【記者李香霆報導】「如果我們對語言的認知，都可以跨出自己的邊界一點點，那這個世界會有什麼不一樣？」來自莫比斯圓環創作公社的Co-create非聽覺劇場創作實驗室，邀請不同文化脈絡下的聽、聾表演者共創，以共融劇場的形式推出《語言邊界》展演。其中就讀國立臺北藝術大學舞蹈學系研究所的黃祺芳，與來自聾人家庭的手語翻譯員洪紫鳳，結合手語及戲曲，以作品《未命名》探討追尋身份源頭的糾結情感。 「有時候會覺得雖然我是客家人，但我身上卻沒有一個關於客家的深刻感覺。」儘管黃祺芳出身客家村落，但進入台灣戲曲學院學習客家戲曲後，才發現自己對於客家文化的陌生與疏離。加上從小學習的舞蹈和西方戲劇表演，與客家戲曲的身體表現截然不同，種種一切讓他對自我產生掙扎與迷惘。黃祺芳將這些想法帶進此次的共融劇場，告訴觀眾不必一味地尋求認同，理解和包容也同樣重要。 身為CODA（Child of Deaf Adults）的洪紫鳳，日常以口語與外界溝通，而手語則為他搭起與父母對話的橋樑。由於手語的思緒脈絡比起口語更為直接，讓他無法透過手語傳達出隱晦抽象的情緒，洪紫鳳說：「手語對我來說是很親密的語言， 可是我也深刻的感受到我有些思緒沒有辦法完整傳遞給爸媽。」兩種語言使用上的差異，有時也令洪紫鳳對於CODA的身份感到孤獨且存在隔閡。 有別於傳統利用舞台佈景去呈現故事背景，黃祺芳和洪紫鳳在本次表演中僅利用戲曲跟手語的肢體動作向觀眾描繪畫面。「我們想要找到彼此的共同語言，手語跟戲曲手勢好像就有某一種關聯性。雖然我們是不同文化背景，但我們想要試圖有些交集。 」黃祺芳說道。此外，為了在不同語境中，交織彼此的文化背景，黃祺芳和洪紫鳳採用即興的表演方式，讓觀眾抽取與他們生命經驗有關的字卡，隨機排演成一段段的情節，並以戲曲的身段與手語傳遞給觀眾。 直到最後一張字卡「跳舞」，狹小劇場中的燈光全滅，只剩下一道隱晦的橘紅色燈光。黃祺芳想藉由有如黃昏時分般的燈光設計，傳達《未命名》的內涵，「黃昏它其實是一個魔幻時刻，大地正不穩定地轉換空間，很像我們兩個人面對身份的不確定。」 在唯一的光源之下，舞者開始舞動肢體，沒有任何背景音樂，沒有統一的動作標準，兩位舞者各自勾勒著內心世界的呢喃。對於黃祺芳而言，他想像著客家八音的旋律，而洪紫鳳則回憶起兒時與媽媽互動的記憶。觀眾林郁如分享：「有種把耳朵關起來，用聾人的視角去看這個表演，會讓我更專注地去看舞者的動作和表情。」 演出除了融合兩位創作者的生命經驗，也透過戲曲中的肢體語彙和手語語言呼應本次展演主題《語言邊界》，在不同的語言之間找出共鳴。洪紫鳳說道：「我們不單只是所謂的手語和戲曲代表人，我們其實是把生命經驗帶到這裡，讓大家看到我們不一樣的生活背景在這個場合運用同樣的肢體元素，會如何創造出什麼火花。 」希望透過戲曲和手語表演相輔相成，連結不同文化間的互相理解。

請點擊圖片觀看完整報導。【記者葉蓁芸、張愷文台北採訪報導】三太子踩著靈活的步伐，配合節奏強烈的電音舞曲，在舞台上熱情搖擺、展現活力。國立傳統藝術中心於11號舉辦2023鬥陣趣神童派對，活動以兔年為主題，邀請來自台灣各地的團隊帶來多元的陣頭表演。國立傳統藝術中心主任陳悅宜表示：「今年以兔年的『動如脫兔』來策展出神童派對，今天在踩街的時候我感觸特別深，真的是動如脫兔，我們的神童們活潑得不得了，而且很有精神，象徵我們台灣有充沛的能量。」陣頭是民間祭祀、喜慶時，為了感謝神明保祐而發展出的傳統技藝。今年鬥陣趣最大的亮點是將陣頭、神偶文化帶上街頭，表演團體身穿神偶裝，在路途中展演並進行請神儀式，提供民眾近距離接觸陣頭文化的機會，也吸引許多民眾前來觀看。除了能在戶外展演近距離觀賞千里眼、順風耳、彌勒佛等神偶，還可以參加鬥陣市集，看見許多廟宇和神明相關的文創商品，也可以體驗捏麵人、絹印等傳統文化DIY手作。民眾鄭澶湲說：「大家也一直都在進步跟改變，可以讓無論是大朋友或小朋友用不一樣的方式去接觸，去打破那些刻板印象是很不錯的。」陣頭在宮廟文化中扮演重要角色，但隨著時代改變表演者也在傳統刻板印象下面臨許多挑戰。表演者王瀚暐分享：「早期會有既定印象，認為進廟宇的孩子是不乖的，現在可能執掌者也已經年邁了，年輕人也不太想進入到廟裡，這件事情會越來越流失掉。」因此，傳藝中心今年嘗試結合流行的嘻哈音樂、電音等現代元素，為陣頭注入新生命。陳悅宜說：「我們要改變人們對陣頭的想法，過去太多負面了，這個部分要改變想法我們必須從故事說起，讓大家知道陣頭背後的故事是感人的、是動人的。」目前，陣頭活動已不僅侷限於宮廟或職業團體中，更走入國中、小甚至幼稚園，將技藝傳承到年輕一代，主辦方透過創新的方式拉近與民眾的距離，未來也期望能與國際交流，到世界各地展現台灣獨有的陣頭文化。 

【記者蔡愷恆彰化報導】「拜六 拜六／聽我放音樂／拜六 拜六／將家己擲挕捒（註）」，百合花樂團的林奕碩在台上同時背著電吉他，還有一把台灣的傳統樂器——長柄月琴。2023彰化傳統戲曲節「北管小搖滾」於11日在彰化縣立美術館廣場演出，首度邀請「青年樂團」參與。表演者將彰化詩人的詩集以及年輕人的日常寫進歌詞，旋律更融入傳統北管音調、爵士、搖滾等多種曲風，希望歌曲能拉近大眾與北管文化的距離。註：讀音為tàn-hìnn-sak，台語指扔掉、丟棄 百合花樂團的歌曲〈蝴蝶雙飛〉用南北管常見的傳統鑼鼓樂做為基礎改編，林奕碩也會在中間加入月琴演奏。　圖／蔡愷恆攝彰化縣為全台灣南北管保存最完善的縣市，有唯一國家級的北管演出團體「梨春園」。自1999年起，文化局每年都會舉辦傳統戲曲節，今年是第一次讓青年樂團站上舞台，期望能多元化北管的演出形式，使其觸及年輕群眾。彰化縣文化局傳統戲曲及文化資源科長巫炯寬認為，青年樂團與以往表演的差異，便是唱出社會議題與土地之間的感情，或是寫下「我就廢、我就爛」等過往沒有在北管文化中出現的精神。他指出，「若是僅展現傳承300年的曲目，便可能阻斷與年輕人對話的機會。」 圓仔花樂團的〈土〉為彰化詩人吳晟的作品譜曲，結合北管工乂譜唱段。台下無論老少都隨著音律輕拍大腿，並投入地唱著歌詞。　圖／蔡愷恆攝奪下第33屆金曲獎最佳台語專輯獎的百合花樂團以北管曲調和戲曲改編，並用傳統唱腔吟唱屬於他們的厭世、幽默與日常觀察。〈緊中冷〉開頭的四句對聯取自北管傳統戲曲，「山西饑荒有三載／樹無葉來草無根／老者命喪九泉下／少年逃難奔四方」；後段則描寫新世代在社會中的無奈心聲，「世界愈行愈緊／人就愈來愈冷」。國立臺北大學學生黃琛讚嘆，「他們帶著一點玩世不恭的態度，將西方樂器與北管融合出近乎完美的創作。」 樂團在歌曲中放入古箏、鑼鼓等傳統樂器，讓樂器種類與聲音更加豐富多元。　圖／蔡愷恆攝歌手曾立馨為了北管定居彰化，他的歌曲〈學北管〉帶領民眾一起經歷學習傳統技藝的酸甜苦辣，「先的講就愛會記得／北管的鼓介／嘟嚕啦大／咯咚嘟／吼七吼七七吼七七吼七以七。」寫下北管專業用語，將陌生詞彙轉變為順口的旋律。台下參與的年邁民眾曾秀容過往會聽傳統戲曲，現在聽到年輕人唱北管，「會有種懷舊感，很感動。」在彰化市成長生活的陳亮彤表示，聽到曾立馨的歌才重新發現自己喜愛的流行音樂，其實能夠與兒時記憶中的廟會旋律結合。 民眾陳亮彤特別喜歡曾立馨描繪彰化的歌曲〈心內的地圖〉。雖然他曾經長期在國外與其他縣市生活，但聽到屬於家鄉的歌曲還是會感到十分親切。　圖／蔡愷恆彰化縣政府為傳承北管，推行「南北戲曲教育扎根計畫」，讓學生每週都能接收相關課程，更在去年成立青少年南北管音樂團，期盼國、高中生能有機會持續練習並演奏樂曲。圓仔花主唱Bobo（陳柔樺）身為北管子弟，也到校園教導孩童北管音樂。他期望孩子能在長大後回想，「我以前有玩過這個！」，進而支持北管團體，或甚至成為文化傳承的一份子。 家長帶著孩子特別前往美術館前參與「北管小搖滾」，從小便讓孩子熟悉傳統樂曲的旋律與唱腔。　圖／蔡愷恆攝

【記者陳孟樺台北報導】鑼鼓聲響徹雲霄，數十隻「獅」「虎」在人群裡鑽動，蓄勢待發，準備登台演出。由國立傳統藝術中心主辦的「2022鬥陣趣—虎獅派對」於12日在臺灣戲曲中心登場。各路舞獅陣頭齊聚一堂切磋較勁，全台唯一「舞虎」陣頭義虎團更帶來活靈活現的演出，成為本屆「鬥陣趣」的一大亮點。 「2022鬥陣趣—虎獅派對」於國立臺灣戲曲中心舉行，當天吸引許多民眾前來共襄盛舉。　圖／陳孟樺攝來自全台的獅陣到場響應「鬥陣趣」，不同品種的獅子各自擁有獨特風采，無論是演出形式、發力方式，或是展現出的氣勢，都各有千秋。國立臺灣戲曲學院民俗技藝學系的北京獅表演者張詠皓進一步說明，「北京獅的特點是毛茸茸又厚重，因為製作獅子身體的材料是棉被，給人的感覺很溫馴。」除了陣頭匯演，踩街遊行也十分吸睛，27組獅虎團隊於遶境途中在芝山巖惠濟宮展演請神，參與民眾也隨陣頭踩街，場面熱鬧無比。&nbsp; 雲林北港老塗獅白鶴獅陣成立於民國49年，是國內少數以白鶴對戰臺灣獅的特色陣頭，踩街時氣勢十足。　圖／陳孟樺攝今年主辦方力邀台灣罕見的「舞虎」陣頭——台中外埔水美里的義虎團。舞虎文化最初從中國大陸傳入台灣，現已逐漸失傳，台灣的舞虎團隊僅剩義虎團。在過去，地方陣頭會在大甲鎮瀾宮的年度迎媽祖盛會交流，信仰凝聚許多表演者與民眾。然而，隨著青壯年開始外出工作後，家傳陣頭只剩老一輩的師傅負責，義虎團第五代成員王士杰回憶道，「我們之前其實有二十年沒有出陣，是有一次大家回到家鄉，因緣際會就討論說要不要出陣，才又開始一起舞虎。」「弄虎」的腳步與舞獅截然不同，張詠皓生動地示範，「虎不會像獅子一樣小心翼翼動作很慢，而是會一直衝、一直衝。」義虎團一脈相承的腳步與虎頭製作技術，都是台灣可貴的文化資產，不過他們也同樣面臨傳承困境。義虎團第五代成員伍浚銘強調，「過去是館長出錢出力，如今新一輩如果缺乏經費，傳承一定會更困難。」他們更坦言，多年前嘗試進入校園教小朋友舞虎，無奈遇到重重阻礙，只能無疾而終。 台中外埔水美里義虎團成立於民國50年代，是大甲媽祖遶境進香起駕的送駕陣頭之一。　圖／陳孟樺攝即使小朋友較難在學校體制中習得傳統藝陣的相關技能或資訊，許多親子與年輕族群仍能透過參與虎獅派對，更親近藝陣文化。東吳大學社會學系學生陳同學（化名）表示，「陣頭文化如果以活動的形式出現在我們生活中，大家可以認識自己的文化，有興趣搞不好也會去傳承這樣的文化。」 來自台南的溪南寮興安宮金獅陣也到現場參與，該團是西港刈香遶境倚賴的重要武陣。　圖／陳孟樺攝台灣陣頭面臨失傳危機，仍有人願意保護文化資產，使傳統活動逐漸走入現代生活圈，同時邁向國際，以多元面貌呈現於大眾眼前，虎獅派對策展人林承緯在記者會上提起本土陣頭未來的發展，「日本東北的仙台岩手大概有三百團舞虎，如果以後有機會來台灣會是很棒的。」傳統藝陣過去仰賴民間廟宇為信仰中心，現在愈來愈多年輕一輩加入、學習技藝，繼承陣頭家業，也以創新方式為其增添不同色彩，使更多人接觸台灣文化。 虎獅派對與士林在地的三大宮廟 ：惠濟宮、神農宮與慈諴宮一同舉辦，獅虎陣頭在首日午後於國立臺灣戲曲中心迎神。　圖／陳孟樺攝<br style="font-weight: 400" /><br style="font-weight: 400" />

【專題記者吳姿芳、黃弈軒、單師樵綜合報導】《FOCASA 馬戲藝術節》活動現場，小丑戴著面具、穿著鮮豔多彩的服裝，踩著高蹺四處遊行，向觀眾熱情打招呼，互相擊掌拍照。而在紅白相間的巨大馬戲棚旁，小丑MimoFatguy（化名）頂著艷陽站在舞台中央，臉上塗有白、紅色顏料妝容，身穿西裝皮鞋，他利用誇大的肢體、豐富的面部表情，對觀眾耍把戲，換來一片鼓掌與笑聲。 踩高蹺的小丑於《FOCASA 馬戲藝術節》，身穿顏色鮮明服裝、戴上花俏面具，顯得格外引人注目。　圖／黃弈軒攝表演結束後，MimoFatguy步下舞台、轉變為嚴肅神情，與友人表示演出不符自己期望，隨後再獨自檢討表演哪個環節沒有控制好節奏。馬戲工作者多給予人樂觀、娛樂的形象，但在光鮮亮麗的外表背後，他們耗去光陰，暗自精煉技術與設計表演劇本，只為獲得觀眾的肯定和支持。台灣馬戲產業曾在民國60、70年代風靡一時，直到電影、電視等新興產業興起、奪去觀眾目光，馬戲產業逐漸沒落，現今專注於培育馬戲人才的機構只有復興劇藝實驗學校與國光劇藝實驗學校合併的國立臺灣戲曲學院民俗技藝學系。近幾年台灣馬戲產業再度活絡，與過去不同的是，比起專注於雜耍、特技等吸睛技術，馬戲工作團體試圖轉型，著重於「表演內容創作」，期望透過馬戲表演向觀眾傳遞一篇篇精采故事。然而，台灣馬戲工作者在翻轉固有形式的過程中面臨多重阻礙，轉型道路崎嶇又顛簸。匯聚多元領域人才　馬戲藝文分類難斷定馬戲表演過去多以動物為表演主角，像是獅子跳火圈、棕熊騎腳踏車，但隨著動保意識興起，國內早已明文禁止馬戲團使用動物演出，因此「人」成為馬戲聚光燈下的焦點。台灣現今馬戲工作者具備多元技藝，如人們熟知的踩高蹺、雜耍和走鋼索，另外像是劍玉、魔術、武術也都屬馬戲範疇。福爾摩沙馬戲團於民國100年成立，旨在創造多樣化的台灣馬戲藝術。團長林智偉召集舞蹈、魔術、武術等領域人才加入馬戲團。福爾摩沙馬戲團藝術總監李宗軒說明林智偉的創團理念，馬戲工作者過去多在戲劇、電影裡「跑龍套」，例如戲曲學院民俗技藝學系學生畢業不是當替身，就是在表演裡「插花」，「他永遠不會是主角，故事的主題也不圍繞在他身上，所以智偉就覺得我們明明有一身技藝，也訓練很辛苦，為什麼不能被視為藝術家？」 馬戲工作者擅長高難度技術，過去常是戲劇、電影裡的配角，不被眾人關注。　圖／《FOCASA 馬戲藝術節》提供而李宗軒為前雲門舞集舞者，因緣際會下，他透過一次合作認識林智偉，發現馬戲包含多樣演出形式，符合他理想中的表演藝術，「我以前跳街舞、又對美術感興趣，我在想除了雲門之外的舞台，我還可以做些什麼事情？」因此他選擇加入福爾摩沙馬戲團，成為藝術總監創作、指導團內表演作品。即使台灣馬戲逐漸蓬勃發展，人才專業多元，從事人數比起其他類別的表演藝術團體，卻寥寥無幾。李宗軒描述，目前立案於文化部的舞團約200多個，馬戲工作團體則不到20個。他進一步說明馬戲工作者申請文化部年度藝文補助時遇到的瓶頸，「你看得到音樂類，而且還分現代、古典；戲劇也有親子、偶戲等等，但你找不到馬戲或是雜技，我們也是藝文團隊啊，請問我們要申請哪一項？」最後李宗軒只好申請與福爾摩沙馬戲團表演形式較貼近的舞蹈類別，但有限的經費撥給舞蹈團體就已非常困難，更遑論再分給馬戲表演團體。福爾摩沙馬戲團於四年前開始申請補助，李宗軒說：「就算申請到了，但數目還是微乎其微。」即使他們目前能夠取得文化部經費，李宗軒仍期望未來藝文補助新增「馬戲」項目，讓馬戲工作者更容易取得資源。國內教學異於創作方向　「馬戲棚計畫」解構舊思維台灣馬戲表演類型豐富，馬戲工作者需具有獨特的創作思維，才能在海量作品中脫穎而出。「我們觀察到大家比較著重在技藝上面，把某個項目練得非常好，但是對於馬戲『創作』，大家比較不知道該怎麼做。」臺北表演藝術中心馬戲棚計畫承辦人黃琳惠道出台灣馬戲現階段面臨的難題，他舉例，台灣馬戲工作者大多出自戲曲學院，然而學校教授的課程偏重於技藝，缺乏有關作品創作思考的訓練。馬戲工作者林乘寬擅長雜耍，將塑膠環與霹靂舞融合地天衣無縫，他從國小五年級開始進入戲曲學院就讀，他認為台灣的馬戲教學方式過於僵化，「比如一個動作只能一直重複練，完全不用思考哪個動作會用到哪個細節的肌肉。」相較於國外教學模式強調個人優勢，台灣教學著重於技術，「在歐洲他們是挖掘每個馬戲演員的特色，但台灣像是在訓練一模一樣的特技機器人。」在台灣，除了學院體制，坊間也有許多馬戲相關課程，然而小丑MimoFatguy說：「我認為這樣的課程會製造出很多同樣的小丑，他們的妝、服裝、呈現的方式，基本上辨識度很低。」 小丑MimoFatguy（化名）認為，若自己與大多小丑一樣戴爆炸頭、穿上繽紛色彩服裝，娛樂小孩，將很快被表演圈淘汰。　圖／黃弈軒攝有鑑於此，「馬戲棚計畫」於民國109年啟動，臺北表演藝術中心團隊期望改善馬戲創作領域，打造專屬於台灣的馬戲產業鏈。黃琳惠解釋，他期望學員在工作坊能靈活運用各領域的專業知識，突破原有的創作思維，例如學員楊世豪原為大環藝術家，透過馬戲棚計畫，他將卡夫卡的《變形記》融入作品中，拆解巨大鐵環後與身體結合，賦予表演新內涵。台灣觀眾求刺激　馬戲工作者陷技藝、創作兩難馬戲工作者嘗試跳脫創作框架之餘，國內外觀眾對於馬戲表演的偏好不一，導致表演者碰上另一層關卡。李宗軒認為，歐洲觀眾從小習於接觸各種藝術形式的馬戲表演，相較之下，台灣觀眾喜好高難度且刺激的技術演出。二十顆紅球垂直吊於木杯下，經過陽光的照射顯得更為耀眼，如同劍玉師小螺絲（化名）在IG自創的主題標籤（Hashtag）-「＃每天都要熱血一點點」。他精湛的表演讓觀眾無法轉移視線，心甘情願將時間留給這位劍玉使者。與地心引力對抗，小螺絲深吸一口氣，將紅球同時往上拋，這二十抹紅與白以藍天為背景劃出一道道完美弧線，穩定地落於杯洞上。這時觀眾的歡呼聲環繞舞台，為小螺絲獻上支持與敬佩。 劍玉師小螺絲（化名）從高中開始學習劍玉，目前已累積至世界各地表演的經驗。　圖／黃弈軒攝現今小螺絲的表演總能獲得如雷掌聲，背後卻隱藏一段辛酸過去。「在國外他們已經很習慣看表演了，你在做很多不一樣招式的時候，他們會覺得我已經知道你劍玉很厲害了，然後咧？」小螺絲於民國106年至法國亞維儂藝術節表演，當時他的表演以火影忍者為主題，在台灣總讓人熱血沸騰，到了法國卻沒有觀眾願意駐足觀賞，因此他選擇放棄過往表演模式，將所有道具收回箱子，隨機抽取道具在街頭即興演出，而創造出現今表演的雛型。福爾摩沙馬戲團也觀察到國內外觀眾對於相同作品，抱有相異看法。團隊作品「一瞬之光」曾於法國及台灣演出，講述生活中充滿馬戲精神，舉凡轉筆與轉書皆能成為馬戲的技藝。其中有個畫面為演員按摩一塊肉，並用熨斗將它燙平，李宗軒發現兩國觀眾對相同表現手法的回饋十分兩極，他說：「（台灣）很多人在看他想要看的東西，他已經就是有一種，你不是就應該把熨斗丟起來360度轉三圈嗎？」相反地，法國人更習於從表演者的動作思考更多意義。形式單一限縮觀眾想像　表演者盼台灣馬戲多元推廣國內馬戲表演者為了迎合觀眾，往往在演出中營造歡樂氛圍，但李宗軒說：「福爾摩沙馬戲團的作品裡面也包含比較藝術性的，我們希望回歸初衷，讓大家把馬戲工作者當成藝術家在看待。」以其中一部作品《土地的歌》為例，他們使用許多客家、閩南民謠創作，探討台灣光復至今的重大歷史事件，並結合歌曲呈現。在其中一個橋段演員扮成「紅葉棒球隊」隊員表演馬戲項目，觀眾能在演出中聽到名曲〈我的未來不是夢〉。李宗軒表示，福爾摩沙馬戲團期望觀眾體會到馬戲不只是娛樂演出，還能融入在地文化元素。台灣馬戲表演者、活動策劃人陳星合認為，國內的馬戲演出形式因發展時間不長，而少有變化，「眼前的榜樣還沒有很多，所以後面的人不太能想像，他們想參加的時候，還是只能看到商業演出、街頭表演，或是像FOCA這樣的大團。」他提到，新一代馬戲工作者往往因先前沒有見識過多元表演形式而害怕嘗試，國內馬戲藝術趨向單一。因此，他透過策劃活動或是進修工作坊，讓大家看見馬戲的多元性。此外，福爾摩沙馬戲團也努力參與藝術節，李宗軒說：「我們與臺北藝術節合作，那時候我們製作了三部曲的跨界作品，跟戲劇導演、菲律賓的視覺藝術家，再邀請德國的表演舞者，這些作品都跟大家對於馬戲既有的印象不一樣。」國立臺灣戲曲學院民俗技藝學系系主任張京嵐提議台灣可借鏡歐洲，「當地的馬戲藝術中心，跟高中、劇院做連結，他會派老師到高中教學，讓學生有興趣考進學校。」他認為這是整個國家文化教育體制發展的不同。而張京嵐也期望國內未來能成立馬戲藝術中心，除了是一間學校，也是一個馬戲推廣基地，「然後未來從基礎的深根教育、演員的發展，到場館演出的使用都能多給關注。」 國立臺灣戲曲學院民俗技藝學系的入學年齡最小為國小五年級，給予學生身體柔軟度與力量訓練。　圖／吳姿芳攝另外，台灣因較少推廣藝術欣賞教育，而衍生馬戲觀眾人數不足的問題。國立臺灣戲曲學院民俗技藝學系學生張芳睿認為，其實在各種藝術層面，國內缺乏的不是師資、場地，而是缺少觀眾。「當觀眾不夠的時候，表演者與場次再多、再豐富，沒有人來看也沒辦法。」因此，即便戲曲學院學生未來大多想成為藝術表演者，張芳睿反而想往馬戲藝術推廣的行政工作發展。他說：「很多藝術家的藝術構想、計畫或是身體都非常的優秀，但是他們在統籌或是推廣上面不足，沒有辦法把他們自己的東西行銷出去，讓人家看到。」 國立臺灣戲曲學院民俗技藝學系學生於排練場努力練習，辛勤的過程體現馬戲精神。　圖／吳姿芳攝「我覺得我在馬戲、特技上有一定的天賦，也滿努力，有慢慢被看見，所以我當然希望繼續表演！」國立臺灣戲曲學院民俗技藝學系學生廖恩沛說道。國內馬戲表演者與推廣者正努力推進台灣馬戲藝術產業，希望將出色的作品呈現給觀眾。雖然現今國內觀眾對馬戲的認識尚有不足，表演者置身文化部歸類的藝文類型外，所幸許多馬戲工作者藉由舉辦工作坊以及參與藝術節，強力推廣馬戲的多元形式，除了讓馬戲人才與日俱增，也期望帶領台灣馬戲藝術蒸蒸日上。

【記者陳楷霖台中報導】音樂落下，舞者配合旋律舞動，表演柔和卻充滿力量。2021全國啦啦舞蹈錦標賽於18日在臺中市北區國民運動中心舉行，雖然國立臺灣戲曲學院在當代抒情大專個人組、當代抒情大專公開雙人組獲得冠軍，但比賽中並沒有其他競爭對手，形同表演，也顯示啦啦舞蹈在大專發展不夠普及。啦啦舞蹈以傳統舞蹈為基底，搭配流行舞蹈以及啦啦隊的彩球元素，舞風近似現代舞卻更具活力，成為富多元色彩的啦啦舞蹈。就讀戲曲學院、獲得當代抒情大專公開個人組冠軍的王仁宣認為啦啦舞蹈較注重個人動作細節，「它和其他舞蹈比起來多了爆發性跟肢體的展現。」 國立臺灣戲曲學院王仁宣表示，自己在挑選背景音樂時，會以歌曲旋律作為決定的依據。　圖／陳楷霖攝雖然啦啦舞蹈在國小、國中已逐漸興盛，但到了高中、大學便出現斷層，參加本次賽會的17個隊伍中，國小和國中隊伍數量佔了總隊數的七成，但從高中組開始卻僅剩兩支隊伍，大專組更只剩一隊大學隊伍和一隊社會人隊伍。此次獲得當代抒情大專公開雙人組冠軍，同樣來自戲曲學院的林志成表示這次大專組的賽事僅一隊出賽，讓他稍感遺憾，「有競爭對手一定最好，但沒有的話我仍會全力以赴。」 國立臺灣戲曲學院林志成表示，這次挑選這首《Here’s your perfect》作為比賽歌曲，是因為它很適合當下面臨低潮的自己。　圖／陳楷霖攝林志成過去主攻街舞，在高中時因師長介紹轉戰啦啦舞蹈。他認為一般學生難有管道接觸啦啦舞蹈，因此對這個項目較陌生，「我也是高中參加過比賽才認識啦啦舞蹈。」而王仁宣則指出，學生運動員長大後會逐漸專精單一項目，但目前大專院校少有為啦啦運動設立的科系，因此難以普及。中華民國啦啦舞蹈協會會長林芃妡說明，啦啦舞蹈在國內仍屬新興運動，「過去國內以發展競技啦啦隊為主，直到2007年我們才把啦啦舞蹈的比賽引入台灣。」針對青年的發展，林芃妡表示協會目前主要將啦啦舞蹈帶入設有舞蹈班或社團的高中以及大學，以增加普及度，同時她也強調，啦啦舞蹈和主流舞蹈一樣適合大眾參與，期望未來可以有更多人投入啦啦舞蹈，以擴大賽事規模。 啦啦舞蹈在年齡層較低的兒童中頗為風行，場館內可以看到眾多家長買票入場。　圖／陳楷霖攝

【記者黃亭茹綜合報導】以客家為題的文藝沙龍開張！客家委員會於2日在「左轉有書」舉辦此系列第二場座談，以「客家劇場的傳統與現代接軌」為主題，邀請到召集人鍾喬與對談者徐亞湘（註一）、吳榮順（註二）等人展開對話。團隊將此系列沙龍為「參詳camˊ xiongˇ」，取自客語音譯，代表商議共謀之意，體現沙龍核心宗旨。註1：徐亞湘，目前為北藝大戲劇學系教授，研究專長為台灣與中國戲曲史。註2：吳榮順，目前為北藝大音樂學院教授，研究專長為原住民與客家音樂史。 文藝沙龍五位學者與專家正在「左轉有書」現場交流 圖 /「參詳」當代客家文藝沙龍 提供五位客家文化學者與專家齊聚，各自點出客家文化在戲劇與教育上的現況，與對未來發展的想像。集「差事劇團負責人」、詩人、作家、社會運動者於一身的鍾喬，認為運用文藝沙龍的方式談論客家文化，是汲取了歐洲文人對於「咖啡館舉辦文藝沙龍」的概念，以較為自在的方式討論文化議題，把客家議題漸漸落實在日常當中。 「客家戲劇傳統與現代接軌」召集人 鍾喬 發表對於文藝沙龍的活動主旨與目標 圖 /「參詳」當代客家文藝沙龍 提供「沙龍有個意涵就是創造一種文化來自daily life，更能靠近年輕人，賦予他們自主擁有族群認同。」鍾喬表示，客家教育中，語言和族群文化是最重要的課題。對於當今年輕世代，找回消逝的族群內涵是急迫且必須的。 祖籍海南的大馬導演（半個客家人）發表對於首次執導客家戲劇《火燒庄》的觀點 圖 /「參詳」當代客家文藝沙龍 提供出身傳統客家聚落、苗栗縣三義鄉的鍾喬，表示想透過沙龍傳遞不應將「客家原鄉」當作一個浪漫、唯美的懷舊意象，而是應嘗試與現代社會連結，培養當地人民的自主意識是目前最大的困境。他也補充，客家文化從戲劇到教育，面臨著不同的挑戰。客家戲劇過去在題材與形式上的種種限制，正經歷與現代元素融合的過程。國立臺北藝術大學戲劇學系教授徐亞湘談到客家傳統戲曲時表示，這種娛樂形式已距離青年社會太遙遠，至今「外台戲」（註三）市場逐漸衰微，近乎只剩客家代表劇團「榮興採茶劇團」獨力支撐。深知戲劇文化隨著台灣社會娛樂形式演變的他建議道：「只要戲曲把握藝術本質、把握藝文人口的需求，安於小眾的進行創作就可以了。」註3：「外台戲」廣義泛指所有於室外演出的戲曲活動 ; 狹義則專指於戶外廟會酬神戲的戲曲表演及其所形成特殊的「活戲」表演形式 。 北藝大戲劇系教授徐亞湘在座談中分享對於客家戲曲藝術的看法 圖 /「參詳」當代客家文藝沙龍 提供國立中央大學客家語文暨社會科學學系學生劉虹均民國108年曾隨客家青年國際事務訪問團到澳洲觀賞「榮興採茶劇團」的演出，首次看到客家改良戲的她，深深被現代結合傳統的表演形式吸引。她認為年輕世代較少接觸客家劇場的現象，主要由語言、客家宣傳資訊不足、客家文化的刻板印象等共同因素促成。就讀國立臺灣戲曲學院客家戲學系的湯美玲則認為，近年許多公立小學加入了客家語課程，平日於公車、捷運、火車也能聽到客家語的廣播，期望未來客家文化在能更融入日常。 北藝大音樂學院教授吳榮順老師分享北藝大學生在客家戲曲的著墨 圖 /「參詳」當代客家文藝沙龍 提供客家文化在當代，因歷史的演變而產生嚴重的文化斷層，在戲劇與教育方面都面臨了傳統與現代接軌的問題與困境。該文藝沙龍的創辦不僅開啟客家議題的廣泛對談與研究，同時也能深入日常，吸引青年對於客家文化的重視與討論，將漸漸消逝的文化再次浮上檯面。

彰化縣溪州鄉，每年正月17日前後可見整排布袋戲棚演出，這些布袋戲都是信眾聘請來還願，或是祈願神明能協助達成自己的願望。　圖／邱海鳴攝【專題記者詹和臻、陳卓希、邱海鳴、江俊緯綜合報導】三台畫押斑斕宮廷的戲棚，搭建在廟口前閃耀七色光彩，聲聲唸白中，人、仙、妖、獸爭豔鬥法。然而，戲偶眼中卻望不見觀眾，錄製的南、北管音樂盼不來掌聲喝采，手中的刀槍劍戟也似因劃不開夜色，無力地比劃著。「時代進步，大家都看電視、手機，哪有人要看布袋戲？」布袋戲團操偶師鍾育玲在六尺見方的後台獨自演出。布袋戲轟動大街的景象已不復見，曾需要七、八人分工才能演出，也因考量市場萎縮後的成本，錄音機取代樂隊，而操偶師人數不足，也讓本應在掌上大顯神通的戲偶，只能被隨意架在台上湊數。失去觀眾的野台戲，除了神明，沒人知道它曾經開場，又何時謝幕。 放置於後台繩索上的布袋戲偶，在沒有喧鬧與掌聲的環境下略顯孤寂。酬神戲的榮景不再，雖仍有劇團演出，但面對台下空蕩的光景，演出只剩象徵意義。　圖／邱海鳴攝<b>酬神方式增加 戲約少劇團受衝擊台灣的戲曲都跟宗教信仰有關，戲班演戲目的不為復興中華文化，是要酬謝神恩。國立臺中教育大學臺灣語文學系副教授林茂賢解釋，凡是神明誕辰和開宮紀念日等重大慶典，或是神明遶境、進香等重要宗教儀式，都會在廟裡做戲以示慎重，「所以我們一般來說，跟神明有關的，都稱為酬神戲。」台灣較常見的酬神戲班，分別為歌仔戲與布袋戲。而不論酬神戲種，演出正戲前都須以「扮仙戲」開場，扮仙分為三類：三仙戲、八仙戲及天官戲。戲台上，演員配戴鬍鬚、拄著拐杖演繹李鐵拐、呂洞賓等八仙，神明依序出場、相繼對拜，齊聚戲台後大開宴席，並向台下潑灑米酒、喜糖，詮釋神明賜福人類的過程。 歌仔戲演員的妝扮皆獨立完成。先用粉膏打底，再用粉餅按上厚厚底妝，勾勒黑色眼眶後，再畫上鮮明色彩的眼影，並抹上腮紅凸顯角色特徵，酬神前每個細節都不能馬虎。　圖／邱海鳴攝廟方主動聘請酬神戲之外，信徒願望達成後，也會請戲班演戲還願、酬謝神恩。「從下午演到晚上謝謝神明保佑，也祈求全家身體健康。」90歲信徒莊朝宗分享，他每年都會請戲班慶祝佛祖生日。於坪林崑山慈瑤宮擔任住持的詹文璋認為，過去信徒比較尊敬神明，許願時承諾會以歌仔戲這類大戲酬謝，再窮都會想辦法請戲班演出，「現在信徒的心態是，我為什麼要花大錢請歌仔戲？放電影就好了，反正一樣是酬神。」今昔對比，信徒酬謝神明的心意依舊，但是還願方式隨時間改變。操偶師鍾育玲無奈道出，與過去相比，酬神戲演出數量大約少三成。隨時代改變，廟宇活動從群體逐漸轉為個人參與，民眾合力出錢聘戲的情況也減少。士林神農宮總幹事簡有慶解釋，人們酬神心態改變，現在多變為簡便地捐香油錢、拜牲禮，不再堅持請戲班。酬神選擇性變多、人們心態轉移的情況，讓戲班大受打擊。<b>台下無「人」 酬神戲淪為形式「戲都沒有人在看。」新乾坤布袋戲團的操偶師陳怡貞感嘆說道。從聲音喧鬧的布袋戲棚內向外看，棚前不見觀眾，只有焚燒金紙時的裊裊炊煙相伴。現年60歲的陳怡貞接下家業已40餘年，他回想剛入行時的盛況，對比如今雖多數廟宇和信徒仍會在慶典、還願時請戲班演出，劇團卻面臨觀眾流失的窘境。 布袋戲台突兀地搭在產業道路上，而台下卻空無一人，只剩操偶師獨自擺弄著布袋戲偶。　圖／邱海鳴攝身為宜蘭人的林茂賢有感而發：「我那時候沒有遊樂場、電腦和電視，很多孩子跟我一樣，就是在廟口長大。」而服務社區10餘年的新店頂城里里長王明藤感嘆，社區參與人數日益稀少，扮仙戲甚至不到10人觀賞，「大家甘願在家裡看電視，也不要出來看戲。」傳統戲曲市場萎縮，也是導致看戲觀眾減少的因素。文史工作者許泰英便表示，有些廟宇改為播放扮仙影片，以省成本且順應觀眾偏好，「或有的廟是下午請布袋戲，晚上放電影、辦卡拉ok晚會。」詹文璋豪邁地說：「反正酒喝下去，台上在演什麼沒有人知道啦！」「不能說沒有人在看，有神在看啦！」操偶師陳怡貞笑說。他讓掌上戲偶耍出一手好刀的同時，也不忘訴說對布袋戲的堅持。即使無人觀戲，「但戲該做足多久就該做多久。」他也提到，自家布袋戲團皆使用木製戲偶，做工細，一尊要價5、6萬，他更自信地說：「你看隔壁那台，再看我的，你說誰的好。」陳怡貞展露對自家布袋戲的驕傲。<b>廟埕減少 劇團演出空間受壓縮「宮廟不再像以前擔負起多重的社會功能了。」林茂賢說明，早期地區發展多以「廟」為軸心向外延伸，廟宇兼具地方信仰、商業中心功能，也是孩子的娛樂及教育場所。投身研究宮廟文化的簡有慶指出，現代社會轉型後，廟宇只有純宗教信仰的功能。觀察民俗活動已15年的許泰英，以台北市中山區的保儀大夫祭典為例，早期當地只是農村，居民以收繳丁口錢來集資，並由土地公廟、居民中心，或是一般住宅輪流供奉保儀大夫。然而在都市都市發展過後，居民對群落漸漸失去認同感，這項祭祀文化便難以維持，於今年停辦。 媽祖繞境是新北市八里區的一大盛事，居民會齊心協力準備參拜物品、遶境演出等事宜。此節慶可維繫居民感情、凝聚社區認同，可見宗廟文化對八里區具有多種面向的意義。　圖／邱海鳴攝林茂賢指出「都市化」為重要影響因素。歌仔戲和布袋戲等傳統藝術與廟宇有密不可分的關聯，「但都市地區寸土寸金，很多廟沒有廟埕（註1），酬神戲就會不見。」註1：廟埕為廟宇前的空地，提供居民舉辦法會、酬神或辦桌等活動。多數劇團對演出空間縮減有感，鳳舞奇觀布袋戲團副團長陳正雄說明，都市中的廟宇較少演戲酬神，「戲台來了，廟就沒位置站人。」他表示，搭建戲台會影響信徒參拜動線，酬神戲觀眾被迫移往路邊或對街等剩餘空間，導致民眾觀看意願降低。<b>削價競爭品質降 部分劇團力求創新陳正雄說明，傳統觀念中，以人主演的歌仔戲是大戲，是多數人酬神的選擇，一天費用高達5至7萬元，因此部分廟宇習慣聘請戲班數量更多、戲酬更低的布袋戲團。但日益增加的新劇團，瓜分諸多老劇團的演出機會，也導致布袋戲團生存的困境。團數增加、劇團接案門檻降低，導致酬勞跟著下滑。「布袋戲只要買了道具就可以去接戲。」陳正雄無奈地說，民國70、80年代的錄音布袋戲，單日戲酬約7000元；直至今日，酬勞僅剩5000元或更少，「現在物資都漲價，但戲班的酬勞卻下滑。」他感嘆地說。 布袋戲排場不再像以往聲勢浩大、受大眾歡迎，現在的演出人員配置，多為一台車上僅一位操偶師，他得負責控制燈光、播放音帶等繁複工作。　圖／邱海鳴攝在削價競爭的市場，諸多劇團轉向投入文化場域。「劇團太大就需要太多成本，沒有企業贊助就沒有辦法。」小飛霞歌劇團團長黃月霞說。陳正雄也提出相同看法，雖然政府在民國70年代開始補助劇團演出文化場，「但售票演出其實很難經營，在這個時代，可能也只養得活一、兩團。」多數劇團仍依附於廟會生存。而現在另有劇團品質不一的狀況，陳正雄以錄音布袋戲為例，「如果戲班覺得已經可以騙吃騙喝的話，那就可以接劇團演出。」諸多已經歷三、四代傳承的劇團，無法因應時代變化而結束傳統戲曲生涯。不過，仍有劇團期望跳脫削價競爭的惡性循環，致力在演出中求新求變，以追上時代的變化。黃月霞表示，因應市場需求，劇團持續新編劇本，增加娛樂性質。他以日戲和夜戲為例，日戲著重扮仙、延續傳統形式，而夜戲則會穿插時下流行元素。 小飛霞歌劇團團長黃月霞指導國立臺灣戲曲學院學生。傳統戲曲的市場逐漸式微，仍有諸多年輕人願意投入、延續傳承。　圖／邱海鳴攝黃月霞說明，當初著手寫劇本是因為戲曲皆大同小異，想與眾多劇團做出區隔。「不管什麼戲，只要能吸引觀眾就是好戲。」他認為，比起台下很多觀眾但中途走掉，還不如台下只有一個人但看到最後，這是現在所有經營傳統戲曲的劇團都該追求的目標。 小飛霞歌劇團致力發展廟口歌仔戲（俗稱野台戲），並新編歌仔戲劇本、結合現代元素，演出顛覆傳統型態，因而吸引到一批忠實觀眾。　圖／詹和臻攝<b>人口移入都市 居民認同感降低民國109年12月艋舺青山王遶境，沿途施放鞭炮、煙火，遭居民報案，批評噪音污染，引發社會討論：傳統習俗與現代社會價值如何維持平衡？林茂賢點出，民眾報案顯示對廟會文化不認同，「傳統社會就會認為這是我們村莊最熱鬧的一天。」許泰英則談到，城市高度發展後，人們不再被限於家鄉發展，對土地也難產生連結，早已遠離群落生活的人，自然難以理解廟會文化在連繫聚落情感上的傳統價值。 新北市八里區仍以宗教維繫居民感情，社區會連續多日、從早到晚進行廟會活動，可見宗廟文化在當今仍對部分社區具有重要意義。　圖／邱海鳴攝台中無極慈德宮主持人林金梅便提及，年輕世代對宗廟文化觀感偏負面，「現在年輕人對宮廟的印象，就是噪音呀、辦活動什麼的，太吵了，會引起團體械鬥，讓現在小孩子觀感不好。」自稱無神論者、國立臺北商業大學企業管理學系學生羅絜也認同此想法，他嫌棄地說：「我覺得廟會文化很俗，組成人員都是社會底層。」然而，並非所有年輕世代皆抱持負面想法，平時在木柵忠順廟擔任志工的國立政治大學教育學系學生高靖哲，也有感於廟會文化成為社會亂象，但他強調，仍有諸多團體致力於維持傳統文化與價值，「我還是願意相信廟會活動不可取代的存在意義，能夠帶給社會在心靈層面上一定的力量。」宗教信仰是安定社會的重要力量，長輩求神拜佛只為求得信心與希望，林茂賢以大甲媽祖遶境為例：「不是吃飽太閒，你看這些阿公阿嬤去走九天都是為了別人，為了丈夫、孩子，沒有人是為了減肥。」世代認知差異造成人們對宗廟文化看法不一，「我們廟旁邊有年輕人無所事事，廟有慶典就會檢舉噪音汙染，」台中烏日寶興宮會計張秋香有苦難言，至今仍連連接到投訴，「甚至連掃廁所的水不小心流過去都會被檢舉。」簡有慶提到，演出酬神戲的戲班也受波及，「早期可以演到很晚，但現在有噪音防治的問題，酬神戲九點前就結束了。」林金梅則表示，曾聘請布袋戲班來酬謝神恩，但被投訴噪音汙染後，便不再請戲班酬神，宗廟活動皆改以靜態為主。<b>酬神戲觀眾流逝 戲班入文化場尋傳承都市化也許沒有降低人們的虔誠心，卻打散聚落連結，也產生多元的娛樂方式。當卡啦OK、放電影、辦桌成為酬神新熱門，鮮明眼影、高亢鑼鼓聲與甩動的繽紛衣袖不再是大眾寵兒，不願放棄內涵的劇團勢必要尋出新戲路吸引觀眾，又或是走進劇院、展演廳，純粹追求藝術表現。而酬神戲市場也將隨時間流逝走向凋零，就如操偶師鍾育玲所說：「我們家的孩子不接我的工作，他們覺得沒落啊，等我們老了、不能動了，就沒人接了。」 縱使台下觀眾減少，傳統戲曲演出者仍然敬業演出，如小飛霞歌劇團團長黃月霞所說，只要民間信仰還存在，酬神戲就還有生存空間。　圖／邱海鳴攝&nbsp;&nbsp;

【記者詹和臻綜合報導】舞台上，燈光落在彈著電吉他的男人身上，他說書、操偶，分飾多角以閩南語說故事，賦予手中的布袋戲偶生命。這是嘉義義興閣掌中劇團第四代接班人王凱生，他身後不是傳統的北管、南管樂隊，是熱血沸騰的搖滾樂團。<b>搖滾入布袋戲　<b>成為<b>義興閣專屬標籤 《諸羅英雄傳—羅安救萬民》是義興閣第一個推出的原創布袋戲搖滾音樂劇，在西元2015年獲得雲林國際偶戲節金掌獎的最佳配樂音效獎。　圖／王凱生提供搖滾音樂為傳統布袋戲演出劃下句點，觀眾就如身處演唱會熱烈歡呼。義興閣掌中劇團在西元2015年「雲林國際偶戲節金掌獎」首次對外發表獨家的「布袋戲搖滾音樂劇」，並拿下最佳配樂音效獎。當家主演王凱生將搖滾樂融入布袋戲，首度演出獲得不同凡響的回應，「謝幕的時候，我就知道中了。」他回憶，雖當時尚未公布獎項，但從觀眾的回應便獲知自己的嘗試是對的，從此確立義興閣的發展方向。台灣布袋戲盛行時期約在1950年代，當時金光戲因與時俱進的特質（註）加上天馬行空的劇情，深受觀眾喜愛，義興閣也以獨家金光戲《萬教風波仇—阿拉仔原始人連續集》轟動當地。金光戲式微後，劇團依靠參演酬神儀式的廟口民戲維生，隨著經費減少，演出品質受到影響。註：金光戲的劇情會融入當時台灣時代背景，同時也是民眾獲取知識的管道。布袋戲演出分成前、後場，主演原在前場邊操偶邊唸口白，後改以錄音播放。除此之外，王凱生感慨，布袋戲後場樂團演奏的樂曲，多未經授權。有鑑於此，他開始為自家的戲劇製作音樂再加入搖滾元素。除了堅持演唱自創的歌曲，他自學唸口白，「所有角色的聲音都是我，我唱、我演、我彈（吉他）。」除了掌握傳統戲曲講究的「氣口」（khuì-kháu），王凱生結合以上特質，使他更擁有自己的表演特色。 <b>接管家族劇團　王凱生融搖滾元素破布袋戲<b>困境「不是沒有人做過拿來用就是特色，也是要經過長時間的磨練。」目前就讀樹德科技大學應用設計研究所的王凱生成長於戲班家族，自幼便開始接觸布袋戲。王凱生父親、義興閣第三代團長王勇憲回憶，王凱生在幼稚園時期，便會到放置佈景、道具的樓層，自行搭臺子、放錄音機玩耍。「從小布袋戲就是我的玩具、家常、專長、興趣。」王凱生說著自身對布袋戲的熱衷。高中時期，雖不時會參與家中布袋戲的演出，但處於叛逆階段的王凱生開始接觸反叛的搖滾文化。他後來沈浸於搖滾音樂，開始自學吉他、與同學組樂團，時間皆被練樂器、寫歌等行程填滿。而當他看到布袋戲文化沒落，觀眾群流失，讓他對布袋戲的未來感到灰心。 義興閣掌中劇團第四代接班人王凱生自學音樂，堅持自己創作每部作品的音樂，避免音樂版權爭議，同時也幫其他劇團製作屬於他們的音樂。　圖／王凱生提供就在家族視布袋戲為黃昏產業，也不期望王凱生回來接下劇團時，他卻執意接手，「布袋戲沒有離開過我心裡，我也沒有離開過它。」大學期間，雖繼續音樂創作之路，但他也逐漸將所有心力投注在家族的劇團。他認為，沒有所謂接手劇團的時機點，也不是在特別的契機下所做的決定。接下劇團重擔的王凱生不斷尋找布袋戲的出口，「布袋戲不是有一個特定的樣子才叫布袋戲，我覺得它有很多無限發展的可能。」他開始大膽嘗試將自己所學的搖滾音樂加入傳統的布袋戲。兩者矛盾的元素，對王凱生來說卻是非常自然的融合，他闡述，布袋戲的技藝從小就已存在身體裡，而當成長過程修習的搖滾音樂，相互交融，內化成他獨創的「布袋戲搖滾音樂劇」。此創新之舉卻也被外界以「傳統」之名批評，王凱生回應，不應用傳統、創新二分法切割，他說：「過去的創新，保存下來變成傳統，那說不定我們現在做的東西，未來保存下來也變成未來的傳統。」他提到，他創作前會構思作品最後呈現的樣貌，再依據所需的元素注入相關內容，而不是為追求創新而創作。與時俱進　王凱生融入現代劇場經營模式為順應時代，王凱生改變義興閣在廟口「野台戲」的表演形式，轉入劇場演出，他強調，現在劇團注重創作，並持續推出原創的「年度製作」，藉以復興布袋戲的藝術價值。10年前，王凱生已開始主導義興閣的演出，他引進劇場的運作方式。因過去主演一般兼任團長、行政等工作，劇團以主演為核心，但是王凱生為了永續經營劇團，開始學習專業分工，設立製作人、藝術總監等職位，「這是必經過程，傳統劇團要存活下來，必須要有正規化的流程。」他補充，沒有系統化經營劇團，布袋戲將僅能停留在廟口。以往劇團經營模式單純，但是改為專業分工管理後，團員一時無法轉變模式。作品新穎的呈現方式，也使接受傳統訓練的演出者，無法適應角色的詮釋方式。王凱生無奈表示，當初僅是抱著喜歡布袋戲、搖滾樂的心情踏上這條路，殊不知執行時困難接踵而來。義興閣的創作夥伴、劇作家鍾欣怡卻肯定王凱生在劇團的努力，鍾欣怡說：「無論是創作形式或者演出作品本身，都更加精緻、嚴謹和自我要求的藝術高度，也有戲曲跨界實驗性的嘗試與突破。」 當家主演王凱生認為人生中最重要的人是自己，他認為應該要積極學習，並且多接觸不同領域的人，抱持開放心胸。　圖／王凱生提供<b>布袋戲技藝無體制化教學　年輕藝師難培育「目前我這個年紀，真正有在線上演出的，全台灣下來十幾個。」王凱生說道。布袋戲門派相爭的日子已成歷史，目前若演出人手不足，各劇團便會互調人力支援。這也展示布袋戲面臨青黃不接的困境，而王凱生認為培養年輕藝師的困難為關鍵因素。 目前台灣的青年藝師為數不多，劇團的營運狀況難培養人才外，新血也不再投入傳統戲曲，所以目前在線上演出的演師、操偶師，大部分都是各劇團間相互支援。　圖／王凱生提供王凱生提到，布袋戲的技藝培訓一般仰賴家族傳承及師徒制，他說：「以前我是跟著家裡的人在演，我們不會說，來，我教你腳步、身段怎麼走。」過去布袋戲演出場次多，因此學徒跟在師傅身邊便能從演出自行觀察、揣摩。隨著場次日益稀少，環境變遷使年輕藝師無更多場域學習。相較其餘傳統戲曲，現今並無大專院校設立以布袋戲為專業的相關學系，無系統教學導致人才培養斷層。王凱生有感於此窘境，投入教學領域，開始家教、開設工作坊，讓更多人接觸這項技藝，「不管什麼樣的方式，我覺得只要讓更多人喜歡布袋戲，那就都好。」 目前沒有大專院校設立布袋戲相關學系，無系統化教學，也是傳承布袋戲的難處之一。　圖／王凱生提供

【記者李權洲高雄報導】伴隨熱鬧的鑼鈸聲，選手展現雄厚飽滿的嗓音，縈繞整個會場。「鮮聲奪人—2019高雄市歌仔吟唱競賽」1日於高雄市駁二藝術特區開賽。比賽吸引眾多好手參加，除了受專業訓練的表演者外，亦有懷抱熱忱的年輕學子參賽，各路高手齊聚一堂，在戲台上一決勝負。 選手穿上甲冑打扮成將軍樣貌，以慷慨激昂的語調模擬將軍之氣魄。　圖／李權洲攝此次競賽分為童生組、一般中學組、專業組及今年首次開辦的國際交流組。參賽者背景多元，從年僅五歲的幼稚園學生到從異國來台定居的「台灣女婿」都有。選手自己設計唱詞及唸白，搭配音樂及自備道具、服裝，發揮創意呈現完美演出。 選手配戴枷鎖上台演出，雖封印手臂的活動能力，卻仍以唱腔及其他部位之運動成功完成表演。　圖／李權洲攝除傳統戲曲常見唱詞外，有選手發揮創意將自身日常融入唱詞中，並以誇大的表情及口吻演繹；也有表演者不使用誇張動作，僅以聲音和表情變化進行演出，將悲痛情緒轉成哀切唱腔向天哭訴。部分參賽者更穿著整套戲服，化上精緻妝容，他們在舞台上展現歌仔戲身段，時而拱手作揖，時而開扇踢腿，讓觀眾即便身處室內劇場，仍能感受在廟口看戲般的臨場氣勢。 選手搭配背景之配樂，配合手上的道具，以華麗的身段穿梭於舞台間。　圖／李權洲攝專業組參賽者、國立臺灣戲曲學院歌仔戲學系學生欉期欣以聲音高低變換模擬男女對唱，營造出老夫老妻對話的情境，多變俏皮的表演讓他獲得冠軍殊榮。他表示自己透過反覆比對從前表演和比賽前彩排的影片，改良過去表演橋段，嘗試用更生動的方式表現先民來台開墾的故事，「希望能用更活潑的方式，把兩個老夫妻對話的感覺表現出來。」比賽尾聲，由來自美國的參賽者馬漢（Paul Malfara）帶來歌仔戲經典橋段〈身騎白馬〉，他透露自己準備過程中十分緊張與不安，「一開始其實我不太想參加，我覺得我沒自信能把台語唱好。」然而熱愛藝術的他，藉著不斷聽台語錄音帶練習，克服了語言障礙，得到國際交流組第二名。馬漢希望能藉由學習歌仔戲更了解台灣的鄉土故事，「學歌仔戲的過程讓我很有成就感，也能讓我去尊敬了解台灣文化。」評審團成員、國立臺中教育大學台灣語文學系副教授林茂賢認為，選手快樂參賽比得名更重要，「把歌仔戲當一種休閒娛樂，藉著參賽更認識歌仔戲才是目的所在。」林茂賢也感嘆現今歌仔戲演出機會越趨減少，社會大眾不易在日常生活中接觸這項文化。他希望未來廟會或逢年過節期間，主辦方能多請歌仔戲團演出，「有演出的機會，歌仔戲才有辦法存活下去。」