【記者蔣若暄台北報導】純白的畫廊中，繪畫在燈光下閃耀著光輝，娓娓道來記憶的燦爛與美好。就讀國立臺灣師範大學美術學系水墨組的黃薰瑩，即日起於臺師大德群畫廊D廳舉辦個展《琉光》，以拓印、滴流等技法結合水墨，繪出生活中稍縱即逝的璀璨瞬間，以讓美好記憶永留於心。 談及個展理念，黃薰瑩表示取材自李白作品《古風》，詩人藉詩句「逝川與流光，飄忽不相待」傳達出歲月流逝飛快的涵義。黃薰瑩認為雖然無法讓時間停留在當下，卻能以畫作捕捉生命中的重要瞬間。展名《琉光》發想自琉璃珠，將流光一詞中的「流」改成「琉」，以藍綠色系作為畫作基調，琉璃珠閃耀的光澤也象徵記憶燦爛的瞬間。 在蕾絲系列作品中，黃薰瑩以蕾絲紋路拓印出花的樣態，表達儘管記憶會因時間流逝而變，但生命中美好瞬間卻彷如不會腐朽的蕾絲花，永遠不會變質。黃薰瑩表示自己喜歡攝影，「但攝影只能紀錄當下，我希望我的作品可以展現過去、現在和未來等不同狀態。」因此他在作品中加入攝影元素，試圖呈現不同時空的情況。以作品〈蝶光輕舞〉為例，黃薰瑩將顏料噴灑在模板上製造出圓形斑點，模擬相片中光斑的效果。而作品〈繡球〉則使用淺景深構圖讓繡球花更為突出，藉由背景中模糊的枝葉，傳達記憶在人們腦海中朦朧的意境。 在滴流系列作品中，黃薰瑩融合廣告顏料與墨汁，運用滴流技巧創造出時間的流動感。他讓顏料順著紙張自然流動，不刻意晃動畫板控制流向，再照著滴流後的顏料分佈進行構圖。「這就跟人生有時會有些沒辦法控制的事一樣。」他補充道。在〈曇花〉和〈暗香〉中，黃薰瑩刻意在繪製時避開滴流的線條，因此視覺上花朵像是隱藏在線條後面。這樣若隱若現的意象，再次呼應他對記憶的看法，「它可能藏在你內心某個深處，有時候浮現出來，有時卻可能會忘記。」他也使用珠光水彩顏料，讓畫作在燈光的照射下呈現閃爍的效果，藉此表達記憶模糊、朦朧卻依舊閃亮的概念。 同樣就讀臺師大美術系的觀眾黃俊榕則表示，作品中模糊的表現手法使他聯想到登山時看到的霧，認為畫中的意境是在歌頌自然的美好。他也分析〈曇花〉和〈暗香〉中兩種不同花朵所欲傳遞的含義，「曇花是歌頌短暫美好的植物，梅花則是不畏艱難。」，感受作品對時間消逝的詮釋。觀眾Lee（化名）則表示對滴流系列作品中豐富的層次感到驚訝，「滴流是很粗獷的，但裡面卻是很精細的東西。」

【記者張愷文綜合報導】華梵大學10日公告，未來每學期第十週都將規劃為「生命設計週」。本學期訂於13至17日，期許學生在這一週參與校內工作坊，或自行設計活動，嘗試不一樣的生活方式，從中找回生活和學習的動機。華梵校長林從一表示，希望藉此活動讓學生重視自主學習，未來也計劃將此擴大為正式課程，以專題形式納入通識教育。 華梵大學於11月10日公布「生命設計週」計畫，大學部學生將從13日至17日停課一週，學生可選擇參與校內工作坊或自行設計課程和活動。　圖／陳慧銨提供林從一為此計畫發起人，他希望學生透過生命設計週，規劃自己的人生藍圖，從而找回學習的動力。生命設計週除了讓學生自行設計活動外，校方也整合各單位的資源，提供學生自由參加不同類型工作坊，如勇氣工作坊、生命設計工作坊等活動。參加工作坊並繳交反思實踐報告的學生，學生經師長核准即可獲得通識一學分；自行設計活動的學生則無此學分。校內工作坊為小班制，一班約12至20人，有利於師生深入溝通。參與勇氣工作坊的華梵佛教藝術學系學生梁錦燕表示，參與工作坊後讓他成功克服對死亡的恐懼，「老師介紹學姐帶我到殯儀館誦經，在聽到不同的經歷後，能直面死亡。」除了校內工作坊外，身為外籍生的華梵佛教藝術學系學生陳慧銨，選擇與同學舉辦營隊，藉此機會促進感情，也體驗台灣特色文化。 華梵佛教藝術學系學生陳慧銨在生命設計週自行設計營隊活動，除了促進感情外，也能讓外籍生感受台灣當台的特色和文化。　圖／陳慧銨提供針對生命設計週的實施，校務顧問、同時也是生命設計工作坊授課教師蔡傳暉表達支持，他分享，工作坊成效佳，學生在工作坊結束後數日便提早繳交報告，「學生不是在交差，是真正打開心胸跟自己和老師對話。」他認為目前大學生被束縛於他人期望，「大眾賦予大學生的期望太高，導致焦慮，在工作坊能掉規範和要求，在無人評價下探索生命。」然而，由於計畫適逢學期中推動，陳慧銨提出顧慮：「有些課的期中考時間會延後，影響課程進度。」他認為校方應將學業進度納入考量。長期關注學生權益的臺灣青年民主協會理事長張育萌認為，此計畫立意良善，但對於未來是否成為全國大專院校之趨勢，還需待呈現成效後方能推測，「畢竟華梵作為先例，仍需時間讓大眾熟悉。」他建議華梵未來在每學期實施計畫後公布實施狀況，讓各大院校有機會參考。此外，張育萌認為華梵學生人數較少，在計畫實施上為優勢，「華梵師生較容易協調，但若是大型學校，基於人數、內容設計、執行力等因素，執行可能會沒那麼簡單。」生命設計週目前仍處試辦階段，林從一表示未來將如何改進以更融入大學生課業將是一大挑戰，自行設計活動者是否能獲學分也仍有彈性處理的空間。他補充，之後不排除會將此計畫設為通識課，「親自設計一個生命實踐專題，經通識中心老師審核回饋後，可拿兩學分。」他也表示，不應硬性規定內容設計或時程安排，要放手讓學生去做，才得以達到自主學習的目的。 「生命設計週」計畫發起人為華梵大學校長林從一，他希望藉由短短一週，讓學生空出時間發現自己的學習目的和意義。　圖／陳慧銨提供

【記者黎昕俞台中報導】「所有東西都是數據，萬物在這個基礎上，都會有平等的可能，再相互交雜產生關係。」國立臺北藝術大學美術學系碩士班學生徐銘謙於5日在窯座舉辦個展《親密系統》，結合影像、AI科技等媒材，透過回溯自身對數位物的感性經驗，探找記憶與數據之間錯雜的親密連結。 徐銘謙的作品時常聚焦「科技泛靈論」，此次個展《親密系統》結合自身經驗，探尋看待生命的面向，並於窯座展出至19日。　圖／黎昕俞攝徐銘謙的作品多聚焦於「科技泛靈論」，他將所有事物視為資料庫的一項數據，並嘗試跳脫以人為主體的思考模式，透過數據視角審思生命，「我認為的泛靈狀態，是萬事萬物在數位情境之下，都能有相互討論的可能。」徐銘謙也將展場視作一套「數據演算系統」，展場內的兩個小房間就如同系統內部，以他兒時與蠶寶寶、電子狗的記憶，探討生命與數據之間的交織關係。而外側走廊則比喻為系統外部，展出以AI技術或3D列印等手法創作的作品，形塑出虛實交錯的場域。奇形怪狀的手，時而投射在廊道角落，時而在地板浮現。作品〈觸碰遊戲〉，以徐銘謙孩提時玩手影遊戲的回憶為靈感，透過AI讀取自己過往的影像作品，給其指令後生成出不同手勢，就像兒時自己對著光用手模擬不同動物型態。徐銘謙也在創作過程中發現AI常把人類的手輸出錯誤，「我們在接觸螢幕或是輸入指令時都透過雙手跟電腦溝通，但是它卻不熟悉我們的手，這種既親密又疏離的關係很有趣。」 〈觸碰遊戲〉中由AI生成看似有些奇怪的手勢，徐銘謙認為像是童年時玩手影遊戲時模仿動物樣態，但又不能模仿到位的經驗。　圖／黎昕俞攝徐銘謙將展場內部的小房間視作演算系統的內部，其中一間的作品〈電子寵物羅曼史〉，發想自他小時候飼養電子狗壞掉的經驗。為重新回溯當時的憂傷情緒，他透過在Google搜尋關鍵字，蒐集相似經驗的文本和圖像後，將這些資料編排成影像作品。而自己與虛擬生命產生情感的狀態，也讓徐銘謙進一步思考「數據生命化」的現象，「因為他明明是個物體，我卻覺得裡面有個生命，某種程度代表著我們可以跟數據共感經驗。」 〈電子寵物羅曼史〉影像故事來源，是徐銘謙搜尋不同網路文本編排而成，欲表現與虛擬生命的共有的親密經驗，其實都是由大家曾參與的事件所組成。　圖／黎昕俞攝另一間小房間的作品〈蠶寶寶回家了〉則是他反向思考「生命數據化」的展現。他認為蠶寶寶的飼養經驗多半來自學校課程或是販賣蠶絲等外部因素，當具有生命的蠶因人類目的而成為象徵教育或經濟的符號時，徐銘謙進而討論人們看待生命的限制性，「我們常以人的生命方式去思考，然而透過數據去想像生命時，其實可以理解更多生命面向。」為模擬兒時養蠶經驗，他將養蠶紀錄轉為黑色剪影，加入養蠶場、博物館的背景影像中，再投影至養蠶缸，透過玻璃缸反射出的光影映照在白牆上，讓蠶的剪影與背景合而為一。他說明道：「希望觀眾在看時會以為裡面真的有蠶，後來才發現是蠶的影像，並體會到生命有時會介在半實半虛的狀態。」 作品〈蠶寶寶回家了〉以作者小時候養蠶經驗出發，以數據影像的方式呈現，試圖表達人們飼養蠶寶寶的經驗，大多來自如教育或經濟等因素。 圖／徐銘謙提供觀眾林沛瑤表示在觀看作品〈觸碰遊戲〉時，一開始對不自然的手勢感到疑惑，但後來發現它是AI對徐銘謙作品的再詮釋，當生成出的手勢映在白牆時，他說：「這樣的型態讓我覺得他是個生命體，但卻無法辨識出究竟是什麼。」觀眾f_1（化名）則提及〈蠶寶寶回家了〉起初讓他以為是投影強光照出活蠶的影，但走近後才發現原來是個誤會，「影像裡資訊滿溢的活力和玻璃箱裡原始物件的靜止，這樣的對比給我很深的印象。」

【記者黎昕俞綜合報導】牆上掛著印有詩詞作品的透明壓克力板，一旁桌子則放著耳機，輪流播放著以詩詞作品延伸而成的音樂。國立臺灣藝術大學戲劇學系在學生李宸佑、畢業生張倚瑄7日至28日在cafe BOMBOM舉辦《綿綿　詩與音樂展》。兩人使用各自擅長的創作媒材，展出七件融合詩詞與音樂的作品。展覽透過李宸佑的詩詞創作，再由張倚瑄產出相對應的歌曲，圍繞主題「綿綿細雨」中連續不斷、難以察覺的意象，呈現兩人在生活中體會到的情緒。 《綿綿—詩與音樂展》在cafe BOMBOM展出至28日，由策展人李宸佑和張倚瑄、視覺設計蔡宗霖以及空間設計紀柔安共同製作。圖／黎昕俞攝面對即將畢業而伴隨的焦慮，李宸佑表示自己正對於學習七年的戲劇感到迷惘，「不太確定所有年華耗在同件事身上是不是正確的。」因此，本次展覽以他的第二愛好——詩作為主角，讓他能暫時抽離戲劇創作。而他們決定以詩詞結合音樂創作的靈感，則源於李宸佑先前所導的舞台劇中，張倚瑄為其所配樂的〈古掰買樂（Goodbye, My Love）〉一曲。兩人在聊天時，偶然發現此首曲子與李宸佑的詩詞作品〈都去哪啦？〉不謀而合。張倚瑄表示，此次創作有別於過去進行劇場配樂時，能以畫面想像音樂的旋律，「必須先理解李宸佑的文字內涵，才能透過音樂去表達感受，所以也比較有挑戰性。」 展場旁桌子放著張倚瑄的音樂專輯與李宸佑的詩集，觀眾可以戴上耳機，在閱讀詩集的同時一邊感受音樂。圖／黎昕俞攝作品〈它們〉為兩人決定展覽主題後，李宸佑的第一首詩詞創作，描繪出他對孤單情緒的想法。他將房內物品擬人化，並試著與它們對話，「我覺得我房間裡的東西都在幫助維持我的生活。」李宸佑也認為孤單的感受隨時都在發生，如同細雨般連綿不斷。而詩詞所搭配的歌曲作品〈ROOM〉，則是張倚瑄回應李宸佑的詩詞概念，他補充這首歌像是夏季的午後雷陣雨，加入了雷聲及咳嗽聲，試圖描繪一個人待在房間裡專心獨處的意象。 此次展覽現場擺放了由張倚瑄製作的歌曲CD，以及收錄李宸佑35首詩詞的詩集，供民眾觀賞或購買。圖／黎昕俞攝詩詞與歌曲同名的作品〈人生清單〉，兩人各自回應對世俗既定印象的人生公式。李宸佑以頭尾循環的寫法，列出社會期待下的人生清單，「但我覺得好像最糟糕的人生就是這樣走。」張倚瑄則將外婆對自己叮嚀的口白納入歌曲中，藉由未能受教育的外婆說出自己理想的人生清單，希望讓觀眾明白不需在乎外界框架，只需看見事物根本的道理。張倚瑄補充，相比起李宸佑詩詞中的冰冷和暴力，這樣的歌曲編排反而讓聽者有很柔軟的感受。 展區內以壓克力板印製李宸佑的七首詩詞作品，燈光穿過投射在木頭背景，會呈現一種模糊的感受，以呼應主題。圖／黎昕俞攝提及兩人對綿綿細雨的感受，張倚瑄說：「其實我是討厭下雨的，因為容易讓我產生負面情緒。」但李宸佑卻認為下雨或許是另種起點，如同焦慮帶給他的感受，「即使當下的過程很痛苦，但其實它也是推進我往前的動力。」兩人雖對主題有著不同的理解，也體現在各自的作品上，但是想法卻相輔相成。李宸佑補充：「我們從一開始就很接受彼此的不同。」就讀國立政治大學歷史學系的李先生（化名）認為李宸佑明確地把社會賦予的期望，寫入詩詞〈人生清單〉之中，加上張倚瑄外婆在歌曲裡所建議的人生目標，讓他也開始反思自己是否有相似的人生經歷。觀眾栗子（化名）則認為以詩結合音樂的展覽很親民，會讓更多人願意去了解其中內涵。談及未來發展，李宸佑則表示若有機會，會想繼續朝舞台劇延伸，或是將此次展覽擴大至更完整的規模。

【記者李雨羲綜合報導】「每一位藝術家都需要花時間去凝視自己的狀態，最後再以作品投射出來。」由八位藝術家共同參展的《【凝視 Gazing Ones】動物創作聯展 2023 Animal Art Exhibiton》，於7日在富貴三義美術館開展。展覽以動物作為創作中心，透過多媒材雕塑的方式，表達藝術家各自的生命經驗與自我探索的結果。其中，來自國立臺灣藝術大學雕塑學系的林聖啟，展出了以金屬為媒材，並結合動植物元素的雕塑作品，將他所「凝視」到的生活，與內心所想像的「美好」呈現給觀眾。 林聖啟表示〈序曲〉是自己創作生涯中的一個轉捩點，也確立了他的創作風格與方向，命名靈感則源於《坂本龍一：終章》。　 圖 / 富貴三義美術館提供在構思創作主題時，林聖啟從他與祖父母生活的童年經歷出發，展現植物與神話中珍奇異獸的結合。由於家中十分重視祭拜儀式，在「神明桌」的陪伴下長大的林聖啟，便對於壁畫中神明的坐騎有著深深的烙印，「很多影集都以鹿作為有神靈性的代表動物，所以一般民眾對於兩者的連結也會比較有共鳴。」在作品〈序曲〉及其續作〈序曲—春〉中，他便選擇鹿作為創作原型，以紅銅燃燒製作成的玫瑰花瓣包覆住軀體，並利用開花的樹枝製成鹿角，透過植物元素堆疊的方式，增加作品的生命力。 〈序曲 — 春〉的葉子皆是以紅銅製作，因為紅銅本身材質柔軟，無論是敲痕或紋路的變化，皆比其他金屬更加多元。 　圖／林聖啟提供「在觀察鹿群的過程中，牠們總是讓我有種特別的悸動感。」創作期間，林聖啟不僅在網路上查看相關資料，甚至也到農場親自接觸鹿群，觀察牠們的一舉一動和習性。其中，最讓林聖啟有感觸的便是鹿群「飲水」的姿態。他提到，野生鹿在飲水時，仍需警惕四周有無天敵，因此神情或狀態都十分緊繃，但這樣的舉動在人類眼裡，卻流露出牠們非比尋常的纖細與優雅。因此，在作品〈鏡中花—春水〉之中，林聖啟選擇創作出人類「凝視」到的祥和瞬間。他以不同溫度燃燒後的紅銅色澤，製造如負片效果般的鹿身花紋，也利用不銹鋼光滑鏡面的視覺效果，呈現清澈的水波紋，傳達出靜謐的氛圍與感受。 專案藝術總監邱瓊儀提到，在觀眾凝視〈鏡中花 — 春水〉的同時，展場其他作品也在凝視著觀眾。 　圖 / 富貴三義美術館提供而在作品〈繁榮—棠〉中，林聖啟則參考自己飼養的孔雀魚與鬥魚進行創作，他透過綻開的樹枝與花朵，呈現魚尾的延展性與游動時的動態感。不同於一般的金屬雕塑，林聖啟認為既然選擇了紅銅作為媒材，應嘗試發揮它本身的特性製作。因此，他在色彩的安排上，放棄了常見的烤漆上色，而是利用紅銅接觸到不同溫度後，所轉變的紅、金、黑色進行編排，增加作品的視覺趣味性。林聖啟解釋，魚尾的黑色玫瑰花便是將紅銅放入烤箱後，再反覆加熱而成。 〈繁榮 — 棠〉被刻意安排在落地窗前，使窗外綠意盎然的植物和它產生互動性與色彩的對比。　 圖 / 富貴三義美術館提供「無論是我們對於藝術家本身的凝視，抑或是觀者對於雕塑的凝視，乃至於作品之間的互相凝視，都是展覽想要傳遞的『凝視』。」專案藝術總監邱瓊儀認為，一般人在接觸藝術時，經常覺得它過於抽象而難以理解，所以他期望能以「動物」這類大眾熟悉的主題，讓民眾能嘗試在藝術領域中，找到屬於自己與藝術家、藝術品之間的共鳴。觀眾鍾睿秀先生也說：「雖然我不太能掌握每一個作品確切的理念，但我在欣賞這些動物的時候，好像可以在牠們身上看到我某些狀態的樣子。」

作品〈林示右彳心直〉全貌，觀眾可攀爬連結下上床舖的梯子，從上方的視角俯瞰正下方的電視螢幕。　圖／詹晶雅攝【記者詹晶雅台北報導】「為了跟上生活節奏，我們勢必得忽視一些『不確定』，而失去重新檢視自我的機會。」國立臺北藝術大學美術學系碩士班學生林祐德舉辦個展《反正你明天就忘了》，嘗試回溯從童年時期至今的記憶，思考自我從何而來。展覽於4日起在平谷試誤所展出。 作品〈林示右彳心直〉局部，圖為以上舖的視角俯拍正下方電視的放映畫面。　圖／詹晶雅攝作品〈林示右彳心直〉的命名拆解自林祐德的名字，他說：「我從小至今都睡在上下舖，這空間是我最熟悉、親密而感到安全的。」因此，林祐德將下方的床鋪填滿五彩繽粉的發泡劑（註）營造童趣的意象，試著貼近童年的感受。發泡劑中平放一台電視，電視主播播報林祐德赤腳尋家的故事。「在快速的當代生活中，那些被迫忽視的事情，儘管很重要卻只能被遺棄。」他解釋，我們為了順應變化快速的社會，無意間遺忘生命中的重要記憶，他期望能透過赤腳尋家的過程找回家庭對自我的意義。註：發泡劑一般用於填補門窗或管線裂縫，可創造出不同形狀與層次的立體面。 作品〈口口口〉全貌，上方是以彩色發泡劑打造的大平台，下方的電視內則播放林祐德手持按摩棒或工程車摩擦皮膚，以及汽機車輪胎與路面接觸的特寫畫面。　圖／詹晶雅攝作品〈口口口〉是一座與視線平行的懸空平台，平台上舖有真實的泥土與草皮，並以彩色發泡劑形成數十座小山丘，上方有一輛玩具工程車以怪手挖掘草地，而一根直立的按摩棒正敲打泥土。平台下的電視播放林祐德手持按摩棒或工程車摩擦皮膚，以及汽機車輪胎接觸路面的特寫畫面。「有時難以辨別三者的區別，可能會誤認實際的路面是我的身體。」他藉由影像的切換模糊身體與地球的界線，想像皮膚延展至地球感受人類在地表的行為。林祐德進一步說明靈感來源，受疫情影響必須長時間待在房間，枯燥的生活下他試著將感知從身體放大到房間，試圖展現大自然和人類共生的概念，「身體提供人類自由變動的載體，而所有身體都是地球賦予的器官。」他說。 作品〈口口口〉局部，隆起的彩色發泡劑就像是一座座小山丘，圖中的玩具工程車正以怪手挖掘草地。　圖／詹晶雅攝「在渴望尋找自我的過程，發現有許多過往記憶在快速的生活步調中被遺忘。」林祐德表示，就讀研究所期間，意識到過去的創作主題過於龐大且複雜，於是他嘗試反思自己與周遭的關聯，察覺那些因沒人在乎而封藏的記憶，其實都是形塑自我的重要元素。因此，林祐德希望能藉由回到童年嬉戲玩耍的店鋪、找尋人類與自然的關聯性等形式拾回遺忘的記憶。 國立臺北藝術大學美術學系碩士班學生林祐德向觀眾導覽、介紹作品。　圖／詹晶雅攝觀眾陳怡溱認為，林祐德願意挖掘內心深處的感受相當難得，「不是所有人都會把自己的內心世界攤開給大家看，結合生命經驗的呈現手法，表現得非常成熟。」林祐德的友人吳瑩珊則分享，不論是林祐德本人還是他的創作都給人一種很溫柔、細膩的感覺，「他（林祐德）想講的可能是悲傷的，比如家庭的出身、我們是被創造的，但他的呈現十分溫暖。」吳瑩珊說。

藝術家鄭致廷於開幕當天進行導覽，與觀眾分享每件作品背後不同的故事。 　圖／林玟君攝【記者林玟君台北報導】染液滲透進布料參差的紋路裡，一雙手在其中探索布塊與自身的連結。藝術家鄭致廷於11月26日到12月8日在濕地紅樹林A區舉辦展覽《蛋殼堆疊的陸黏液拖行的路》，展覽作品為鄭致廷就讀國立東華大學藝術創意產業學系研究所期間開始的創作，以植物染（註）結合車縫法，並配合即興折疊手法完成。他透過染布，嘗試尋找自己與親人間的片刻記憶。註：植物染，是一種用天然植物染料，經過提取、製液及上色等一系列工序將織物進行染色的手工藝技術，是天然染的一種，與化學染色相對的概念。「整個過程（染布）就很像蛋殼從一顆蛋中破除，然後再慢慢拾起蛋殼。」鄭致廷解釋，在染好布塊後，看著布料上即興產出的圖案，再摸索出布塊傳達的意涵，這就如破殼而出的過程，因而以此命題。作品〈含羞草・大腿骨〉為鄭致廷試圖與過世父親連結的創作，他的父親是一名推拿師，以手整治人們錯位的關節脊椎，鄭致廷在染完這件作品後，在布料上看見了脊椎骨的圖案。鄭致廷從母親口中得知，父親生前最大的遺憾，是無法將自身的技術傳承給女兒。鄭致廷卻認為，即使父親無法將推拿技術傳承給他，但父親「手的能力」卻被變相地繼承下來。鄭致廷說明，「爸爸做推拿，我做植物染工藝，我們都透過手摸索這個世界，透過手去感受這個世界。」 藝術家鄭致廷身後的作品為〈含羞草・大腿骨〉，藉由即興創作後，布料上呈現出的脊椎骨形狀，讓他聯想到身為推拿師的父親。　圖／林玟君攝鄭致廷將這件作品結合裝置藝術，配合從布塊背後投射的光源，試圖呈現植物染料細膩的色彩變化。展覽主視覺設計者方玉如說明，打光後產生的陰影能反映鄭致廷面對父親時的心境，並呈現出他與父親陰陽兩隔的關係。展覽中的裝置藝術也使用懸吊設計，方玉如補充，「製造一種浮浮的感覺，呈現碎片從天上落下或是從地上昇華，代表有一些事情被他（鄭致廷）消化了，有些可能沒有。」 〈蛋殼堆疊的路黏液拖行的路〉為藝術家鄭致廷的植物染裝置藝術作品，將懸吊的布料比喻為人類破殼出生後的蛋殼碎片。　圖／林玟君攝鄭致廷創作的順序與常見的「先構想再創作」不同，他先浸染布塊完成創作，再從完成的作品中思索圖案與自身的連結。鄭致廷在染料選擇上也加入巧思，以植物染料取代化學染料，他點出植物染料的特性，「就算他是藍色，其實裡面的分子有紅色，有黃色，也有黑色。所以你看的時候，他不會那麼的單一、死板。」另外，他利用車縫法的特質製造布料上的圖案，「車縫機車過去的壓力會讓布非常緊實，車縫線又很細，很細的線那邊是染不到的。」他說。鄭致廷以植物染結合車縫法，再配合即興、折疊的方式，豐富藝術作品的色彩與紋路。 藝術家鄭致廷在染料選擇上，使用植物染料取代化學染料進行藝術創作。植物染料會受到空氣濕度、紫外線等不同環境因素的影響，能夠呈現出細膩的色彩變化。　圖／林玟君攝「與生命最相關的液體就是血液，他（植物染料）並不是我外部的東西，而是在我身體裡流動的。」鄭致廷說。他的植物染作品大多與生命議題相關，因而將植物染料比喻為血液，並以染料重新整理他生命路途上的記憶。觀眾謝宜蓉則分享，「我好像在這些作品裡可以看到，他（鄭致廷）與他家人那種血液裡的連結。」

螢幕中投影出Google 地圖中的蘭嶼定位所在地， 蔡東翰分享他與Yuli的相遇 過程。　圖／張念為提供【記者詹晶雅台東報導】「很多人覺得藝術的發展是因為科技，但我想說，你的精神必須戰勝這一切，科技才會真的成為藝術。」國立臺北藝術大學新媒體藝術學系學生蔡東翰，以講述式表演結合即時投影、彈奏與演唱等形式打造《Hey Yuli!》，探討虛擬影像能否延續生命，從11月25日起至27日在台東美術館共演出三個場次。 蔡東翰透過即時投影的形式，現場為Yuli畫一幅素描，右圖為Yuli真實面貌。　圖／張念為提供「咩——咩——」小羊的叫聲為演出拉開序幕，隨著羊叫聲的停止，蔡東翰從後台登場。正對觀眾席的大螢幕呈現一張台灣地圖，定位自台灣放大到台東，最終畫面停於蘭嶼的街道。蔡東翰介紹，他與白羊 Yuli相遇於一趟蘭嶼的暑期打工換宿，不過暑假結束時，卻聽聞Yuli遭野狗咬死的噩耗。因此，蔡東翰嘗試藉虛擬影像在大螢幕上再現Yuli，演出中他不斷反問自己，Yuli對他而言究竟是誰？於是蔡東翰在舞台翻閱書籍後說：「Yuli就是我內在小孩的化身！」 隨著燈光與音樂的變換，虛擬Yuli登場， 蔡東翰上台與之共舞。　圖／張念為提供蔡東翰表示，演出過程中他不停地在展場找尋Yuli的身影，直到用烏克麗麗彈唱完一首關於Yuli的歌曲後，Yuli從螢幕消失，他意識到，影像中的虛擬白羊並非Yuli。儘管Yuli已經逝去，不過Yuli的存在讓蔡東翰從中反思自身與周圍一切人事物的關係，「Yuli給我最大的禮物，是讓我好好的珍惜身邊的人，（Yuli）是我的力量。」他說。 蔡東翰寫了一首歌曲贈予Yuli，一邊彈奏烏克麗麗，一邊演唱。　圖／張念為提供蔡東翰解釋，雖然舞台、燈光和音效都屬於科技的一環，但他試著將《Hey Yuli!》的劇場技術占比降到最低，並希望透過這樣的安排凸顯Yuli的精神所在，讓自己對Yuli的情感傳遞更加真切。然而，影像僅能複製Yuli的容貌，卻無法延續生命，「我發現我有能力和牠（Yuli）再次相遇，我可以用影像再現牠（Yuli），可是說到底Yuli跟我的關係不能只有再現。」蔡東翰說。 螢幕中是蔡東翰為Yuli打造的超維度展開羊類圖，在他的歌聲中，演出緩緩落幕。　圖／張念為提供蔡東翰的朋友鄭涵玨分享對演出的體悟，「人生一直在變化，每一時分想到的事情都不一樣，不管未來怎麼樣，我們就是勇敢去做。」觀眾陳思涵則提到，即使人類能利用現有科技，透過照片或影像的形式保留過往記憶，但仍無法復刻創造回憶的當下，「Yuli最美的地方是因為牠是一個記憶，雖然消失，但會一直陪伴你。」他說。

【記者古宇恩台北報導】黯沉的炭時而整齊、時而紛亂地排列，在黃敬中的手下重新煥發不朽生命力。國立臺北藝術大學美術學系碩士班學生黃敬中，入選本屆台北國際藝術博覽會MIT新人推薦特區，展出一系列以「炭」為媒材的作品，傳達浴火重生的意象。展覽於21至24日在世貿一館展出。「我自己詮釋不要靜靜走入就是要大張旗鼓走到最後。」黃敬中解釋，《不要靜靜走入》系列作品下方一律以馬賽克鑲嵌手法規律地排出線條，上半部則均以筒形竹炭及不規則木炭相互交錯，讓畫面展現爆炸般向外擴張的能量，鼓舞曾歷經挫折的人。他表示，此系列作品取材自詩意呼應自身背景的詩作〈不要靜靜走入良夜〉（註一），詩中書寫對象即是年衰的父親，希望他不要輕易放棄生命，並把握生命餘光。註一：〈不要靜靜走入良夜〉為英國詩人狄倫．湯瑪斯（Dylan Thomas）為鼓舞自己風中殘燭的父親所創作的詩作，內容⼤意為要為⽣命繼續戰鬥，不要輕易放棄。 〈不要靜靜走入 #5〉上方筒狀竹炭及不規則木炭相互交錯，下方以馬賽克鑲嵌技法規則排列，同時展現衝突及共榮的美感。　圖／古宇恩攝展場中另一系列作品是《止於無窮》，其概念源自於泰戈爾的詩歌〈漂鳥〉（註二），以炭的性質連結人歷經苦難、突破試煉的過程，並以作品圓形的框架呼應最終達到圓滿的狀態。本次展出的〈止於無窮 #3〉，以立體的手法將筒形竹炭及不規則木炭排列成台灣島的形貌，佇立於以馬賽克手法拼貼而成的整齊「炭洋」。黃敬中表示，這件作品靈感源於對台灣曾被多次殖民、遭受諸多天災的歷史，「我們這個世代的人，在經過這些考驗之後，重新成長茁壯，成為一個新台灣的樣子。」註二：〈漂鳥〉為印度詩人泰戈爾的詩作，作品名稱取用詩中的一句：「讓生命美如夏花，讓死亡麗如秋葉，終止於衰竭的是死亡，但圓滿卻止於無窮。」 〈止於無窮 #3〉以位於畫面中央、透過筒形竹炭及不規則木炭拼湊而成的台灣島為特色，象徵台灣在經過淬鍊後，重新勃發新生命。　圖／古宇恩攝談及使用炭的契機，黃敬中表示最初想以竹創作，但礙於竹藝術品的發展已經相當廣泛，創作難以突破，於是進一步思考如何轉化，最後想到火煉後的炭。他認為炭是從有生命的有機體經過火燒形成彷彿死寂的狀態，但重新編排後，生命的力量得以再次體現。「利用曾經的苦難或是疼痛，進行轉化，使炭變成一股再生的力量。」他說。從事奈米碳管材料業的觀眾顏超德表示，這項驚豔的作品使他在閱覽整個展覽後，仍想要回頭欣賞，「炭的應用生活中無處不見，但在藝術呈現上卻從未見過。」他說。 除了透過竹炭之外，藝術家後期也運用其他種類的炭如木炭、橄欖核炭等，讓畫面的呈現充滿更多可能性。　圖／古宇恩攝炭單一且灰暗的性質，常使黃敬中受其他媒材吸引。然而他認為炭的作品在台灣極為罕見，抱持著期望炭在藝術界發酵的想法，會堅持目前路線。藝術經理人譚竣鴻也說：「藝術家去掉彩度上的表達，以單色系聚焦媒材意涵、家庭及詩意，反而更能體現他個人內斂的特質。」他表示，這樣的特質也是黃敬中的作品在眾多繽紛作品環伺下突出的關鍵。 國立臺北藝術大學美術學系碩士班學生黃敬中的父親為南投縣竹山鎮人，祖父曾從事竹造紙事業，因此以竹作為媒材發想的出發點。　圖／古宇恩攝

【記者黃亭茹綜合報導】陽光傾瀉在廣大的草皮上，藝術家隨著柔和的樂聲緩緩起舞。剛畢業於朝陽科技大學影像傳播學系的黃葻，在2021「淨土─國際行為藝術節」進行行為展演《提起我的腳，抬起我的腿》，從身、心靈融合為一的舞蹈中，享受生命的萌芽與凋謝。作品分別於4、5日在台北市寶藏巖地段和烏來老街發表。 創作者黃葻運用天賦般的靈活身體舞動，挑戰人的身體的極限美感與完整平衡。　圖／黃亭茹攝黃葻緊閉著雙眼，全心全意地投入自我精神與四肢的平衡狀態，隨著樂聲的流淌，他時而趴下至貼近草地、時而彎曲成拱門狀，動作隨當下的思考狀態而異。此次行為藝術節的協同策展人貝嶺說：「黃葻讓自己的身體承受力達到最大的極限，運用身體彎曲度、全精神投入的方式挑戰『極限』的美感。」他也補充，黃葻以女性的視角探討人的身體是如何透過自我挑戰，達到最完整的平衡。此次為黃葻首度公開的行為展演，即使他在學校主修影像傳播，也能運用與生俱來的身體能動性，以及天賦般的靈活四肢來舞動，舞蹈對他來說即是行為。他說：「我想要化自己為一隻小鳥，用行為展演的方式把生命的最初到結束，自然地展現出來。」黃葻說明，過程中的肢體設計是「完全即興的」，他認為，人們腦海中的想法無時無刻都在變化，故透過「無經設計的肢體展演」更能夠傳達出個人之於世界的變化莫測。他說：「用盡全力的感受同時抬起我的雙腳，是我對身體表示尊敬與感謝的方式。」也呼應展演名稱《提起我的腳，抬起我的腿》。黃葻補充，他在一次車禍後才開始投入肢體展演，在經歷重大手術後的雙腿竟還能做這樣神聖的事，他為此感到訝異。 當天陽光和煦，溫和地灑落於草地，賦予展演更豐富的層次與視覺效果。　圖／黃亭茹攝在展演當下，觀眾們有的放鬆地躺臥在草皮上、有的專注地直盯前方，欣賞著黃葻美妙的體態，一同體會如小鳥般從成長到死亡的平凡與美好。觀眾林柏均感動地說：「他看見了黃葻在展演過程中的極大勇氣，以及強烈的情緒渲染力，他一定很享受其中。」另一位觀眾蕭綺均則表示，展演者從原本的站姿，轉變為全身貼近地面的樣態，呈現身體跟土地的親密交織感，而沾上草的身體，讓原本散發神秘與肅靜的氛圍增添了一絲溫柔和寬容，不禁使他沈浸於黃葻柔美的肢體演出。自由展示身體於他人面前並不是容易的事，黃葻提到，誠實面對自己是他一直很想挑戰的事，過往藏在攝影機後頭的他，第一次把防護罩卸下，以最真實、最赤裸的心境與情緒展現在眾人眼前。他興奮地說：「我想讓觀眾有所『共感』，讓他們在觀賞展演時能有所感動。」他進一步補充，或許此次以直接的肢體呈現，也是一種表達、對話、宣洩與和解的方式。 觀眾們專注的看著展演，細細感受創作者黃葻的肢體展演所傳達出的情緒與意義。　圖／黃亭茹攝