【記者李香霆台北報導】光線灑落在一座缺少鐘擺的老舊古董鐘，時間因此走得太快、太趕。國立臺北藝術大學美術學系碩士生賴彥勳，6日起在台北叢口舉辦個展《我生得太晚，你死得太趕。》，以雕塑、繪畫、攝影等技法，體現他對現階段創作狀態與環境的思考。 「安排好的狀態不一定最好，有時突如其來的變化反而能帶來更多可能性。」賴彥勳說。〈我在她的後頸看見寂靜〉是一座犬科動物雕塑，但在燒製過程中，後頸接合處卻意外出現裂痕。他聯想到過去在救護工作中，一個看似在休息的老婦人，趨近後發現他早已沒有氣息。原本想放棄作品的他覺得這和此雕塑正面完好無缺，但後頸卻有裂痕的模樣相似，反而為作品找到了新意義。「當重新發現作品自我演化的新狀態時，我反而像是重新認識了這個作品。」賴彥勳補充道。 在《生命願望的具體實踐》系列中，賴彥勳以去顏料的手法，創作〈放過自己31次〉、〈108次入夢〉、〈92歲的84次留戀〉。作品分別呈現憂鬱症、長期失眠與慢性病患者的處方籤，他將藥單內的所有藥物搗碎後，呈現在畫布上。觀眾卓予杰說道：「苦難是抽象的概念或心理狀態，他卻用量化藥物的方式把痛苦展現出來。」賴彥勳認為規律用藥反映人對於生命的留戀與執著，「吃藥像是人類在對抗自然，當生存的願望大於命運時，你必須憑個人意志選擇吃藥，才能實現願望。」 賴彥勳將去顏料的手法延伸至調味料，創作《城市田園風景》系列作品。他依照各戶家庭在同個飯點時散發的不同氣味選用調味料。「作品內容裡有食譜的安排，194號吃的是咖哩飯，所以畫作上有咖哩粉、薑黃、米粉等；196號則有義大利香料、孜然、七味粉、大蒜、胡椒等，就像一道義大利料理。」他解釋。賴彥勳以多種常見調味料描繪台灣獨特的騎樓田園文化。觀眾趙鐸分享說：「這幅畫不侷限在畫框，因為它還有氣味，氣味間的關係可以帶人通往這戶人家的廚房、飯桌。」 異國求學的經驗提升賴彥勳對「物」的敏感度，使他重新詮釋物質的意義與美學。他說：「一般人買藥是為了治病，但我卻拿來做「不務正業」的事，對這個藥而言是非典型的使用方式，而這過程中誕生詩性。」他認為，使用非典型材料創作時，創作的勞動過程與材料完成後的實用價值往往不成比例，但這種落差讓他再次思考「材料」本身的意義。「這些作品不是用常見的藝術類型傳達訊息，除了整體作品的意涵，媒材本身要表現的內容也值得玩味。」觀眾趙鐸說。

【記者邱昭華綜合報導】「我試著拆解水墨畫的媒材，去進行有別傳統的排列組合。」國立臺北藝術大學美術學系學士班陳竫虹26日起在國立臺北藝術大學南北藝廊，舉辦創作個展《明淨》，希望透過作品跳脫「紙張輔佐水墨」的既定印象，拓展紙材創作的可能性。陳竫虹以往的創作多是傳統水墨與膠彩畫，但他認為若只專注在筆墨技法，容易落入文人畫的固定模式。因此，他在《明淨》中首次嘗試以「裱紙」作為創作主體，顛覆大眾對水墨畫的傳統印象，並使用空間裝置探索當代水墨的新穎面向。國立臺北藝術大學美術學系學士班李欣諭認為，《明淨》用紙張當作主要媒材，讓作品空間感更為突出。「在傳統上，無論是國畫或是其他繪畫，顏料皆需不斷覆蓋於紙上，才能夠使一幅作品更趨近於完成。」陳竫虹表示，他在作品〈0〉中試圖打破此框架，反轉「墨在前、紙在後」的圖層概念。他先將濃墨塗在一張宣紙上，接著不斷疊加經剪裁或撕碎的紙，「這件作品的底墨像是紙，而上面的紙反而像墨一樣。」陳竫虹拋開作畫慣用手法，堆疊出厚度不一的紙層於水底墨上，使其底墨透出不同深淺的顏色變化，提供觀者欣賞水墨畫的新視角。國立臺北藝術大學美術學系學士班楊之涵觀展後，對〈0〉留下深刻印象，他說：「這件作品似乎挪用了西方圖地反轉的概念，顛倒紙墨的主客關係，是相當有趣的畫面。」 〈0〉是以濃墨作底，疊加剪裁或撕碎過的宣紙於墨上，打破以往用墨作畫的框架。　圖／陳竫虹提供陳竫虹也在創作加入書畫裝裱中「裱褙」的手法，有別以往多將紙材裱於布或絲織品上，他使用木塊襯底並黏糊宣紙。作品〈留白〉遠看像是塗上白色油漆的立體圖形，近看則是宣紙附著於表層。「我當時在思考，如果水墨畫不再是從平面中出發，而是從立體雕塑去創作，會產生什麼樣的結果。」陳竫虹解釋，他運用裱褙的方式，把潔白純粹的宣紙貼附在立體裝置上，再利用展場燈光與雕塑品凹凸不平的外觀，形成光影的漸層。 〈留白〉是陳竫虹此展第一件誕生的作品，他以擅長的裱褙技法結合木工，創作出立體雕塑。　圖／陳竫虹提供不同於展場其他作品，〈無題〉不只使用宣紙，也應用雲龍紙作為創作媒材。「雲龍紙的纖維明顯且粗糙，但宣紙卻是平整和光滑。」陳竫虹說明，在雲龍紙上疊加剪裁過後的宣紙，讓下方的雲龍紙在作品右上角露出，透過原始紙張及加工過後的兩種狀態，形塑出材質間的強烈對比。他也選擇天然糨糊作為紙張黏著劑，讓紙張達到一定厚度後自然崩裂，凸顯材質本身的美感。此外，陳竫虹刻意調整間距去堆疊紙張，使顏色接近透明的宣紙產生層次變化，強化其存在感。 〈無題〉運用雲龍紙及宣紙兩種紙材，形成材質間的對比。另外，逐漸崩解的作品邊緣，已形成不規則的線條與突起。　圖／邱昭華攝

【記者李雨羲綜合報導】「每一位藝術家都需要花時間去凝視自己的狀態，最後再以作品投射出來。」由八位藝術家共同參展的《【凝視 Gazing Ones】動物創作聯展 2023 Animal Art Exhibiton》，於7日在富貴三義美術館開展。展覽以動物作為創作中心，透過多媒材雕塑的方式，表達藝術家各自的生命經驗與自我探索的結果。其中，來自國立臺灣藝術大學雕塑學系的林聖啟，展出了以金屬為媒材，並結合動植物元素的雕塑作品，將他所「凝視」到的生活，與內心所想像的「美好」呈現給觀眾。 林聖啟表示〈序曲〉是自己創作生涯中的一個轉捩點，也確立了他的創作風格與方向，命名靈感則源於《坂本龍一：終章》。　 圖 / 富貴三義美術館提供在構思創作主題時，林聖啟從他與祖父母生活的童年經歷出發，展現植物與神話中珍奇異獸的結合。由於家中十分重視祭拜儀式，在「神明桌」的陪伴下長大的林聖啟，便對於壁畫中神明的坐騎有著深深的烙印，「很多影集都以鹿作為有神靈性的代表動物，所以一般民眾對於兩者的連結也會比較有共鳴。」在作品〈序曲〉及其續作〈序曲—春〉中，他便選擇鹿作為創作原型，以紅銅燃燒製作成的玫瑰花瓣包覆住軀體，並利用開花的樹枝製成鹿角，透過植物元素堆疊的方式，增加作品的生命力。 〈序曲 — 春〉的葉子皆是以紅銅製作，因為紅銅本身材質柔軟，無論是敲痕或紋路的變化，皆比其他金屬更加多元。 　圖／林聖啟提供「在觀察鹿群的過程中，牠們總是讓我有種特別的悸動感。」創作期間，林聖啟不僅在網路上查看相關資料，甚至也到農場親自接觸鹿群，觀察牠們的一舉一動和習性。其中，最讓林聖啟有感觸的便是鹿群「飲水」的姿態。他提到，野生鹿在飲水時，仍需警惕四周有無天敵，因此神情或狀態都十分緊繃，但這樣的舉動在人類眼裡，卻流露出牠們非比尋常的纖細與優雅。因此，在作品〈鏡中花—春水〉之中，林聖啟選擇創作出人類「凝視」到的祥和瞬間。他以不同溫度燃燒後的紅銅色澤，製造如負片效果般的鹿身花紋，也利用不銹鋼光滑鏡面的視覺效果，呈現清澈的水波紋，傳達出靜謐的氛圍與感受。 專案藝術總監邱瓊儀提到，在觀眾凝視〈鏡中花 — 春水〉的同時，展場其他作品也在凝視著觀眾。 　圖 / 富貴三義美術館提供而在作品〈繁榮—棠〉中，林聖啟則參考自己飼養的孔雀魚與鬥魚進行創作，他透過綻開的樹枝與花朵，呈現魚尾的延展性與游動時的動態感。不同於一般的金屬雕塑，林聖啟認為既然選擇了紅銅作為媒材，應嘗試發揮它本身的特性製作。因此，他在色彩的安排上，放棄了常見的烤漆上色，而是利用紅銅接觸到不同溫度後，所轉變的紅、金、黑色進行編排，增加作品的視覺趣味性。林聖啟解釋，魚尾的黑色玫瑰花便是將紅銅放入烤箱後，再反覆加熱而成。 〈繁榮 — 棠〉被刻意安排在落地窗前，使窗外綠意盎然的植物和它產生互動性與色彩的對比。　 圖 / 富貴三義美術館提供「無論是我們對於藝術家本身的凝視，抑或是觀者對於雕塑的凝視，乃至於作品之間的互相凝視，都是展覽想要傳遞的『凝視』。」專案藝術總監邱瓊儀認為，一般人在接觸藝術時，經常覺得它過於抽象而難以理解，所以他期望能以「動物」這類大眾熟悉的主題，讓民眾能嘗試在藝術領域中，找到屬於自己與藝術家、藝術品之間的共鳴。觀眾鍾睿秀先生也說：「雖然我不太能掌握每一個作品確切的理念，但我在欣賞這些動物的時候，好像可以在牠們身上看到我某些狀態的樣子。」

〈偏軸華爾滋〉垂掛的炭筆隨旋轉軌跡在純白牆面劃下一道道黑色弧線，牆面如同一幅繪畫作品。　圖／何予攝【記者何予綜合報導】「在我的作品中，隨機性一直都蠻重要的，我希望它是浮動的，甚至是會壞掉的。」就讀國立臺北藝術大學美術創作研究所的鄭文豪創作《震盪之前》，在2022臺北美術獎獲得入選獎。作品自12月10日至2月19日於臺北市立美術館展覽室3A、3B展出。鄭文豪重新組裝拾得廢棄物並結合動力裝置，重現過去家中工廠機台的身影與聲響，藉以緬懷隨時代淘汰的家庭記憶。麥克風架裝設著規律旋轉的馬達，上方以銅條綁著炭筆，隨著旋轉軌跡在純白的牆面上劃下一道又一道黑色弧線。展期間，鄭文豪會不定期更換動力裝置〈偏軸華爾滋〉炭筆並微調麥克風架擺放位置，讓痕跡慢慢佈滿純白的牆面。「重點是在空間中留下一些痕跡。」鄭文豪重視廢棄物隨時間消耗殆盡的過程，因此在作品中使用炭筆、陶土塊、泡泡水等物件，藉此讓物件隨時間與過程消耗的特性被呈現在展場中。 鄭文豪重視廢棄物隨時間消耗殆盡的過程，因此使用陶製指頭。陶土塊在敲擊琴鍵時會產生碎裂，每次敲擊的位置、精準度和重量都會隨時間發生變化。　圖／何予攝鄭文豪將馬達、中古鋼琴、大型機具拆卸下的風管組合成複雜的大型拼裝物〈暗渠迴旋〉，透過凸輪裝置（註）和陶土製手指在琴鍵上敲擊，不和諧的音符與馬達敲擊響鈸的聲響貫徹展間。他透過拼裝動力機械和樂器，呈現工廠消失前吵雜、混沌的環境聲。「一開始以為他要彈奏什麼曲子，仔細聽又沒有，可是會意識到他在高音和低音的安排上還是有一點順序。」現場觀眾劉書妤表示，樂器聲響以及運轉中的機械讓他聯想到規律運行的宇宙。註：凸輪透過設計的不規則輪廓曲線，可使從動件產生預期的運動規律或傳送動力，被廣泛運用於各種自動化機械裝置中。鄭文豪家中曾經營傳統產業工廠，後因產業轉型被迫淘汰，轉為經營中古鋼琴買賣。「工廠一樓大型機具在運轉的同時，二樓會有工整的音律在彈奏，聲響是非常混雜的。」鄭文豪透過此展將記憶與過往的感官經驗融入創作，將其轉化為作品〈暗渠迴旋〉，他表示，記憶中混雜的身體感受，遠大於拼裝藝術作品的複雜程度，「那個吵雜、混沌環境的消失，確實對我有影響。像是有個身體記憶消失了。」他說。 〈暗渠迴旋〉中撿拾來的物件雖被丟棄，卻仍留有部分功能。鄭文豪保留其剩餘功能性並重新組織其用途，例如兩側的拐杖和斷掉的木製椅腳仍作為支撐功能被使用。　圖／何予攝「我不是要把它重現出來，而是用我會的語言去表達消逝的部分。」鄭文豪以自己的成長背景作為材料，希望透過作品呈現出物件隨時間變得無用的過程，來回應自家工廠隨時代淘汰的過往。他也認為，即便廢棄物重新組裝後無法產生實用價值和意義，但當觀眾思考作品帶給自身的感受，這個存在狀態就是有意義的，「雖然它們被丟棄了，可是在這刻又被我拉回來。」他說。 炭筆留下的黑色線段如同五線譜，與空間中的聲音相互呼應。展期間，鄭文豪會不定期更換炭筆並微調麥克風架擺放位置，讓痕跡慢慢佈滿純白牆面。　圖／何予攝

廢棄廣播電塔影像印在隨處可見的A3紙上，連接成一長條，猶如天梯。作品〈Ladder A3〉沿對角線橫跨整個展場。　圖／何予攝【記者何予台北報導】「希望在被拆除、被遺忘之前，你至少再看它一眼。」國立臺灣藝術大學雕塑學系碩士生丘智偉舉辦個展《1：1》，在10月28日於臺藝大雕塑系實驗展場開幕，共展出兩系列作品，分別是以鄰近臺藝大的台北紙廠為創作對象的《Paper Factory》，以及結合攝影的空間裝置《Ladder》。 作品〈Paper Factory：A4〉以透片與燈管做成裝置，此次利用了空間中的排風口，空氣造成光線與透片的擾動。　圖／何予攝丘智偉以透片與燈管做成攝影裝置作品〈Paper Factory：A4〉，並在印有紙廠影像的透片中央，置入A4大小的空白。丘智偉認為，現實空間不斷在變動，但影像只能捕捉片斷，「留白、留出空缺，就會變成一個可以想像的空間。」放置在地面展出的作品〈Paper Factory〉，以1：1的比例將紙廠轉換為影像，再切分成4800份，從中挑選480張輸出成A4大小疊成一落，再將原先的4800張影像用投影機在紙面上快速輪播，回應持續變動的時空。丘智偉表示，過程中曾嘗試完整疊放4800張紙，但他認為高至大腿的紙堆，不夠符合紙廠即將消逝的狀態，「我想要讓他薄薄的、甚至被忽略。」他說。 放置在地面展出的作品〈Paper Factory〉，在紙堆上投影出紙廠影像，中間則快速輪播4800張照片。　圖／何予攝「我稱之為紀念碑，因為它去功能化了。它現在唯一的功能，就是勾起我小時候的回憶。」丘智偉將廢棄的廣播電塔影像放大至10多層樓高，印在隨處可見的A3紙上，連接成一長條，完成此次展出的新作〈Ladder A3〉。丘智偉談及自己與電塔的關係，是從兒時在父親車上收聽廣播開始，這個經驗養成他在通勤途中的聆聽習慣。然而，當他再次接觸到廣播電塔時，它竟已成為廢棄物，讓他感受到事物隨時間衰敗的衝擊。他選用有別於相紙或底片的影像載體，以隨意、輕薄的紙材傳達這些建築體不再被重視的處境，也呈現記憶容易被消耗、毀損的特性。 有別於一般藝術展場的觀看經驗，觀眾可以選擇繞過展品，也可以直接從作品上方跨越。　圖／何予攝在兩系列作品中，丘智偉玩轉影像呈現的尺度，為觀眾帶來不同的感官經驗。「這次展品給我最大的感受，就是不一樣的身體感。」現場觀眾吳宇軒表示，面對展場裡的巨幅展品和觀看一張照片的感受相當不同。臺藝大雕塑學系助理教授劉千瑋也說明，作品的尺度跟身體的感受是對應的，他說：「身體參與的方式很不一樣，好像真的踩進去某個場景裡。」「我轉化這麼多奇奇怪怪的形式，目的很簡單，希望他們再被看到一次。」丘智偉表示，他的創作對象就是一個即將消失的空間，總有一天，這些事物只能出現在其他地方，以其他的形式呈現。他更進一步說明，物件在遠離現場後，觀者的觀看體驗必然會不同，藝術家只能透過創作盡量還原空間之於個人的記憶與感受。 丘智偉將廣播電塔影像1：1放大，投影在牆面，作品〈Sky Ladder〉影像會不斷向上延伸。透過不同尺寸，塑造不同的身體感。　圖／何予攝

【記者謝承學綜合報導】一張由木頭刻成的臉帶著不安的神情微皺眉頭，側放在由石灰岩製成的圓形台座上，帶著迷惘看著前方。《常寂—呂文、林辰勳、黃明鍾雕塑聯展》於10月16日至12月9日，在台中大美無言藝術空間展出，訴說生命中的孤寂。「藝術家是孤單的，創作者在面對自己的靈感是一個人的，在一個人的時候才能精準地把自己的想法表現到作品上。」呂文解釋。〈Okinawa Feeling〉是呂文在沖繩駐地創作時的作品。作品上半部以日本樟木製成，呂文刻上自己不安的臉，表達他在異地生活的緊張，底座的珊瑚礁則象徵沖繩。他回憶，沖繩晚上很冷清，他獨自在沖繩街上找晚餐時，格外寂寞。林辰勳說：「呂文做的常寂是生活中的某些片刻，比較日記式的紀錄。」 呂文在沖繩駐地做的作品〈Okinawa Feeling〉，表達獨自在外地的不安和緊張的感覺。　圖／謝承學攝《手掌紋系列》作品則是呂文與身邊人的情感紀錄，呂文刻出自己、女友和奶奶獨一無二的手掌紋。「雕塑的意義是記錄事情。」呂文說明，木頭顏色代表對雕刻對象的情感表現，例如紅色代表熱情高亢。林辰勳認為，呂文以細膩的情感、質樸的方式表達對於奶奶去世的想念，簡單但有溫度。 呂文的《手掌紋系列》中其中一個作品〈妳〉，本作品以作者的女友的手掌紋做參考，紅色的木頭顏色象徵對她的熱情。　圖／謝承學攝 「在我的創作經驗裡，作品組裝完成的那剎那是相當感動的，但是下一秒就會看到很多問題、不滿意之處，隨即又陷入深思調整的狀態之中。」呂文舉〈Okinawa Feeling〉為例，作品中的大臉和石頭台座是分開做的，但當它們組合時，呂文心中有一種無法形容的感動，但同時卻發現角度不對、刀痕不好，「不過那種開心的感覺，就是我持續追求創作的動力。」呂文表示。 呂文說：「建議觀眾不要事先做功課，用開闊的心境來欣賞，才有開放的想法。」觀眾、就讀東海大學社會工作學系三年級的蘇聖洺說：「〈Okinawa Feeling〉的創作理念讓我想到社會學中的『文化震撼』（註）。」觀眾蘇雍慈表示，在觀看呂文的〈Okinawa Feeling〉時，想起自己在國外讀書的時候，雖然外國什麼都好，但終究不是自己的家。註：文化震撼，指一個人或者一個組織身處不同國家的文化或不一樣的環境而出現的一種困惑、焦慮的狀況。 本次雕塑展的展場大美無言藝術空間，禪風的構思與現代化的建築設計，提供觀眾一個舒適的藝術體驗。　圖／謝承學攝

【記者倪旻勤台中報導】西裝革履、面貌相仿的木雕人像，站在規矩排列的藍色木塊上，面朝同一方。就讀國立台灣藝術大學雕塑學系所的耿傑生舉辦個展《合群Fit In》，展覽以木雕作品結合複合媒材，探討上班族的共通性與生活中的壓抑。 耿傑生作品《合群Ⅲ》，上班族的生活範圍被限縮在一個個藍色方塊中，呈現它們守規矩、不反抗的模樣。　圖／倪旻勤攝《合群Fit In》自20日起，在大象藝術空間館展開為期一個月的展覽。耿傑生認為，上班族是個容易被忽略的群體，「在閱讀他們的時候覺得無聊、他們怎麼那麼合乎規矩？」但每個人應該有不同追求。作品〈合群Ⅱ〉中，上班族形象的木雕人像佇立在金屬球上搖擺，隨著滾動的速率不同，它們逐漸集結為不同群體，象徵人們的聚散，同時彰顯著社會秩序或結構；在〈合群Ⅳ〉中，人像雖坐在不同台座上，卻做著相同動作，耿傑生想透過作品提醒觀者，生活中的理想狀態也許是經由模仿而來，「你聽上班族抱怨說我不想上班、我的夢想是開一間咖啡店，這個東西好像複製到每個人的夢想裡面。」 耿傑生作品《合群Ⅱ》，上班族對生活沒有明確目標，理想可能是由模仿而成的。　圖／倪旻勤攝耿傑生對上班族的關心，最初源於大學畢業前的焦慮，「沒有持續創作的話，我可能會過相對穩定的生活。」走上創作路後，耿傑生選擇繼續觀察上班族，「我覺得現在藝術創作大部分的題材比較偏向自由或社會低階層，可是上班族也有很多東西可以討論。」如作品〈沒事〉便以動態影像結合雕塑品，動態影像為上班族獨坐在公園長椅，邊吃東西、邊看手機，雕刻品則為錄像中的長椅，然而卻以坍塌的形象呈現，讓民眾思考上班族表現出的輕鬆是否真實。台藝大雕塑學系副教授、耿傑生指導教授宋璽德表示，與其專注耿傑生的木雕，不如著重於他對社會的見解，「他能夠透過雕刻呈現年輕人對社會的觀察，所以探討他的作品應該以群像來思考。」大象藝術空間館總監鍾經新指出，雖然耿傑生的物件很寫實，「但它包含很多哲理在裡面。」 耿傑生的木雕技術純熟，擅長雕刻精細的人像，除了臉部與皮膚之外的地方皆會仔細上色。　圖／倪旻勤攝在耿傑生規劃下，此次展覽並無設置作品介紹，起因為他希望觀展民眾自行走近、感受作品氛圍。他認為，民眾通常依賴專家解讀，但其實自行感受、共鳴，也能接近藝術品。觀展民眾林珮榆表示，他能在觀賞過程，感受到上班族的壓抑，「覺得真的跟自己有相似之處，在這個社會上要合群，但心裡渴望自己有獨特之處。」特別的是，開展前耿傑生刻意將〈合群Ⅲ〉中的一塊藍色方塊放歪。耿傑生觀察到，很快有人將其擺正，也正應驗了民眾會下意識地改變身體移動、配合藍色方塊的規則。「就像是我們的一種順從性。」耿傑生解釋，無意間，民眾已經受到作品的規律影響。

【記者孫佾妘台北報導】木雕乳牛身上的斑紋化為凸出的長方體，一旁的台灣黑熊胸前白色V領也以立體方塊展現。目前就讀國立台灣藝術大學雕塑研究所的林安常，將動物和建築物的外型結合，9月21日起在秋刀魚藝術中心舉辦《物構築》個人雕塑展，展出《異象乘載》系列作品。 林安常介紹木雕乳牛〈逐棟建構〉，表示在後期作品建築的形態更被簡化，更融合為作品的一部份。　圖／孫佾妘攝林安常創作時喜愛結合具衝突性的兩種物象，例如他過去曾將人與動物組合在一起，形成怪異卻具特色的風格。喜愛收藏木雕的參觀者林志亮表示，最喜歡的展品是〈游移的居所〉，桃紅色使他感到舒服而且喜氣。但對於作品特殊的呈現方式，林志亮坦言，若沒有導覽，很難理解創作原意。「我會直接把房子卡在動物身上，動物就是象徵自然環境的部分，建築物則是相對人工的東西。」林安常解釋，人造的建築物矗立於土地上，如同雕刻時將木頭鑲嵌於平面。以本次展覽的作品〈寒城暖光〉為例，他將房子作為穿山甲的鱗片，藉它的密集排列呈現聚落或城市的感覺。 參觀者所喜愛的魚〈游移的居所〉，他認為該作品有著傳統喜氣和吉祥的感受。後方則是和建物結合的大翅鯨〈淺海潛行〉。　圖／孫佾妘攝 本次展覽封面主題穿山甲〈寒城暖光〉，林安常將鱗片設計成房子的樣貌，藉它的密集排列呈現聚落的感覺。　圖／孫佾妘攝林安常表示，自己雕塑時不太挑木頭，因為資源有限，且他習慣保留木材原貌，因此多利用鑲嵌、榫接的拼湊手法。「我覺得那就是木材的特性，沒有必要去閃躲他。」像〈東邊的居所〉以及〈人工溼地〉，皆使用多塊木材組合，以不同木紋的共組滿足他對雕塑的嘗試欲。林安常談到，比起傳達的理念，近期他更投入在如何呈現木頭的本質。本次策展人、秋刀魚藝術中心總監廖苑如表示，曾在過去的聯展中被林安常的作品吸引，進而透過他的老師聯繫上他，「覺得他滿有自己的符號跟語彙。」就讀台藝大雕塑學系的周晏旭則對展覽內的〈東邊的居所〉最有興趣，並讚嘆林安常精細的刀法，「很少人可以做到這麼精緻」。 林安常介紹木雕青蛙〈人工溼地〉，解釋它的各部位皆由不同塊木頭所組成。　圖／孫佾妘攝 利用多塊木頭所組成的豬〈東邊的居所〉，細看可發現接痕與凹洞，皆是創作者刻意保留木頭原貌所留下的痕跡。　圖／孫佾妘攝

【記者徐安萱綜合報導】元智大學光電工程學系的吳宇軒（維京）是名雕塑、模型創作者，他擅長創作怪獸、宗教、神話故事等題材，以及「克蘇魯神話」中，各式各樣長相獵奇的角色。在模型、雕塑圈小有名氣的他，作品也登上「2017 Reality Fantasy開拓模型祭」。「創作各種怪獸生物對我們來說不是工作，而是一種生活態度與方式。」吳宇軒自稱是個怪人，從小就對神話故事、怪獸題材相當感興趣。克蘇魯神話（Cthulhu Mythos）是美國作家加洛夫克拉夫特（H.P.Lovercraft）創作的架空奇幻恐怖小說，描寫對「未知」的恐懼與許多不可名狀的神明、怪獸，現代許多影視、遊戲作品中的獵奇元素幾乎都受其影響。他表示，以自己的想像重現書中或故事中的事物，是一件非常享受的事。 〈修羅〉主要媒材為精雕油土，尖銳處使用塑鋼土避免碰撞變形。骨架部分為鐵線及鋁箔紙。　圖／吳宇軒提供吳宇軒擅長將寫實與幻想融合，學習雕塑後他開始企圖用自己的解讀與想像來呈現作品。作品〈修羅〉是他第一件大型的人型原創雕塑，靈感來自於印度教的代表性角色，介於神、鬼、人之間的「阿修羅」。〈修羅〉歷時將近一個月，作品表面充滿細微的皮膚紋理，他表示，臉部製作參考阿修羅在神話中的部分形象，再用臉部肌肉解剖圖作為輔助，「嘗試將自己的幻想用真實質感呈現，在現實中帶有一點虛幻」。 〈偉大的紅龍〉媒材為精雕油土，翅膀翼膜使用軟油土，其餘骨架為鐵線與鋁線。　圖／吳宇軒提供接觸雕塑約兩年的吳宇軒，在今年創作了《蛻變》系列作品，他說：「從雕塑新手轉為原創作者的身分，是一個脫胎換骨的概念。」該系列的第一號作品〈偉大的紅龍〉，靈感源自於曾被改編為電影《紅龍》的畫作〈偉大的紅龍與日光蔽體的女人〉。紅龍在電影中象徵進化與蛻變，他表示，「蛻變」符合他這兩年來的經歷與變化，因此將經典畫作立體化，「原畫作只畫出紅龍的背面，所以正面都是參考資料加上自己的想像所創作完成」。 〈偉大的紅龍〉本體為人形生物，吳宇軒參考人體肌肉解剖來呈現肌肉組成。　圖／吳宇軒提供除了大量參考人體解剖來呈現肌肉組成外，〈偉大的紅龍〉在皮膚質感上，採用了與〈修羅〉不同的工法。〈修羅〉採用「切」紋路的方式，吳宇軒表示，如此會呈現類似傷痕的質感，用來表現阿修羅的粗糙、硬皮，但不適合細緻的皮膚紋理。〈偉大的紅龍〉則使用工具「刮除」油土來製作紋路，除了提升精緻度，也更貼近人類的皮膚質感。 〈星際大戰ATAT沼澤場景〉生鏽質感與舊化戰損的呈現，參考現實中的水汙漬，使用「漬洗」工法。　圖／吳宇軒提供除了雕塑，從小熱愛電影《星際大戰》的吳宇軒也製作出模型作品〈星際大戰ATAT沼澤場景〉，這是他第一件有完整場景的模型。他表示，自己偏好寫實的創作與上色風格，以工具或顏色展現不同的質感。「走獸ATAT」是《星際大戰》中的武器，因此他在模型本體畫上大量鏽痕，採取舊化塗裝，呈現出在現實中變為廢墟的感覺，「生鏽代表環境非常潮濕，所以最後將場景設為沼澤」。吳宇軒說：「自己不再像新手時期漫無目標的臨摹，現在題材方向與風格漸漸明確，就能注入自己的理念與想法在作品中。」目前他在臉書（Facebook）粉絲專頁兼職販售作品，他表示，會開始玩雕塑是為了有一天能進電影美術特效團隊。他也期許自己，未來在作品中加入台灣本土習俗或環境相關元素，讓更多人注意到台灣被忽略的美好、認識來自台灣的創作者。

【記者周瑩慈新北報導】「人類飼養食用豬、牛，為何沒有飼養食用貓、狗，甚至人類？」一件作品的理念，便呈現林辰勳反諷的創作風格。年僅二十四歲，已累積共二十多次獲獎及展覽經驗，更有兩件作品由澳洲的白兔美術館（White Rabbit Gallery）收藏。國立台灣藝術大學雕塑學系研究所學生林辰勳，以寫實的人與動物雕塑諷刺人性。「影響我創作最大的應該是審美經驗的養成。」林辰勳的父親也是藝術創作者，常利用枯枝、泥土進行創作，潛移默化間影響他的審美觀和風格。「枯枝、泥土、蠟這些都是會隨時間腐朽的東西，但我覺得那才接近真實，就像人也無法永垂不朽。」他說道，這種真實、不做作，就是他探討人性黑暗及矛盾的原因。原先以人體為創作主軸的他，並沒有特定的模特兒，而是觀察路人的身體部位後，透過其它媒材轉化為創作。如此，作品便不完全屬於任何人，卻有人的氣質，這符合他認為人就是矛盾、衝突的理念。但林辰勳也認為，有太多以人為主題的作品，所以目前多以動物雕塑來諷刺人性，「我覺得只有動物、小孩是純真的，但動物更有諷刺感。」「就算觀眾對我作品進行扭曲理解，我也欣然接受，因為那樣作品對他來說才有意義。」林辰勳曾遇見一位老人觀眾，不但抓住作品理念，更與他暢談自身想法，所以他不排斥觀眾對作品有各自解讀。「你不會想買一個看了需要反省自己的東西回家放，又占空間。」如何拿捏自己的作品不淪為公仔，讓作品既受市場喜愛又保有自己藝術初衷，是他目前想找到平衡的事。 林辰勳的作品帶有對人性黑暗沉重的批判與諷刺，他認為這是他目前試圖改善的地方，因為「太沉重的議題不討人喜歡」。圖／周瑩慈攝 就讀台藝大雕塑學系研究所的林辰勳，目前的工作是準備明年兩個個展作品，特別的是這次有體積迷你的作品，他表示這是為了「配合市場」。圖／周瑩慈攝 林辰勳擅長創作人與動物，利用兩者之間微妙又矛盾的關係，諷刺人類各種違反自然、不理性的欲望等，以人為出發點延伸的問題。圖／周瑩慈攝