學系陳薇說：「我們（在這場創作）的關係層次是一直在浮動的。」 藝術家陳俊宇以瑞士藝術家托馬斯．赫胥宏（Thomas Hirschhorn）於民國99年創作的《評價的幽靈》為樣本，繪製出藝術品產鏈中，角色互相轉化，而界線逐漸淡化的過程。　圖／崔兆慧攝整場行為藝術的角色在參與藝術的過程不斷產生變化，陳俊宇表示，在身分消除、建立的過程，每個身分的界線隨之模糊，複雜的線路交織成藝術產製的生態圈。當產鏈上的角色定位鬆動時，他開始產生一個疑問，「他是藝術家，還是我是藝術家？」他認為，作者論因而消失。 藝術家陳俊宇在行為藝術結束後，自己搬攝影器材回室內，問起是否需要幫忙，他笑說：「我喜歡自己掌控事情的感覺。」　圖／崔兆慧攝身處不同的產製角色讓陳俊宇得以用全新的角度審視每一件作品，他提到，整個展演形式的理念並未隨著此次表演而結束，他將繼續口述作品故事。陳俊宇進一步說：「能透過藝術創作打開介面，建立一個討論場域，這就是我覺得最美好的狀態。」行為藝術注重臨場表現，藝術家也難以猜測觀眾的反應，參與者張耿嘉說：「行為藝術中的突發性，便是它可貴的地方。」

【記者徐品蓁新北報導】舞者隨著搖滾樂的強烈節奏擺動，展現出與平時截然不同的性格。國立臺灣藝術大學舞蹈學系碩士班學生陳玟琪，將日常生活的行為發展成舞蹈動作，打破長期跳舞的身體慣性，以當代舞蹈呈現畢業製作《慣系少女之少女的舞蹈》，在11月30日於臺藝大舞蹈系501小劇場演出。 國立臺灣藝術大學舞蹈學系碩士班學生陳玟琪，以當代舞蹈呈現畢業製作《慣系少女之少女的舞蹈》，挑戰跳舞時身體的慣性與情緒的表達。　圖／陳玟琪提供陳玟琪從四歲便開始學舞，在長達24年的舞齡中，他說：「進高中後，我們每天量體重，哪裡長肉了就會被罵。」長期依循指令的他漸漸發覺，他在生活中已不需要多加思考，此種接受他人安排的生活模式成為一種習慣，真實的自己變得越來越渺小。陳玟琪解釋，舞蹈系女生在現行的教育體制下，容易養成接受他人指令的習慣，難以表露出自身的情感。因此，他決定在此次表演中突破以往的自己，將日常生活當作舞蹈發想的基礎，展露自己真實的樣貌。並且，陳玟琪也將探討的範圍從受體制壓抑的舞蹈系女生，擴展到社會對女性的既定印象。舞者身體僵直，雙手半彎，模擬出機器人互相傳遞機器兔的遊戲，藉此傳達出人們都像機器人一樣被控制、束縛住的情況。而背景搭配電視播放著的綜藝節目，電視中的主持人說出「你後面帶了幾個小姐」等揶揄女性的話語，陳玟琪說：「那些話其實現在聽起來對女生是很不舒服的。」 《慣系少女之少女的舞蹈》透過舞蹈、燈光、舞台與音樂的設計，呈現出陳玟琪內心真實的樣貌。　圖／陳玟琪提供在演出的最後一幕，耳邊傳來搖滾音樂和爵士鼓伴奏，陳玟琪與舞者在舞台上隨著節奏擺動。陳玟琪表示，最後的大群舞也是發想自日常生活會遇到的狀況，像女生經痛時的動作、溫柔女子在不滿他人時的反差態度等，以表達他心理的真實面貌。再加上陳玟琪從小主修芭雷，旁人對她的印象都覺得她具有優雅的氣質，編舞家陳逸恩也補充說：「一個一直都維持端莊典雅的女生，誰會想到他熱愛搖滾音樂，喜歡聽閃靈樂團？」 在《慣系少女之少女的舞蹈》中出現許多兔子的元素，象徵著現代社會對女性的刻板印象。　圖／陳玟琪提供臺藝大舞蹈系學生的唐筠雯分享，此次展演也打破舞台燈光使用的效果，像是白色燈光快速閃爍，使表演者彷彿動畫影格般舞動，做出常人不敢嘗試的設計。同為臺藝大舞蹈系學生的凌慶薰在觀賞演出後說：「《慣系少女》跟一般老師或學生編的舞不同，編進很多日常的元素。」他表示，在表演中感受到陳玟琪真實的人生經歷，而不是為演出而刻意培養的情緒。

【記者林琬蓉宜蘭報導】立在田地中的漂流木高度不一，木頭上吊掛的漁網隨風飄揚，如海浪般舞動。國立臺灣藝術大學雕塑學系學生李霈姍、游佳臻、黃毓琁和鍾佑易共同創作的作品〈鰻游〉，15日起在宜蘭縣壯圍沙丘旅遊服務園區展出。作品發想自壯圍海邊漁民捕撈鰻苗的場景，運用漂流木、漁網等在地素材，打造出大型裝置藝術品。 〈鰻游〉發想自漁民捕鰻苗的場景，由國立臺灣藝術大學雕塑學系學生李霈姍、游佳臻、黃毓琁和鍾佑易共同創作。　圖／林琬蓉攝作品使用的漂流木取自壯圍鄉廍後社區，四位作者親自至當地，挑選適當長度和粗細的木頭，再由當地農民幫忙運送至場地，並協助搬動重達近200公斤的木頭。游佳臻提到，他們受到當地人許多幫助，他說：「常去隔壁借棚子、農具，甚至借我們車子。」木頭上的漁網也經過精挑細選，四人跑遍不少店家，最終找到滿意的漁網，由在地職人手工編織而成，且目前已經絕版。黃毓琁笑說：「爺爺已經退休不做了，我們大概把整間店的網子都買光了。」參觀民眾郭亭利也認為，作品深具海洋意象，綠色的漁網像水草，白色的漁網則像浪花。 在風吹拂之下的漁網展現不同的表情，漁網也會依陽光的照射角度呈現不一樣的色澤。　圖／林琬蓉攝談及發想作品的契機，李霈姍解釋，暑假造訪壯圍沙丘旅遊服務園區時，看到導演蔡明亮的作品《沙》，對影片中漁民在海邊搭建帳篷、捕捉鰻苗的場景印象深刻。身為宜蘭人的游佳臻與黃毓琁則表示，從小便時常聽聞當地盛行的捕鰻苗文化。因此，四人希望以捕鰻苗為概念，扣合在地環境，製作大型裝置藝術作品。作者精心安排漂流木與漁網的擺放位置，讓作品宛如一座大型迷宮，當人們踏進迷宮，便像鰻苗洄游入網的瞬間，而走入作品的觀眾，就如同隨機聚合的鰻苗。李霈姍認為，這是一件能與觀眾互動的作品，他期望觀眾不僅能從作品外部觀看，也能親自走入迷宮探索。 〈鰻游〉運用當地漂流木及漁網構築一座大型迷宮，作者也將走入迷宮的觀眾比擬為隨機聚合的鰻苗。　圖／林琬蓉攝