【記者王華琳新北報導】「我不是要跟家庭和解，而是當我了解為什麼痛苦掙扎時，才會明白我為何這麼急迫地想尋求存在感。」國立臺灣藝術大學美術學系當代視覺文化與實踐碩博士班學生劉耀鈞於9日起，在臺藝大北側聚落38.07.08展間舉辦個展《再等我一下，快到家了》。他將自身的口頭禪化為展覽名稱，傳達自己與他人的距離感，並暗示一切的終點依舊是家庭。該展透過影像記錄藝術家的原生家庭，以及與家人之間的相處，探討自己、家人與創作三者間微妙的羈絆。 《直至休耕》的拍攝過程，讓劉耀鈞不僅重新審視與家人的關係，也發現家庭對他創作的影響。　圖／王華琳攝「藉這個契機再回歸家庭後，我重新意識到家人，對我來講其實很重要。」劉耀鈞說明，他年初所拍攝的紀錄片《直至休耕》，講述隨著阿公、阿婆年紀增長，自家農田終將面臨休耕的故事。在過程中，他慢慢意識到家庭對價值觀與行為的影響，再加上家人無法理解自身創作的隔閡，讓劉耀鈞選擇以第三方的「攝影師」身分重新回到家庭，分析並挖掘問題與起因，尋求被家人接受的歸屬感與身分認同。劉耀鈞偶然於老家櫥櫃中，翻出父母過去的結婚影片，發現了這段與自身相關，但他卻不存在於畫面的影像。作品〈關於過去的一場婚禮〉呈現傳統婚禮中，重視「儀式感」的繁複禮儀。「就像是攝影過程中的準備程序一樣，並非是浪費時間。」他認為繁瑣的婚禮儀式讓人更珍惜家庭價值，因此他透過此創作，試著思考家人在他心中的意義。劉耀鈞也保留原始影片中的粗糙與晃動感，「對我來說它的溫度在於複雜與儀式，但是為什麼會有溫度，可能是因為你從這個時代，遙望過去已經追不回來的記憶。」 劉耀鈞透過現今所習慣的觀看規格，呈現過去畫面，藉此探討影像的時代性。　圖／劉耀鈞提供在作品〈打板計畫〉中，劉耀鈞以電影的「打板」動作介入日常生活，從和阿婆看似文不對題的交流，到「擲筊」詢問神明是否該成為藝術家，最終卻獲得三個笑筊的結局。「這體現我與家人的互動，它好笑但是其實是一種無奈。」劉耀鈞說明，作品中看似荒誕奇妙的事情發展，其實暗示著個人與原生家庭之間的缺失感。期盼能獲得家人回應與理解的他，卻只能將渴望轉移至神明上，從中獲得回覆與認同。觀眾國立臺北藝術大學美術學系碩士生陳俊宇認為，創作者通常在面對與自身相關的事件時，都會有所保留，「但他卻很誠實地去面對，以我對他的認識來說，他的誠實有時候也是某種不得已。」 作品〈打板計畫〉旁．地上放置了許多反面的筊，與一個正面的筊，呼應影像中的情景，也象徵不斷祈求的盼望。　圖／王華琳攝在〈Still landscape〉中，劉耀鈞將盲蛾停留在手上疤痕的影像，以模仿舊電影規格的形式呈現在燈箱上。他認為蛾會隨著光的方向前進，「就像我一直在追光，從城市的中心追逐到邊緣，但其實光源就是我對於攝影的迷惘。」雙頻道錄像作品〈A blind moth〉，右側是劉耀鈞在未找到攝影主題核心時所拍下的影像內容，如同日記一般記錄著當下的心態與生活。而左側則是相隔三年後臨摹過去氛圍所拍攝的影像，隨著時間與環境的變化，即便存在許多臨摹過去的部分，依然無法完全還原當下的氛圍與情緒。 劉耀鈞將影像以仿舊的形式作處理，他認為記憶看似模糊且破碎，但實際上卻能拼湊成一件完整的事物。　圖／劉耀鈞提供「原本很擔心變成我一直在談論自己家的事情，但後來發現家人間的溝通問題，其實是每個人都會遇到的狀況。」劉耀鈞提到，他的藝術家朋友都能對家人不理解的情況產生共鳴，但他仍試圖將這份心得轉化成作品，讓更多人思考自身與家人的相處關係。觀眾梁煜培認為，劉耀鈞在製作〈A blind moth〉時不清楚自己的創作，家裡也不理解他的事情，「但你可以感受到內容非常真實，作品都有一個很強烈的特徵，他把自己的煩惱思考直白地揭露給大家。」 劉耀鈞將自身工作室搬入展場中，以塑膠布幕象徵工廠般的生產區域，並在展期間以「無人的展間」為題，拍攝紀錄片。　圖／劉耀鈞提供 劉耀鈞將過去所拍攝的影像，以記憶般瑣碎無序的方式進行播放，同時又以圓型框架聚焦作品，創造獨特的「失焦感」。　圖／王華琳攝 

《曠日廢時》展場位在南海藝廊中，介於室、內外之間的開放式空間「後方水泥地」，過去堆放在此處的部分閒置物品，也被邱靖婷留下作為展品。　圖／何予攝【記者何予綜合報導】走進南海藝廊深處一塊連通室內、外的水泥地，播放中的影像和現場堆置的雜物重疊，難以辨認何者才是作品。「now playing... 鬧著玩 / 現正播放中 」是台新藝術獎20週年大展的衛星展。其中，臺北藝術大學藝術跨域研究所邱靖婷的系列作品《曠日廢時》以拆遷現場為主題，於11月29日至12月11日在南海藝廊的「後方水泥地」展出。錄像投影在窗框和門板上，內容關於邱靖婷友人家在大園航空城被拆遷的屋子。作品〈曠日廢時〉中，邱靖婷不以紀實手法紀錄現場，而是將沉重的現場氣氛結合友人口述的記憶和田野調查進行編導拍攝。「沒有想要太貼近，希望讓我或是看到的人，都可以去想：如果一個空間發生這樣的事情，那我們還可以怎麼想？」邱靖婷將現場觀察到的破磚殘瓦結合過去農田的景觀，配上踩碎玻璃的聲響和吃西瓜畫面等意象，傳達家屋的記憶將不復存在，藉此呈現家屋面對拆遷時的脆弱。 大園過去作為農業用地時多種植西瓜，邱靖婷友人與其母親皆提及過去在這棟房子內一起吃西瓜的回憶，因此西瓜成為劇本中的重要意象。　圖／何予攝展場上方，投影著循環播放的影像〈the day we meet〉，是關於桃園後寮一帶因興建體育園區被拆遷的巫家聚落。邱靖婷刻意在兩件作品的投影機前擺放半透明材質的抽屜櫃和窗框，使投影產生模糊的、間隔的效果，「我覺得人不可能真的看清楚一個東西，畫面中的時空現在不可能長這樣，可能是繼續拆或不見了。」邱靖婷認為，作品只能捕捉並呈現一個特定片段，但現實仍在持續發生中。 〈the day we meet〉拍攝大園巫家聚落拆除後的廢墟狀態，因展出場地上方和巫家建築屋頂皆使用塑膠波浪板，因此選擇將影像投影在上方。　圖／何予攝南海藝廊從2017年被國立臺北教育大學收回後維持著閒置狀態，直到這次展覽才重新整頓、開幕，但不久後又將面臨都更的命運。「場勘時這裡堆滿雜物，只有一個人可以通過的空間。」當時的邱靖婷看到展場與其作品中拆遷現場的共通點，明明仍是可用空間，卻被人為擱置，因此將這塊「後方水泥地」與作品連結，將整個空間佈置為一件作品，除了兩件影像作品外，展場角落還有印製在布料上的攝影圖像，邱靖婷說：「我選擇布料去做，是因為它會穿透，一定會看到這個環境裡的東西。」 邱靖婷將拆遷現場景象印製在布料上，披掛在場地原先閒置的木材。後方材質紋路會隱約從織物纖維間透出，和影像交疊。　圖／何予攝「在白盒子（註）裡不管放什麼東西，作品都會直接成立，但我關注的東西，放在那邊真的適合嗎？」邱靖婷在《曠日廢時》中實踐自己對於展場的反思，希望作品能和事件現場更靠近，並與展場本身產生連結。觀眾黃茂善認為，展場整體可以視作一件更大的作品，讓觀者得以進入藝術家重新建構的空間，對拆遷現場產生共鳴，「能跟場館現實進行一些因地制宜的對話，我覺得是蠻不錯的嘗試。」註：白盒子（White Cube）一詞常被用來指涉現代主義式的美術館展覽場，大多是白色的展牆，形成一種低干擾、無個性的標準展場空間。 邱靖婷為三個面臨拆遷命運的屋子作詩〈末日與腳印〉，並錄製自己讀詩的聲音。觀者可以選擇拿起耳機聆聽，或以自己的聲音感受此詩作。　圖／何予攝

【記者古宇恩台中報導】掛著古典油畫的兩面牆左右相對，實驗性質的作品貫穿其間。東海大學美術系進修學士班學生吳昌濬舉辦個人評鑑展《About Me》，展出以古典油畫、立體裝置、拼貼及攝影等多種形式創作的作品，探討不同時期、情緒下的自我。展覽於11月22至27日在東海43號創藝實習中心展出。《About Me》以吳昌濬創作的時間軸進行布置，展場最左側是藝術家大一時完成的油畫作品，象徵大學藝術學習的開端。中段布滿不同形式的作品，展現學習過程中對疫情、社會議題及情緒等面向的反思。展場的右端為近期的油畫作品，表現出自己在歷經種種際遇後對藝術的理解及詮釋。 《About Me》以創作的時間軸進行布置，以兩幅不同創作時期的油畫串起四年來思考和技法上的成長。　圖／古宇恩攝走入展場，左側牆面上的〈油畫靜物〉是油畫中的經典題材，著重傳統技法上的練習。吳昌濬表示，現在回頭檢視這幅作品，感覺當初在用色上相當直覺，像在亮度的提高上，會下意識使用冷色系的鉛白，但畫面整體色溫偏暖，也導致光線與物品間產生衝突感，「創作完後才領悟到每個色相都有明度差異。」他說。 〈油畫靜物〉是東海大學美術系進修學士班學生吳昌濬大一時期作品，藝術家將這件作品置於展場最左側，傳達大學藝術學習的開端。　圖／古宇恩攝置放於展場中間牆面上的〈過程〉是吳昌濬心理世界的投射，創作時他將衛生紙反覆地撕扯、拼貼及染色，藉此與無法突破創作瓶頸的自己進行對話。「一開始我很排斥沒有完整架構的作品，對我而言很不真誠。」吳昌濬坦言過去創作時總是依循既定的框架，但媒材的限制促使自己不得不開始思考藝術的可能性，最終他決定直面內心的情緒，因此〈過程〉並不是創作前就已經構思好的作品，而是直覺性的情感抒發。吳昌濬友人李易庭說：「作品色調較為黯沉，可以體現出他的內斂，但在整體呈現上又可以看出他內心有很多被壓抑的想法。」 〈過程〉以衛生紙作為媒材，透過重複撕扯、拼貼，最後進行染色，來表達創作遇到瓶頸時慌亂的思緒。　圖／古宇恩攝展場右側牆面上是臨摹自法國油畫作家Joseph-Désiré Court的作品〈Rigolette keeping herself busy while Germain is away〉，吳昌濬說：「在這幅畫中，我刻意去省略很多的技法，去篩選什麼是自己想要的藝術。」他表示雖然這幅作品不完全是自己的創作，但卻最實在地展現自己在四年學習中對於藝術的體悟。 〈臨摹Rigolette Seeks To Distract Herself During The Absence Of Germain〉雖是臨摹作品，卻是東海大學美術系進修學士班學生吳昌濬四年藝術學習的精華。　圖／古宇恩攝吳昌濬說明此展以自我為主軸的契機，他認為自己並不是情緒外顯的人，因此想要透過展覽，讓想更了解他的觀眾從多元的作品發現不同面向的吳昌濬。在同個展場辦展的藝術家蕭灑說：「展覽有很多拼組性很強的作品，可以看出藝術家試圖將藏在作品中的靈魂碎片拼貼成完整的他。」

【記者程心綜合報導】在晴空萬里的紐黑文沿海，逾60人聚集在海邊，他們身穿螢光色背心徒步穿越石礫與草叢，抵達淨灘地點。這是越裔美籍藝術家斯托．倫（Sto Len）、地球安然組織（Save The Sound）以及紐黑文氣候行動組織（New Haven Climate Movement）合作的海廢藝術計畫，活動於8日集結民眾與各大專院校學生，在淨化海灘的同時，蒐集藝術計畫所需的廢棄物。 志工們正在紐約長島海灣（Long Island Sound）搜集可用於海廢藝術展的材料。　圖／地球安然組織提供海廢藝術展《一點一滴融入海》（To Dissolve into the Hydrocommons, One Drop at a Time）於17日開幕，展覽為期兩個月，由長期關注海廢環境議題的藝術家倫進駐紐黑文大學（University of New Haven, UNH），重新賦予海洋廢棄物新生命。「學生幫我撿來很多袋廢棄物，這些『垃圾』其實非常適合用來拓印。」倫生動地描繪展覽亮點，除了擺放攝影作品與影片外，更利用浮水染色技法將重污染的水源拓印於紙本，傳達對於環境的關注。 ​藝術家運用拓印技術，結合海洋廢棄物特性，製作出多件印刷作品。圖／斯托．倫提供就讀加州大學聖地牙哥分校（University of California, San Diego, UCSD）的鄭心雨分享，他曾經有堂課要到水族館當志工，聽到館內導覽員講述塑膠污染，才意識到海洋保護的重要。因此，他相信海廢藝術計畫能有效推動環境教育，並縮短大眾與環境議題的距離。「能與學生們聚在一起真的很棒。」談到大學生的永續意識，倫讚賞大學對推廣海廢藝術，以及學生關注議題時的積極主動。 藝術家、學生與環保團體志工合力清出一袋袋的垃圾後，一同在海邊留影。　圖／地球安然組織提供「海洋裡的塑膠汙染是看不見的危機，不容易受到重視。」就讀耶魯大學環境研究系（Yale University,  Environmental Studies ）的張詩妍直言，那些無法被海洋自然消耗的廢棄物，最終會對人類帶來衝擊及危機。倫也坦言：「我們還有很長的路要走，因為我們總是看見各種污染問題。」這也是為什麼他以《一點一滴融入海》為題，透過藝術為海洋發聲，呼籲人類重新檢視對海洋所造成的傷害，期盼透過異類作品展現視覺衝擊力，喚起觀賞者守護海洋的意識。 藝術家將學生拾獲的海洋廢棄物，以及不可分解的塑膠元素放入展間。　圖／斯托．倫提供

【專題記者黃弈軒、吳姿芳、單師樵綜合報導】水徐徐地流進杯裡，於手機九宮格畫面中呈現完美構圖，並透過網路傳送到觀眾觀看的螢幕，同時藝術家輕輕細語，引導觀眾參與展演的字句縈繞耳畔，「把心思跟動作緩下來，享受這十分鐘特別時空的洗頭經驗。」 藝術家張剛華在創作計畫《洗頭》中回溯成長記憶，並探討身分認同。　圖／明日和合製作所提供螢幕劃分為一格一格，藝術家手抹泡沫搓揉頭髮佔據主要畫面，右方呈現展演各個空間，檯燈點亮棉床，為幽暗房間注入溫暖，狹長廊道無人走動，揭示「洗頭」為親密時刻。藝術家將自身洗頭的記憶娓娓道來，觀眾也分享關於自己的洗頭故事。冷漠不再是科技唯一形容詞，藝術家與觀眾身在世界不同角落，卻能藉由數位裝置走向彼此。社群媒體與會議軟體如同雲中繩索，成為兩者之間的聯繫，相遇剎那擦出藝術火花，完成線上展演。線上展演順應科技潮流，即使缺乏實體互動，在藝術家的設計下仍給予觀眾參與空間，甚至創造出獨立於實體展演之外的獨特表演形式，成為表演藝術的新趨勢。線上展演打破時空疆界 螢幕兩端共享親密時刻當表演藝術透過線上呈現，表演者與觀眾之間隔著遙遠的距離，藉由數位裝置將畫面、聲音或文字傳送給彼此。社群媒體與通訊軟體成為線上展演的新媒介，表演藝術不再受限於固定時間與物理空間，讓藝術家的創作展現多元樣貌。明日和合製作所由三位劇場編導洪千涵、黃鼎云與張剛華所組成，於民國110年與23位不同領域的藝術家合作，推出線上展演《Surprise Delivery 和合快遞》，將包裹的概念延伸至觀眾欣賞藝術表演的經驗，藝術家透過社群媒體Facebook、Instagram、會議軟體Google Meet、Email和郵寄包裹等多元媒介把「表演」寄到觀眾手中，觀眾便開始與藝術家互動，完成線上展演。《Surprise Delivery 和合快遞》讓藝術家與觀眾同時在特定虛擬空間相遇，洪千涵說：「因為我跟你，在這個時空下，才有這個作品或經驗。」例如藝術家陳嘉微使用協作式數位白板JamBoard，以手繪圖案、文字與照片和觀眾交流生命經驗，最後創作出一幅專屬於藝術家與觀眾的畫。 藝術家陳嘉微詢問觀眾過往生命經歷，觀眾則透過文字、圖片等形式回覆。　圖／明日和合製作所提供收件者只知道快遞大致的到貨時間，在等待與收件過程中可能產生期待和驚喜的情緒，明日和合製作所認為觀眾情緒都是觀看表演經驗的一部分，他們特別設計購票機制，觀眾購票時只能選擇藝術家與日期，無法知道明確的表演時間，洪千涵說：「有趣的是時間幅度拉長，例如你買票是4月20日，然後你買的是洪千涵的，但是我沒有跟你約定是幾點幾分，用什麼樣的媒介在線上見面。」數位展演打破時間框架，藝術家與觀眾也能彈性選擇參與展演的地點。《洗頭》是藝術家張剛華從民國107年開始發展的創作計畫，於2021臺北藝術節中進行線上展演，並分為「參與式展演」與「講座式展演」兩種表演形式。在參與式展演中，他與觀眾在各自家裡透過手機以Google Meet互動，一起倒水、冥想及洗頭，他說：「透過洗頭，他們想到小時候的事情，分享關於洗頭這個觸碰的記憶。」線上表演型態不僅讓觀眾保有私密空間，更能與藝術家共同經歷親密時刻。觀眾參與《洗頭》的體驗過程，成為講座式展演的元素。張剛華同樣在Google Meet平台上以直播進行，呈現超過60位洗頭對象的故事，並利用多鏡位拍攝房間、廊道與洗手台等展演空間，讓觀眾用多方視角觀賞不同區域，「當下（觀眾）可以點很多不同的鏡頭，有比較完整的故事。」另外，《洗頭》充分使用會議平台功能，開放觀眾即時回覆文字與表情符號，使藝術家與觀眾即時互動，在交流的過程中共享「洗頭」經驗。 在《洗頭》的講座式展演中，藝術家張剛華帶領觀眾回到洗頭計畫的起點，講述計畫展開的原因與故事。圖／明日和合製作所提供線上展演扭轉表演形式 觀眾握主動權參與作品「我想要線上演出是一個全新的體驗、一個全新感受的東西，不是現場演出的替代品。」尚未在線上演出魔術前，魔術師周瑞祥對線上展演抱持負面看法，他說明魔術原先可以邀請觀眾上台、抽牌及選擇道具，並利用肢體製造魔術表演張力，但當魔術表演轉至線上，許多魔術原先以直播或非同步播放給觀眾欣賞，導致觀眾無法親身體會魔術的神奇效果，「在線上這些東西，幾乎砍掉原本魔術九成的東西了，所以只剩下那一成。」後來他實際發想線上展演，發現線上魔術反而能實現全新且有趣的互動橋段。周瑞祥藉由Google Meet與觀眾互動，並引導觀眾自己手搓撲克牌，一步步完成魔術表演。觀眾將撲克牌花色朝下，打亂、洗牌，再憑直覺隨意排列後，撲克牌未經魔術師之手，花色整齊區分為黑紅兩邊，不可思議地發生在觀眾電腦螢幕前的桌上。「魔術的核心概念是操縱觀眾的認知，只要能做到這件事情，換一個手段跟形式，在線上也可以成立。」周瑞祥說道。周瑞祥思考線上展演在未來的網路世界中，人與人之間將如何維繫情感溫度與連結，因此他在2021臺北藝術節演出《新人類計畫：明日人》魔術作品，寄送體驗包裹至報名者家中，包裹內容物為預言卡片、圖畫紙、鐵環、項鍊等魔術道具，讓每位觀眾自行在家中學會「明日環」魔術表演，周瑞祥教導觀眾用手指撐開項鍊的鏈條，將鐵環順著鏈條向下丟後，讓項鍊自動栓住鐵環。他期望利用線上形式，讓參與者親自操作魔術，實際體驗魔術的奇幻。在大多數人的想象中，線上展演是觀眾開啟電腦鏡頭與表演者互動，不過民國110年臺北兒童藝術節的其中一檔節目《名叫中間的地方：家庭旅行版》，反而藉由「聲音」作為表演媒介，邀請親子擔任演員，將自家空間打造為劇場，在家完成一場演出。《名叫中間的地方：家庭旅行版》由進港浪製作導演陳煜典與編劇邱奕嘉創作，碰上疫情才將實體演出轉為線上。雖然作品的表演空間遭到改變，但觀眾與表演者在線上仍維持「高互動性」。節目在Google Meet會議裡演出，主持人在表演開場及結尾與觀眾交流，而在表演中間播放事先預錄好的錄音檔，引導觀眾在家庭空間移動。陳煜典形容，家如同世界各地，而孩童扮演起探險家的角色，進入劇本建構出的平行時空，與家人一同在家中，藉由船鳴聲，自由發揮想像力，指出特定方向，前往探索並收集家中冰箱、廚房等周遭環境的物品，解開劇本中一層層的闖關任務。最後音檔播放結束，主持人再邀請觀眾分享體驗心得，驗收成果。 進港浪製作作品《名叫中間的地方：家庭旅行版》於Google Meet會議演出，主持人除了與觀眾交流、互動，更讓他們自由發揮，一同完成演出。　圖／進港浪製作提供「確實觀眾的主動性很高，但他有沒有更主動參與這個故事就是他的選擇。」陳煜典解釋，他在線上展演賦予觀眾高自由度及發揮空間，提高觀眾的主動性。因觀眾不再是坐在固定位置觀賞表演，可以選擇關掉電腦或中途離開，所以導演陳煜典、編劇邱奕嘉與演員在設計劇本時，開放更多空間給觀眾思考，不過他同時指出，觀眾是否更主動參與線上演出，則是未知答案。數位劇場打破單一視角　多維空間擴展觀眾想像在虛擬時空中，藝術團體更能藉科技技術，將表演擴展至一個舞台之外，進而讓觀眾不再只是利用單一視角理解劇情。進港浪製作的線上展演作品《神不在的小鎮》藉由二維、三維、四維空間擴展劇場的空間性，讓線上觀眾能以多重視角，理解劇本全貌。作品從名為「中正區」的小鎮發生自殺案出發，探討網路霸凌世界中，大眾在社群媒體只接受片面立場資訊，或跟隨大多數人意見的現象。觀眾打開線上演出平台，自由切換視窗觀看演出。「三維世界」為主故事線，導演切換鏡頭跟拍主要角色，演員在表演空間直播演出。而觀眾若想進一步了解演員離開主故事線後的想法，則可以切換至二維世界，輪流觀看不同角色在直播中訴說獨白，「這就像你在生活中為了要理解一個事件，你可能會去看不同評論者的言論或是新聞。他們都在講同一件事，但每個人都有自己角度的發聲。」《神不在的小鎮》編導、進港浪製作團長洪唯堯說道。他利用二維方式讓觀眾除了觀看節目的主故事線之外，還能深入理解每個角色背後的故事。另外，觀眾還能在四維世界以「上帝視角」進入3D虛擬空間，四維空間的場景與線下實景一模一樣，不過是以虛擬的形式呈現。洪唯堯說明，網紅統神在此空間以「天神」身份，用全觀的視角詮釋劇情，觀眾能在此空間內的線上聊天室互相交流，並線上投票決定劇情走向，「四維是意識可以更好交流的世界，你在現場看戲跟在遊戲世界的時候，會對同個劇本有不同的感受。」「第一關要克服的就是作品線上化，我要找到一個『第二現場』，就是觀眾明確地知道自己坐在家裡，而不是假裝在觀眾席，然後再強化他們在那個空間當下的感受。」 洪唯堯說明，大眾早已習慣觀看的直播、球賽就是第二現場的概念，因此他利用人們在異地閱讀、認識同一事件的行為，撰寫線上展演劇本。 進港浪製作線上展演作品《神不在的小鎮》突破傳統空間框架，讓觀眾以多種視角理解劇情。　圖／進港浪製作提供科技提升線上觀看體驗　表演者尋求新模式「觀眾的消費習慣還沒有培養起來，而且他們以前看表演也是為了享受在劇場空間裡面的感覺 ，所以線上的吸引力可能會低一點。」陳煜典指出，台灣的線上展演仍在起步中，還沒有被許多消費者接受。不過在現今的數位時代，洪唯堯也提到，越來越多藝術團隊開始關注線上展演發展的可能性。除了表演團隊開始從事線上展演，科技公司也著手讓直播系統更為完善。為了讓觀眾在線上展演得到更好的觀賞體驗，銓球感映股份有限公司也致力改善網路直播平台延遲時間過長的問題。銓球感映股份有限公司負責人王仲偉說：「在技術上我們可以做到三個小時內大概delay時間維持在三秒以內，那如果是一個小時，維持大概是一秒。」他們的技術不僅能縮短直播延遲時間，也能讓表演者與觀眾即時互動。另外，銓球感映也致力改善多視角切換技術，「因為多視角切換在現有的技術來講，假如說有四台攝影機，我從一號機切換到二號機的時候，中間會變黑，因為要重新reload資料。」為了讓觀眾在切換視角時，減少螢幕在觀看表演中途變黑的情況，他們也盡力開發順暢的視角切換方式，提升觀眾參與線上演出的體驗感。在疫情驅使的數位浪潮下，觀眾不必走入劇場，依然能在家中享受精彩演出，甚至與表演者產生更多交流，抑或是成為表演的一部份。隨著數位科技越趨發達，技術的發展無遠弗屆，周瑞祥看好線上展演的藍海市場，認為線上展演打破空間與國家的物理框架，將成為未來的演出趨勢，「我覺得線上演出能玩的東西比大家想像的多很多，自從我自己做過以後，我認為他的發展性是無限的。」 隨著數位科技發展，線上展演打破空間與國家的框架，或將成為未來的演出趨勢。　圖／進港浪製作提供

【記者黃亭茹綜合報導】「呃啊！呃啊！呃啊！」兩台明亮刺眼的螢幕在黑暗的空間中，不間斷地傳送干擾的聲音，而螢幕兩側的大型圖像，如告示牌般引領觀眾進入場域。國立臺北藝術大學新媒體藝術學系學生黃育晨於2021第16屆「臺北數位藝術節－無邊庇護所」發表作品《不能結果，也能結果》，重新打破現代人閱讀訊息與影像的習慣。作品於10日至19日在臺北數位藝術中心展出。 國立臺北藝術大學新媒體藝術學系學生黃育晨透過對於一張從網路上擷取、收集的圖像，進行一連串的腦補。此材質為帆布輸出，不像布那麼柔軟，不過具有韌性、可以反光、變形且凹折的。　圖／臺北數位藝術中心提供影像中的旁白說著：「摔落一地的安⋯⋯球型物體，因為落山風的關係，從機車上一摔而空。」黃育晨表示，因為新竹落山風很大，路邊機車上的安全帽都會被風吹起，而路人為了讓安全帽不要落地，就把它掛在樹上，形成特殊的街景，讓本來不能結果的樹也能結「果」。他以一張在網路上大肆流傳，一頂頂安全帽不尋常地被綁在同一棵樹上的圖像作為創作靈感，他說明，安全帽代表寄居於他人之上的「外來種」，落山風則被比喻為營養，以協助外來種能安然地定居在台灣這塊土地。他興奮地說：「很多原生地不在台灣的，都因為長久寄居在台灣，而形成了我們的一部分，甚至轉譯。」 以大型帆布輸出作為「鋪設山路」的概念，國立臺北藝術大學新媒體藝術學系學生黃育晨欲給予觀眾一個清晰的路線，慢慢引領觀眾進入展出主題。　圖／臺北數位藝術中心提供黃育晨提到，樹上一顆顆的安全帽與福壽螺、葡萄擁有相似的符號，皆代表外來種。觀眾黃彥超說：「黃育晨的作品可貴之處在於，有很多真實影像的參與其中，這表示了很強烈的身體經驗在這個場域當中。」他也認為，影像中黃育晨用手一個個滑過臉部的動作，與某種擺脫不掉的宿命感相互呼應。黃育晨謹慎地說：「影片中的文字敘述，是我視訊息為一個很表面、很洪流般快速沖刷的表達方式。」他補充，福壽螺和移工的原生地都不在台灣，但他們居住在台灣的時間相當久，也漸漸成為台灣「本土」常見的元素。他巧妙地透過這個「不太相關的相關性」，把事件與符號串連在一起，以呈現訊息在傳遞時的混亂、失真以及失準的狀態。觀眾許哲豪說：「我感受到他想表達一個無處安放的焦慮。」 此為以玻璃輸出的材質，國立臺北藝術大學新媒體藝術學系學生黃育晨興奮地說：「那時候想嘗試透明的感覺，可藉此塑造後面的空間感。」　圖／臺北數位藝術中心提供「網路就是我們的原生地。」身為二十世代的黃育晨一派輕鬆地表示，網路不再是外來種，反而成為了我們的延伸，已經融入身體的一部分。而許哲豪則認為，面對網路中的訊息洪流時，這個焦慮化為一個「我」的集合體，而這個集合體又被轉譯為詼諧的文字，創造出一種迷因式的結構，是荒謬的、飄飄然，更是輕盈的。黃育晨也提到，當代語彙正在快速大量的被挪用、複製及貼上，並希望透過作品一層層地推進，呈現網路參雜各種雜亂符號的狀態。 創作者以錯綜複雜的鐵構支撐起螢幕與平面圖像輸出，欲透過看似冷冽的硬體形塑出一個動態的差距。　圖／臺北數位藝術中心提供 

▲請點擊圖片觀看完整報導。【記者黃亭茹、王嘉瑜台北採訪報導】ART TAIPEI台北國際藝術博覽會22日到25日在台北世貿一館盛大展出，其中文化部設立的MIT新人推薦特區，成為台灣新銳藝術家嶄露鋒芒的機會，也是每年博覽會的一大焦點。今年共有8位新秀獲選，藝術家們各自以多元的媒材，呈現思考自我身份認同的過程，展現了獨特的觀點。MIT新人推薦特區參展藝術家簡佑任表示，他的作品持續在關注台灣土地上發生的問題，並透過不同的視角去探討台灣土地發生的變化。此次簡佑任參展的水泥系列作品，採用特殊媒材進行創作。他認為，水泥最初取之於自然，經過人類的加工後變成人造的建築物，最後又遭到拆毀，為他的創作增添了深意。會展中還有另一個新秀舞台，是從去年開始，由文化部攜手原住民族委員會，增設的原住民新銳推薦特區。藝術家蔣沛珊透過與泰雅族母親對話重拾原民認同，然而在泰雅族的父系社會中，女性上山打獵是個禁忌，促使蔣沛珊創作以女獵人為題材的畫作，並選擇以不同於圖騰、編織的形式呈現泰雅文化，期望能突破原住民族在藝術表現上的刻板印象。原住民新銳推薦特區蔣沛珊提到，漢人普遍不熟悉獵人文化或部落文化。因此，若是要讓大眾都可以理解藝術作品中的原民文化，可透過不同於大部分原住民藝術採用的圖騰、編織等方式進行創作，突破原有的框架與限制。參展民眾黃美惠則觀察到，原住民新銳藝術家的作品用色較為厚重，且大多從土地、環境與人的觀點出發，相較於一般藝術家的個人主義風格，原住民作品相對寬廣且踏實，緊密聯繫個人與家庭、環境的關係。新銳藝術家在創作初期通常缺少資金與名氣，但若入選ART TAIPEI兩大新銳推薦特區，文化部除了會提供展覽補助以減輕藝術家的負擔，也會協助媒合藝術家與畫廊，提供年輕藝術家更大的舞台，增加作品曝光度。簡佑任回應，國際藝術博覽會的展位其實並不便宜，對新銳藝術家來說，可以擁有如此難得的舞台是不可多得的機會。他將文化部提供的補助用於此次的展場佈置，例如牆面與盞燈，減輕了一部分的資金負擔。他也提到，文化部未來若能挹注更多經費，並定會吸引更多藝術家報名參展。此次MIT與原住民新銳推薦特區中，青年藝術家展現了作品的創意與成熟度。文化部也盼藉此吸引更多青年投入台灣藝術產業，向國際輸出台灣的藝術力量。

【記者林奕辰綜合報導】美國奧克拉荷馬大學（The University of Oklahoma）上個月中，於校內擺放藝術家湯姆・歐特斯（Tom Otterness）的雕像作品〈牛車（Covered Wagon）〉，但學生認為藝術家多年前的虐狗行為有損校風，因此發起連署請願活動，希望校方移除雕像，目前已有3400位學生簽署。 奧大學生對歐特斯雕像作品〈牛車〉感到不滿，連署請願希望校方移出該雕像。　圖／尼克・哈索里（Nick Hazelrigg）提供根據《奧大每日新聞報（OU Daily ）》報導，奧大校友威廉・奧伯林（William Obering）希望擴大奧大藝術收藏的公共空間，便捐款給校內基金會，而基金會利用這筆資金，購買了藝術家歐特斯的雕像作品〈牛車〉。作品中，母親抽著煙，而拉著馬車的公牛代表的是父親，後方兩個孩子正在互相嬉鬧，藝術家歐特斯曾說：「這代表我們的童年，那個越野旅行車的經典時代。」然而此雕像一出現在奧大校園，即引來學生的不滿，根據《奧大每日新聞報》報導，藝術家歐特斯曾為了創作，從收容所收養一條狗，並將其捆綁在相機上，作為一種藝術形式進行拍攝。因此10月31日起，就有學生對歐特斯感到不滿，將一件帶有「我射擊狗（I shoot dogs）」字樣的衣服穿在雕像上。對此，奧大學生阿米莉亞・布朗（Amelia brown）提到會如此反彈，除了雕像不符合校園以往的傳統風格外，藝術家本人的行為是最主要的原因，「虐待動物是我們學生最無法容忍的事情。」 雕像一出現在校內，曾有奧大學生表示不滿，將有「我射擊狗」字樣的衣服穿在雕像上。　圖／尼克・哈索里（Nick Hazelrigg）提供而近期，美國公共關係學生協會（ Public Relations Students Society of America, PRSSA）奧大分部也寫了一封公開請願書，要求校方移除雕像，目前已累積超過3400位學生簽名連署。即將入學的學生米卡拉・馬丁斯（Mikaila Martinez）說：「永遠不能容忍虐待動物的行為，我相信奧大學生絕不希望雕像替校園帶來負面聲譽。」對此，校方則表示會多方傾聽學生意見，並且正著手討論學生的請願書內容。但並非所有學生都反對放置雕像，奧大學生扎克・埃爾莫爾（Zack Elmore）便認為，任何爭議都只是作品的一小部分，儘管藝術家曾經有不良行為，「無可否認的是，〈牛車〉是代表美國歷史的重要遺產，它應該繼續存在於校園內。」 

【記者徐卉馨綜合報導】台灣唯一以工作室為主軸的藝術家營運空間「空場」，由同名的團隊經營，2018年底因房東不續租，即將熄燈。成立工作室聚落的目的主要為提供藝術家足夠且穩定的創作場域，所以需要承租大坪數空間，卻面臨租金過高的難題，但民間租屋市場多提供短約，無法提供藝術家長期創作的基地。空場於3日起舉辦最後一場對外活動「竊欲場・空場─場空」，包含讀劇、舞踏與Open Studio等藝術形式，以溫柔的控訴來告別5年來的創作與經營。 空場─場空，柯良志題字的布條置於展場開端處。Open Studio 16位參展藝術家、共開放11間工作室。　圖／徐卉馨攝 空場在2012年底承租位於北投、前身為紡織廠的空間，與房東正大集團簽約5年。房東在2015年向空場提議合作經營，討論合辦活動、分配空間的可能性，然由於雙方對經營藝術活動的理念與風格不同，協調未果，2016年房東單方面將展場封起，並要求藝術家在晚上10點前離開工作室，引起藝術家反彈。雙方遲未建立有效對話的情況下，房東在2018年8月時通知不續租，原址在空場退場後，由正大集團旗下基金會經營的「北投久號」進駐，也將招攬藝術家承租工作室。正大集團對此僅表示，與空場簽約5年，已屆期滿，將場地收回僅是單純結束租賃關係。 房東正大集團永壽基金會，接著空場經營的空間，開設藝文空間北投久號。　圖／徐卉馨攝「（空場）鄰近文大、北藝大、鳳甲美術館、數位中心等，是可以產生一個藝術生態鏈的，這也是台灣很需要的。」空場藝術總監郭奕臣說。空場進駐的藝術家領域多元，5年來自辦各式展覽、活動，也與許多國內外藝術機構合作，使空場成為活躍的藝文空間。與房東長期交涉過程作為底本的讀劇劇本《竊欲場》不斷傳達「我有一個重要的東西被偷了。」以調查竊案為線索，幽默地呈現原告與被告在法庭互相詰辯的情況。郭奕臣表示，租約到期離開屬正常情況，這次系列活動是為了使大家瞭解事件的始末，也傳達藝術家需要穩定空間的訴求，更提及空場空間被壓縮的問題也並非單一個案。 「竊欲場．空場—場空」，以鐵板鋪地，觀眾走過時會發出猶如竊賊在屋頂走路的聲響。　圖／王世邦提供在藝文空間的承租上，民間房東普遍提供的租約過短，而公部門提供的空間也有相同問題，如新北市政府文化局經營的板橋435藝文特區藝術家工作室、台北市政府文化局經營的寶藏巖微型聚落，均以1年為限，提供藝文團隊進駐。過短的租約造成藝術家創作時程遭到切割，郭奕臣指出，政府經營的文創空間，「很少關注藝術家真正創作的空間的狀態」。根據北市府「藝響空間網實施計畫」，邀集臺北市政府各局處單位，提供房舍予藝文創作者及團體作為工作室等使用，也以3年為限。空場負責人黃偉倫則說明，以3年為例，藝術家半年安置，2年創作、籌備後辦一次個展，又得面臨搬遷，無法穩定創作。他表示空場大部分藝術家均進駐2年以上，為利工作室聚落長期發展，甚至希望能找到15年以上的租約。 參展藝術家鄧安庭，展示他的作品複合媒材作品《東邊青色的裂痕》。　圖／徐卉馨攝對藝術家而言，完成一件作品需要長時間構思與創作。大四時開始承租空場工作室、畢業於文化大學美術學系的鄧庭安，創作方向為攝影、雕塑、複合媒材與裝置藝術的他說明，空場工作室提供穩定且自由的空間。參展藝術家、空場創始成員之一高雅婷說，「完全屬於自己的空間，還滿自在的。」且藝術家之間也可以交流資訊，發揮群聚效應，參展藝術家柯良志也表示，空場氛圍活潑，藝術家們也充滿自發性的能量。 空場團隊於謝幕活動「竊欲場‧空場─場空」開始前，互相激勵。　圖／王世邦提供黃偉倫表示，原初空場營運模式除了轉租空間給藝術家之外，籌辦展覽、活動則申請補助款，而5年來漸漸減少申請補助，嘗試建立穩定的自籌款，如空場主辦的「草率季 Taipei Art Book Fair」，今年門票收入與支出可打平。 對於空場未來走向，黃偉倫與郭奕臣都傾向以辦公室形式運作，空場團隊先行休整，也持續尋覓適當的空間。 

【記者孫佾妘台北報導】乳白色調的空間內懸掛、放置著炭筆繪製的黑白畫作，目前就讀國立台北藝術大學美術學院碩士班的藝術家陳穎蓁在10月18日至11月15日於藝風巷咖啡舉辦《天體殿堂》個展。作品內充斥大量的留白或抽象元素，不同於一般展覽只著重創作者對成品的解釋，陳穎蓁希望觀者可透過圖像與作品的名稱，理解創作者命名作品的過程。 藝術家陳穎蓁解釋自己近兩年作品的創作脈絡，以及解釋《命名系列》中各項物件的名稱。　圖／孫佾妘攝陳穎蓁舉《命名系列》的第一幅作品為例，「我先畫一個圖像，再幫它取名字。」他將最先繪出的圖像命名為「披著羊皮的狼」，並以此為主軸，思考其他空白處適合出現什麼物件，畫完後再聯想日常經驗逐一取名。如他將鳥的圖像取名發條鳥，源自於村上春樹的《發條鳥年代記》。陳穎蓁表示，觀者會依自己具備的知識解讀展品，卻未必能聯想到創作者本意，這時作品名便扮演重要角色，給予觀者線索。 《命名系列》第一部作品〈聽見神的孩子在跳舞，方塊（按部就班），披著羊皮的狼，一個圈圈，little ashes〉，在創作前並無草稿，而是邊畫邊設計的。　圖／孫佾妘攝除了探討名字指向性的抽象作品，陳穎蓁依據自己創作的短篇文字，延續「披著羊皮的狼」的角色，畫出故事摺頁《天體殿堂》，作品敘述一隻野獸踏入了「人類才可入場的天體殿堂」，但裡面的人類卻想偽裝成野獸，陳穎蓁藉此探討群聚、假象等主題。作品中出現許多希臘神話的意象，如大門上畫著拉斐爾的〈雅典學院〉、園區內充滿眾雕像。 《天體殿堂》故事頁，作品以桃花源記的概念進行，述說一隻野獸進入天體殿堂的奇聞記趣。　圖／孫佾妘攝《a shape of blank系列》承襲前兩系列的概念，以大量留白框線繪製，三幅作品皆以雕像為原型，陳穎蓁沒有查過輪廓細節便直接完成。他說：「這很奇妙，我們在做這樣外型投射時，居然會有這麼明確的指涉，就像我們在想像有翅膀的雕像應該要是的樣子。」他認為具備不同知識框架的人對同一件事會有不同的想像，像出身美術專業的他便以米羅的雕像為雛形，但其他人的想像卻不一定和他相同。 《 a shape of blank系列》的雕像旗幟作品，取自畫面中的圖像皆是經由削去外部空間所露出的形象構成，試著辨識其空白處並命名之。由前至後別是：〈雕像〉、〈有翅膀的雕像〉、〈天國般的美好形體〉。　圖／孫佾妘攝除了展覽空間，陳穎蓁在每張咖啡桌擺放一個鐵盒，放入《天體殿堂》短文或是另一組正在發展的書信故事，讓咖啡廳的客人有機會與作品互動，成為魚雁往返的一環。藝風巷負責人麥志綱表示，近期藝術家間慢慢流行將自己創作的「小誌」集結成冊，放入獨立店鋪或是市集寄賣。他認為這些作品富有生命力，也符合今年藝風巷的策展主題「從己身經驗出發」。 陳穎蓁在每張咖啡桌上都放置一個鐵盒，裡面放入一張小字條，讓前來喝咖啡的客人也可以與作品互動。　圖／孫佾妘攝觀展民眾林恬慈認為此展覽像詮釋了「藝術家的小世界」，看了作品名稱的小卡後，他猜想藝術家是否閱讀了很多書籍，並有意或無意的應用在畫作上。陳穎蓁的哥哥陳琮文表示，展覽作品儘管只有黑白兩色，元素卻十分豐富，「像是呈現腦子中的小宇宙給大家看。」 陳穎蓁將自己所寫的少量文字集結成冊，放置於一樓桌上供人閱讀。　圖／孫佾妘攝